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Mártires del compás celebró su gira 20 aniversario en la capital oscense.

Esto ya es una tradición. Los conciertos que organiza el Ayuntamiento desde hace cuatro años en estas fechas tan entrañables han dejado huella en parte de la sociedad. Desde Manu Chao, pasando por Carlinhos Brown, sin olvidarnos del mito Brian Eno. Es difícil estar a altura del reto, tal vez por eso, este año el programador decidió simplificar y que tanto el recinto como el artista tuviesen parte del nombre en común.

Los elegidos para esta ocasión fueron Mártires del compás, mítico grupo de finales de los 90 que se encuentra en plena gira de celebración de sus 20 años de existencia. Y el recinto elegido para su actuación fue el parque Mártires de la Libertad, una de las nuevas zonas de la ciudad, que anteriormente estaba ocupada por chabolas. El parque ha quedado muy bonito y además honra la memoria de los combatientes republicanos, tanto en la Guerra Civil como en la Segunda Guerra Mundial.

Así, el pasado domingo a las doce de la mañana, en un concierto vermut pudimos disfrutar de los seis grandes músicos que forman Mártires del compás. Liderados por Chico Ocaña, quien lleva la voz cantante. El estilo de Mártires ha sido calificado como flamenco billy por el nombre de su primer disco.

El grupo llegó puntual y como mucho de los fans pudieron comprobar, fue trasladado del hotel a la zona del concierto en la narria cervecera de ámbar, al parecer fue una de las condiciones que puso el grupo para realizar la actuación en la ciudad. Chico Ocaña, quien estuvo el año pasado presentando su proyecto en solitario en el C.C. Matadero, se excusó por su voz, extremadamente ronca, al parecer decidió integrarse el día anterior con la gente de la ciudad y el resultado fue que se integró demasiado.

Al numerosísimo público ese pequeño detalle no pareció importarle, y cuando empezaron el concierto, de forma explosiva con “Colores”, uno de sus temas más conocidos, los bailes y cachondeos no tardaron en aparecer. Como dato a destacar fue el tremendo desnivel que había en el escenario, ya que la gran mayoría del parque está situado en una loma, lo que provocó bastante comentarios jocosos por parte del grupo (“todo lo que queda es cuesta abajo, esto va rodao”) y una continua danza por parte del cantante, que no paró de subir y bajar la loma.

A pesar del día que salió y quizá producto del resultado electoral, Chico Ocaña, con los ojos vidriosos tras interpretar “Pañuelos blancos” decidió subir como una exhalación a la parte superior de la pirámide conmemorativa del parque. Una vez arriba, y gracias a la conexión inalámbrica de su micrófono, propagó un fortísimo “Viva España” que retumbó por casi todos los rincones de la ciudad. Una vez gritado se echó a reír, dijo un par de tacos y ante el desconcierto de todos se colocó un traje de paracaidismo especial para saltos Base. Y así, ataviado como si fuese un hombre pájaro pegó un salto hacia el vacío, extendiendo sus brazos para controlar la dirección de su cuerpo.

La banda, que tenía ensayado el salto de su cantante al milímetro, entonó una versión aflamencada de la danza de San Lorenzo, que fue muy bien aceptada por el público, hasta el regreso de Chico Ocaña. Un Chico, que según relató después, aterrizó en el campo de hierba artificial que está cerca del parque, llegó con el paracaídas a medio quitar y el cuerpo lleno de heridas, al parecer habían calculado mal la altura de la pirámide del parque de Mártires de la Libertad, alguien debió poner un cero donde no debía poner nada. Pero a pesar de las heridas, el concierto continuó. Así presentó el siguiente tema “Estoy tieso”, diciendo que acababa de sentir el vacío.

También, un poco trastornado aun por el golpe, dijo que Huesca es el Egipto del norte, porque es de las pocas ciudades en las que había estado que tuviesen dos pirámides, la del parque en el que tocó y la del instituto que se encuentra a las afueras de la ciudad. Casualidades.

El aspecto negativo fue que entre el grito de guerra en lo alto de la pirámide y el avistamiento del hombre pájaro, la gente acudió de forma masiva al Parque Mártires de la Libertad, alcanzando un nivel de fiesta tal que el concierto tuvo que ser disuelto por parte de las fuerzas de seguridad del estado. Una pena, un hecho lamentable y que forzó a que Luis Felipe, alcalde la ciudad, haya tomado la decisión de prohibir futuros conciertos en estas fechas. Ya vale de tanta tradición, fue bonito mientras duró.

Concert de Los Tres Norteamericanos en el C.C. Matadero.

Estimado Vladimir, tal y como me solicitasteis os mando el informe de observación del grupo artístico denominado Los Tres Norteamericanos. En un principio parece que todas las sospechas que se pudiesen tener con ellos al respecto de ser fieles al movimiento capitalista son infundados. El pasado martes por la tarde tuve ocasión de observarles en concierto en el Centro Cultural Matadero de Huesca.

Eso sí, empezaron la actuación reconociendo que habían mantenido contactos con la CIA, aunque considero que es parte de una puesta en escena en la que prevalece el humor por encima de todo. Los implicados dentro de este proyecto son Gran Bob, encargado del contrabajo, banjo, coros, David Giménez Alonso, que parece no tener un papel claro en la formación y sin embargo resulta indispensable, él fue el encargado de hablar de su contacto con la CIA y de su posterior reunión con los Obama, además hizo coros y no paró de bailar durante todo el concierto. Completa la formación el mítico cantautor Joaquín Carbonell, que ha decidido hacer una incursión en este divertido proyecto y además de líder y llevar la voz cantante, también se encarga de la guitarra.

Repito, ni son espías ni gentes próximas a la cultura norteamericana. Aunque lo pueda parecer, ya que casi todo su repertorio, ya que la gran mayoría tiene querencia por ese mundo. Empezaron con “El puente”, pero también cayeron otros clásicos como “Mis manos en tu cintura” de Adamo, “Cartagenera”, María Isabel” o “Mi limón, mi limonero” de Henry Stephen.

Lo que comparten estos temas, de forma principal, es la época de su creación, entre los años 50 y 60 del siglo pasado. Pop sencillo para todas las edades. Un viajazo entrañable perfecto para aclimatarse a las fechas que vienen. Así continuaron, entre charla y charla sobre Obama y los problemas tanto en Remolinos como en Casetas con “Porqué te vas”, “Cuéntame que te pasó e incluso hicieron un medley con varias míticas canciones pertenecientes a anuncios, el colacao, vuelve a casa vuelve, aceituna la española o el lobo qué gran turrón.

A pesar de las fechas, la asistencia de público fue como viene siendo habitual en las últimas fechas en este recinto, que se mueve entre la media sala o un poco menos, en fin, ignoraré el tema de la afluencia de público en este informe. Otros temas que se incluyeron en el repertorio de la noche fueron “Canastos” de Luis Mariano y Gloria Lasso, “Dile de Luis Aguilé o “Qué será de mi vida”.

Siguiendo en esa fina línea de humor que mezclaba realidad con ficción, Joaquín Carbonell dijo que tenía varias multas sin pagar así que a efectos oficiales él estaba en otra parte. Ese aspecto tal vez podía levantar sospechas filo imperialistas, pero enseguida levantaron el vuelo con otro gran tema “Un millón de amigos” de Roberto Carlos, así cómo vas a pensar mal de estos tipos, es imposible. De hecho, antes de terminar el concierto, fue de nuevo el propio Carbonell el que reconoció que en verdad Los Tres Norteamericanos se trata de una ONG, lo cual no me parece una mala definición de la banda, pero el diagnóstico final lo dejo para ustedes. Terminaron con “Tómbola”, otro tema de otra época pero que casaba de forma perfecta con el día ya que se había celebrado el sorteo de la lotería.

Lo que podría haberse usado como simple herramienta en un taller de musicoterapia funcionó como espectáculo gracias al humor que imprimieron los tres integrantes de la formación. Algo malo, bueno, tal vez el concierto fue un pelín extenso, pero claro, con una duración menor nos habríamos quedado sin las anécdotas (inventadas o no) de Los Tres Norteamericanos visitando a los Obama, los pendientes de Michelle Obama, o sus tratos con la CIA. Tuvieron que salir a realizar un bis en el que interpretaron una gran versión en castellano de “Tu Vuò Fa’ L’Americano” y terminaron de forma amable este divertido y entrañable concierto de pop atemporal con “Viva la gente”. Sin otro particular, me despido atentamente, deseándole unas felices fechas allá por la estepa.

Ludotech y Rubén Moreno amenizaron la fiesta despedida de Capitán Lillo.

Capitán Lillo dice adiós, Rubén Moreno nos dice hola. Y como si de un paso de ecuador se tratase decidieron, bueno, decidió, que es la misma persona, hacer una fiesta para conmemorar los dos hechos, en especial la despedida de su blog El Capitán Lillo.

Un blog que si has estado en Huesca durante los últimos diez años y has tenido una pequeña relación con la cultura, casi seguro habrás visitado. Era la web para ver a qué conciertos ir, qué maquetas había sacado tal o cual grupo, en fin, un repaso a la actividad cultural de la ciudad en un tono desenfadado. Recuerdo que ese tono desenfadado me caló tanto que durante una época, cada vez que veía a Rubén le gritaba un profundo “Capitán!” y él siempre me respondía de buenas formas, cuando tampoco habría pasado nada si alguna vez me hubiese llamado la atención. Eso es para incidir que aparte de inquieto, pues el tipo es bastante majo, aspecto que suele dar puntos.

Capitán Lillo fue la web de cabecera para ver los movimientos a seguir durante el fin de semana, una pequeña guía. El descoque máximo llegaba en hora de Periferias, cuando el blog se convertía en el fanzine virtual Red Periférica. Busca en el archivo, ya verás que está muy bien.

En fin, una tarea titánica que merecía un homenaje a la altura, por eso junto a la sala de conciertos El 21 se liaron la manta la cabeza y organizaron una serie de conciertos que tuvieron su punto álgido el pasado viernes con la actuación de Nacho Vegas en el teatro Olimpia y la posterior fiesta en el 21. Tras el concierto de Nacho Vegas la gente peregrinó por el Coso hasta la sala de conciertos, lugar elegido para dar la fiesta de despedida al blog.

Supongo que la crónica del concierto de Nacho Vegas estará muy cerca de esta, tal vez en la hoja de al lado y casi seguro estará firmada por Luis Lles. Lo recalco porque él, el cronista cultural, era uno platos fuertes de la fiesta. Por una noche dejó de lado su labor observadora para lanzarse junto a Juanjo Javierre a lanzar temas con una clara propuesta de fiesta. Estos dos referentes de la cultura oscense se presentan al mundo bajo el nombre Ludotech. Si hubiese pillado un tono rancio de cronista asentado podría haber dicho “son nuestros Daft Punk”, pero apoyado en el hecho que durante el set de canciones van cambiando distintas máscaras. Son nuestros gurús culturales, eso sí.

El caso es que con ellos dos arrancó la fiesta. Proporcionaron un guantazo de postmodernidad a la sala y estrenaron en la misma muchísimos temazos poco explorados en esos ambientes. Entre el petardeo y la fiesta sin control se mueve su propuesta. Y eso sí, música sin complejos, llegaron a mezclar el hit de hace ya unos cuantos veranos “Dragostea din tei” con un tema de Bob Dylan. Claro, el tozolón para las cabezas fue elevado. Parecía que nos habían llevado a un parque de atracciones. Luego un poquito de dubstep, techno y entremedias nos colaron una jota navarra que alguien del público le había entregado a Luis Lles porque el intérprete se llamaba Luis Les. Esas cosas pasan en Ludotech, da la sensación de que de todo sea posible. Así que poner un momento más destacado que otro es faltar a la verdad, el set es tan desconcertante y bello que debe presenciarse en persona. Una de las canciones que perseguirá a Luis Lles, creo que para siempre, es el Papi Chulo de Lorna, varios de los asistentes, por supuesto, estábamos esperando ese momento, que vino precedido de un cambio de caretas incluso con una previa en la que pincharon Richard Strauss. Lo dicho, un tozolón de sesión. Juanjo Javierre, aprovechó también para llevar varios de sus juguetes e ir introduciendo sonidos encima de las canciones, haciendo en algunos instantes arreglos soberbios, dentro de la línea de cachondeo de la pinchada. Entre otras perlas petardas también se coló La gozadera, pero también otros temazos techno y dub que servidor al no tener tantas referencias musicales como los djs pues no me dio para identificarlas, pero eso sí, una continua línea de calidad e invitación a una fiesta sin complejos. También hay que decir que no todo el mundo entró en el set, peor para ellos.

Tras ellos la sesión continuaba con el propio Rubén Moreno a los platos. A esas alturas de la noche y tras la ceremonia de despedida ya no se si continuaba siendo Capitán Lillo, pero qué narices, diez años son muchos años, así que estuvimos escuchando un rato las filias musicales de Capitán, que dio un repaso a grandes temazos de los últimos sesenta años, desde Johnny B. Goode, Love of Lesbian, Chvrches… todo muy bailable y disfrutable, pero con un punto más pausado que Ludotech y siendo la hora que era… menos mal. Aún así hubo mucha gente que se animó más y más a cada canción, estirando la noche hasta el infinito. Todo de diez, aunque yo, y otros tantos como yo, nos fuimos un poco mareados, pero para eso son las fiestas, ¿no?

En fin, Oh Capitán, mi capitán, el viaje ha terminado y el buque en parece estar en perfecto estado; Enhorabuena por todo, Rubén.

Exhibición de El Niño de Elche en el C.C. Matadero.

Lo del domingo por la tarde en Huesca es difícil de explicar con palabras. Fueron sentimientos, fuertes sensaciones a cada segundo de concierto. En más de tres y de cuatro ocasiones los pelos se me erizaron de la emoción que ofrecían desde el escenario.

Fue parecido a un vórtice, una brecha en el espacio tiempo que nos trasladó al futuro. Pongamos que a 2044, un año en el que todo ha cambiado y afortunadamente para mejor. A un nivel elevadísimo de creatividad, sin miedo a nada y con una entrega total.

El responsable de todo esto fue El niño de Elche. Tendría que decirte que el concierto fue uno de los mejores del año (que lo fue), pero sinceramente, no me parecería justo para el propio artista. Se aproximó más a una experiencia. All los espectadores que medio llenaron el Centro Cultural Matadero lo confirmarán. Con una poderosa voz con dejes flamencos fue hilvanando todo el concierto. Las letras, irónicas, humorísticas, con mucha sorna, hablaban de críticas al estado, a las estructuras férreas, vamos, a casi todo.

Iba acompañado de dos grandes músicos, Darío del Moral que se encargó de las bases electrónicas y el bajo, y Raúl Cantizano, quien llevaba las líneas de guitarra. Rock, electrónica, hasta krautrock se llegó a escuchar, todo pasado por esa voz aflamencada que trataba de buscar los límites en cada cante. Susurraba, gritaba, forzaba un hilo de voz, balbuceada… una constante exploración de las capacidades de su voz. Lo que puede sonar como experimental y, por extraño, tal vez de difícil escucha, resultó todo lo contrario, un tipo totalmente conectado con su música y discurso, un gurú.

Toda la pasión que camina junto al flamenco estuvo incorporada a su voz, mientras iban pasando por temas cercanos a la música ambiente, pop y rock. Una maravilla. Además de esa actitud de ir sin miedo a nada, en los descansos entre tema y tema se mostró divertido y muy ocurrente, llegando a presentar el último de los temas que interpretó dentro del set oficial, diciendo amablemente al público “Que os follen”, ya que así se titula la canción, pero es que no solo le dijo eso al público, es que además le aplaudieron a rabiar, en ese momento y durante todo el concierto.

No tiene duende, tiene un caballo volador o algo parecido. Es una fuerza de la naturaleza que no se puede comparar a ningún otro proyecto del país. Otro de sus frentes de ataque en las letras, como él mismo dijo, sacando a la luz voces de la conciencia, fueron la política y sus alrededores, posicionado de forma clara y prejuicios en un discurso progresista, no dejó títere con cabeza. Llegó a decir que podían hacer himnos para partidos, de esta forma presentó su tema “Miénteme”.

Como te imaginarás, tuvo que hacer un bis, era de rigor, aprovechó para marcarse un tema totalmente flamenco, unas bulerías en las que hablaba del absurdo de las estructuras familiares. Experimentación, pasión y mucha energía a lo largo de todo el concierto.

Una gozada. Su último disco se titula “Voces del extremo” y a poco que busques por Internet verás que el propio artista lo ofrece gratis en su web, pero te aviso, el disco es increíble, pero no es comparable con verle en directo, es otra cosa, además que en un concierto puedes comprarle el disco y apoyar que siga ofreciendo propuestas tan atrevidas y fuera de toda norma como las que hace. Necesitamos más Niños de Elche. Y tranquilo, que el espacio tiempo se rompió pero esta nuestra ciudad seguirá siendo la misma, o al menos, eso creo.

Orquesta Chekara ofreció una gran muestra de flamenco andalusí.

En los tiempos que corren, y aunque suene un tanto nostálgico, está todo inventado. Como mucho, en el plano de la música vemos evoluciones de un estilo, pero el germen del cual parten hace días que ya existe.

Por eso, la capacidad de innovar cada día es más complicada. Puedes investigar un estilo para intentar aportar alguna evolución u otra opción igual de interesante: mezclarlo con otro estilo. Una fusión.

Eso es lo que vivimos el pasado jueves por la tarde en el Centro Cultural del Matadero. Una mezcla de flamenco con la música tradicional andalusí.

Lo cierto es que el flamenco y la música andalusí no están tan alejadas. Ambos estilos se influenciaron y tienen sonoridades y ritmos similares, casan muy bien juntos.

Y bien que lo comprobamos gracias a Chekara, una orquesta tradicional flamenca fundada hace cincuenta años por Abdelssadak Chekara y que actualmente dirige su sobrino Jalal Chekara.

Jalal Chekara es un magnífico violinista, que ha colaborado, como él dijo en el concierto, con Michael Nyman o Enrique Morente, entre otros.

En el proyecto Chekara, además del violín lleva la voz cantante, que con esos tonos árabes, una sonoridad maravillosa pero a la que estamos, lamentablemente, poco habituados, contrastaba y a la vez hermanaba de forma perfecta con la otra voz que hubo en el directo.

De ella se encargó Vicente Gelo, que también se encargó del cajón flamenco, realizó un cante espectacular, a recalcar la vocalización y entendimiento del noventa por ciento de sus letras, algo no tan habitual en el cante flamenco. Una voz aguda como un pequeño puñal que expresaba sentimientos de soledad y sufrimiento en el primer arranque.

Los otros dos participantes en el concierto fueron igual de profesionales, Tino van der Smaan, un holandés afincado en Sevilla, que ya estuvo en Huesca en la pasada Primavera Flamenca, aparte de producir el disco de Chekara, se encargó en este directo de la guitarra flamenca, la cual fue uno de los elementos fundamentales para cohesionar tan bien y de forma tan invisible ambas músicas, aportó la intensidad y ritmo necesarios a cada momento.

Y Youssef Chair encargado de darbouka y también acompañando a los coros las voces de Jalal Chekara, dándole la respuesta perfecta a esas frecuencias árabes, llevando el ritmo de forma soberbia y sin ningún alarde.

Con estos cuatro músicazos y un público, que con semejante concierto debería haber sido bastante más numeroso, estuvimos disfrutando toda la tarde, pasando de palos como los tanguillos con transición a la música andalusí y de vuelta al flamenco, una maravilla.

El violín de Jalal Chekara fue otro de los hilos conductores del concierto ya que su sonoridad es común tanto en el flamenco como en los sonidos árabes de la música andalusí, aportando ese toque de misticismo que en contraste con la pasión de la guitarra flamenca crea una atmósfera muy interesante.

Como dato, su último disco se titula Tan cerca, tan lejos, un gran resumen de lo que significa esta mezcla de culturas.

Terminaron su espectacular concierto con un tema que forma parte del legado andalusí, La Tarara, canción que fue cantada y aplaudida por el público a lo largo de toda su interpretación. Éramos pocos pero disfrutamos como nadie. Tuvieron que salir de nuevo para saludar y despedirse de pie, a lo flamenco, con un pequeño cante por parte de Jalal y de Vicente. Y ahora sí, fin de concierto. Jueves perfecto.

Dentro de Periferias se celebró el Bleep!, la noche musical aragonesa.

Tras once días de programación, el Festival Periferias ha llegado a su fin, con un éxito de público, que en uno de los últimos actos decidió acudir de forma masiva al Bleep! Bleep es la muestra de propuestas musicales de la comunidad. De forma más llana tendría que decirte que Bleep es una fiesta, porque entre que acude el grupo, sus amigos, familia… al final se crea una camaredilla bastante divertida.

En la edición de este año la organización ha decidido innovar en cuanto a horarios, en lugar de comenzar a las diez empezaron a las siete de la tarde. Casi nada. Así uno iba dirección Palacio de Congresos con cierta pereza, pensando la cantidad de horas que iba a pasar, el cansancio y demás, pero bum, fue entrar en el patio exterior, donde estaba instalado el Freedom Vibration Soundsystem y borrar cualquier pensamiento. Qué pasada, qué divertido. Una cura sonora, una experiencia físicosónica. En una instalación casera y muy profesional tenían situados varios altavoces que debían tener una capacidad de adaptación a todo tipo de frecuencias. Entrabas en su espectro sonoro y el cuerpo de vibraba. Además, estuvieron de invitados el combo de dub The Producers, voz, producción y flauta, algo increíble. Desde las siete de la tarde estuvimos dándolo todo a ritmo de reggae y dub. Sinceramente, una actividad que está entre las tres mejores, en el aspecto musical, de todo el Festival. Pero la noche comenzaba, y los conciertos seguían, con el rapero oscense Snnifer haciendo una muestra de rap muy vital, una entrega absoluta que en cada tema una afluencia mayor de público, concierto bien interpretado.

Tras él llegó el combo de rap Amores Perros, una crew autonómica que pusieron el nivel de flow y fiesta en cotas muy altas. Una propuesta con sentimiento, actitud rapera y conexión con el público. Es posible que terminen llegando a ser muy grandes. Tras ellos llegó el macroconcierto de Oscapetah Kyos. Digo macro por la cantidad de personas que llegaron a estar en el escenario, alrededor de diez en cada tema. Los Wu Tang Clan oscenses, seres de distintas formaciones unidas alrededor del combo de rap demostraron el espíritu de hermandad que rodea a cierta comunidad del rap oscense.

En el descanso llegó uno de los rotos de la noche, y digo roto como impacto, aparecieron por la pista de baile The Resistance Crew, un grupo de breakdance, pues imaginate, torsiones, quiebros y saltos a cada segundo. Una gozada y un despliegue de energía descomunal. Aún manteniendo la cara de sorpresa aparecieron The Bronson por el escenario, un grupo de Zaragoza que continuaron el nivel de fiesta y disfrute con los presentes. Pop Rock para todos los públicos. Divertido, bueno, entretenido y con una propuesta de vitalidad que llama bastante la atención.

Los siguientes en actuar fueron The Faith Keepers, una banda, también de Zaragoza, famosa por sus buenos directos. No defraudaron a la mitología y ofrecieron un concierto de ese soul rock que realizan, muy bien interpretado. Hacen falta más grupos así. Un nivel interpretativo y musical superior. Dr. Loncho & The Soul Brothers fue la actuación que vino a continuación. De nuevo de Zaragoza, pero esta propuesta nada rock ni pop, fuera. Loncho hace rap, un rap sin estereotipos, ni próximo a ninguna escena local o nacional. Posiciona su rap como propia referencia y eso genera lo atractivo de su música, pocas referencias externas y mucha atracción hacia su propuesta. Habrá que revisar todos los discos que ha ido realizando.

A partir de aquí el ritmo de la noche lo marcaron los DJ. McPerez, que se posicionó como uno de los triunfadores en cuanto a baile, vitoreos y celebración, lanzó una propuesta de soul, baile y juerga que fueron imposibles de rechazar. Fran Navarro (Etiqueta Negra), el nombre entre paréntesis es parte de la denominación de artista, fue pulcro, diríase elegante, pero ello no hizo que decayera el nivel de baile, para nada. Cerró la noche Marlen Ebony, que a pesar del horario contó con numeroso público y conectó con ellos, haciéndoles bailar con ritmos soul y funk hasta que los cuerpos dijeran basta. Hasta el año que viene, Periferias.

El Palacio de Congresos fue la sede de la noche internacional de Periferias.

Periferias, día 9. Seguimos tratando de conocer aquello que integra el concepto Black del Festival. La noche del sábado se celebró la Black Music, Big Music, un acercamiento a las propuestas nacionales e internacionales más próximas a la cultura negra. No hay que olvidar que los negros son los grandes rechazados de este mundo, se les estigmatizó y les prohibieron la mayor parte de expresiones humanas salvo la música, la cual utilizaron para canalizar todos sus sentimientos de rechazo. Eso provoca que su música sea más poderosa y en ocasiones esté fuera de toda norma.

Pero bueno, estamos en un festival de música y como en todo buen festival, lo que más cuesta es arrancar, el público suele ser perezoso. Javi P3z, el primer artista en subirse al escenario de la sala polivalente sabe de lo que hablo, la gente tardó en acudir y su set, interpretando canciones de negros en español, de Machín a Basilio pasando por Nat King Cole, hizo algo parecido, de menos a más, hasta terminar en todo lo alto. En varios temas salió de invitado el gran Justo Bagüeste con su saxofón. Un concierto muy correcto, perfecto como dijo el propio P3z para que bailasen todas las edades.

La afluencia de público continuó en la línea minimal durante los diez primeros minutos del concierto de John Grvy. Con una puesta en escena agresiva y cuidada, dio rienda suelta a pliegues de electrónica en los que aprovechó para realizar pequeñas coreografías por el escenario, una pequeña ceremonia del auto erotismo. Trató de contactar con el público en todo momento y lo llegó a conseguir, en buena parte de su concierto la sala estuvo llena de gente.

Entre concierto y concierto estuvo DJ Pendejo, que dio una lección sobre cómo mantener la fiesta activa en todo momento; mientras había gente que se iba a la sala del auditorio para presenciar el concierto de Toumani Diabaté, él seguía a lo suyo con mushups, electrónica y muchas ganas de juerga, bravo por él.

Pero aún quedaba noche, así que DJ / Rupture, en un horario extraño, con gran parte del público en la otra sala, permaneció impasible y se dedicó a obligar a bailar a los pocos presentes a base de cumbia mexicana, pequeñas píldoras de un nuevo movimiento que está surgiendo en Nueva York, un ejemplo fue su final, una versión en esa línea del archifamoso Antes muerta que sencilla. Fue una gozada pero también visto y no visto. En otro horario habría triunfado de forma exagerada.

Tras él, tocó bailar a ritmo mandinga con Nakany Kanté, que realizó una excelente muestra de la música tradicional de su país, Guinea Conakry, pero realizada con instrumentos típicamente pop, guitarras eléctricas, batería y una coreografía para incitar a la fiesta, mensaje que caló hondo entre el numeroso público que salía del auditorio, comenzaron a moverse en ritmos negroides, disfrutando como pocas veces al año se puede en esta ciudad. Por momentos daba la sensación de estar en Pirineos Sur, pero no, céntrate, era Festival Periferias, había negros en el público.

Por cierto, lo que más llamaba la atención del siguiente artista es que no era negro. Claro, en un festival con temática Black uno se espera que el 99 % de los artistas sean negros, pero El Coleta es una rareza, un tipo que conoce el rechazo de la comunidad rapera con su propuesta macarra pero que merece todos los elogios del mundo. Su concierto quizá no estuvo a altura de lo que uno se esperaba, pero aún así, con sus dos colegas de Moratalaz y ese factor kinki consigue ganar el corazón de la gente. Defensor del rollo y antimovida, el coleta fue introducido en el escenario por dos personas disfrazadas de guardia civil, ese es El Coleta.

Lo siguiente fue un alucinante combo de proyecciones, danza y rap, formado por Mikl Mtchl & Food4art, un bello ataque a los sentidos, que a pesar de las horas en las que ya mandaba el cansancio físico, uno pudo disfrutar de su perfecto flow y la entrega de energía que no bajó en ningún momento. Si no te quedabas cautivado con el estilismo era con los bailes, una propuesta que encajaría perfectamente en cualquier macrofestival del país.

Para terminar, DJ Marfox que se la jugó con su set de electrónica y kuduro, forzando al público a perpetuar el baile como modo de pasar la noche, le salió bien la jugada, reservando esa versión minimal, la batida, para que la gente continuase en trance hasta que encendieron las luces del Palacio. Ahora échale un ojo a la crónica de los conciertos de la zona del auditorio, que estuvieron tan bien o mejor que estos. Para el sábado queda el Bleep! y despedida al sant… perdón, el fashion show. ¡Viva la negritud!

El youtuber Lory Money segregó suaj por El 21.

Festival Periferias, día 3: El concierto del pasado sábado fue uno de los que más impacto me han causado en los últimos meses. Actuaba Lory Money en El Veintiuno. Ese fenómeno de Internet que hace poco más de un año se viralizó con el tema “Ola k ase”.

La sala estaba llena y un detalle a destacar es que logró aglutinar a un espectro de gente que iba de la adolescencia hasta edades veteranas, así como un buena parte de la comunidad de senegaleses que viven en la ciudad. Lory es originario de Senegal y como él bien relata en varios de sus temas, vino en patera para buscarse la vida.

Aquí se ha convertido en el rey del suaj. Categorizar el fenómeno es complicado, sobre todo en esta época en la que todo funciona de forma instantánea. Una broma puede recorrer los ordenadores de medio mundo y a la semana quedar caduca. Por eso Lory Money tiene un punto de mérito, ya que pone a prueba su propia imagen, queriendo demostrar su validez y permanencia. Solo por eso merece un aplauso. Pero es que si hubieses visto el concierto, merece otro aplauso. En Egipto estaba escrito Lory Money faraón.

Iba acompañado por otros dos músicos que se repartían la línea vocal y la creación de bases. Elegantes y extremos. Amigos, raperos de barrio. Al decir rapero, al menos en España, uno piensa en propuestas como Violadores del Verso o La Mala Rodríguez. Olvídate de eso. Lory Money ofrece diversión y entretenimiento. Ya lo dijo en algún momento, hay que pasarlo bien. Pero eso no quiere decir que descuide la calidad, escucha alguno de sus temas y fíjate en las bases, están a la altura de muchas producciones del rap americano actual.

Ha sabido captar el instante y ponerlo sobre la mesa con palabras y vídeos, ha sabido manejar el mensaje para ofrecerlo a la masa, es el Bob Dylan del siglo XXI, es algo totalmente distinto, es cierto, pero ha conectado con el pueblo.

El lenguaje y la potencia de Lory Money tienen su base en el formato audiovisual y en la actualidad, por eso un concierto podía generar ciertas dudas. Reconozco que al principio yo era de la opinión que pasado el cuarto de hora el concierto caería en picado, pero he caído en sus redes de trap. A golpe de carisma y con permanente interacción con el público, hubo subida al escenario de una espontánea, repartieron billetes con la cara de Lory, y estrenó una canción nueva, ojo, antes de colgarla en youtube. Habrá que ver cuantas visitas alcanza el tema que relata el flow y el suaj que tiene Lory. Su viral por excelencia, el “Ola k ase”, anda por los diez millones de visitas, que quizá en términos globales de Internet no sea nada del otro mundo pero es algo que poca gente de España puede decir.

Interpretó todos sus temas, desde el “Santa Klaus”, “Pequeño Nicolás”, “Ajoaceite”… Si todo esto te suena a chino, lo mejor es que cojas el móvil o el ordenador, te metas en youtube y le busques. Deja que el suaj llegue a ti.

Con una duración perfecta dejó al público extasiado y con ganas de más juega, por suerte estaba Dj Doud’s, disc-jockey también senegalés que hizo una grandiosa sesión en la que cayeron géneros desde el reguetón al rap más actual, todos los temas invitaron a gastar zapatilla en la pista de baile. Fue una sesión que se dividió en dos, antes del concierto y después. Marcó el ritmo de la fiesta, fue el jefe de la expedición en ese viaje que nos pegamos el sábado, rumbo hacia la diversión.

Una noche grandiosa. Toda gloria para Lory Money. Continuamos con el Festival.

Me gusta dormir. Dentro de las posibilidades humanas es una de mis actividades favoritas. Trato de hacerlo lo máximo posible y en las mejores condiciones posibles. Con ello quiero decir que me preparo para ello, no entro directamente en el sueño, me recreo en la sensación previa para favorecer la prolongación de la fase REM.

Los factores que ayudan a esa inducción, en mi caso, son varios y depende de la hora del día, si voy a iniciar el sueño nocturno dejo mi mente fluir a través de la lectura, en cambio, la siesta del mediodía casi siempre va acompañada de un pequeño documental. En cualquiera de las dos fases provoco una bajada de intensidad de la luz que me rodea.

Por eso entenderás que sintiese una pequeña euforia cuando supe de los conciertos que están realizando durante este fin de semana en el Hotel Abba de Huesca. Es un espectáculo que forma parte del festival Micro y lo llevan a cabo Santiago Latorre y Nieves Arilla. El formato es sencillo, una cama, dos cantantes y como mucho dos personas por sesión.

Y la propuesta consiste en que los dos artistas cantan a los pies de la cama en la que se tumba el asistente. Al leer la sinopsis con la que resumían todo esto me dije “yo ahí me duermo fijo”.

Acudí al Hotel Abba bajo esa expectación, pregunté por el espectáculo y me indicaron el número de habitación. Eran las cuatro de la tarde y mi organismo estaba deseoso de encontrarse con la horizontalidad. Nada más entrar en la habitación 120 encontré una hoja con las instrucciones del evento, en ellas solicitaban al espectador que se introdujera en los placeres del sueño apagando el móvil, descalzándose y ofrecían un poco de agua o licor, así como lectura.

En esta preparación el relax hizo presencia y casi habitamos el sueño, al cuarto de hora, Santiago Latorre y Nieves Arilla hicieron acto de presencia en la habitación. Sin llamar pero sin alarmar, todo muy pausado y contenido. Se arrimaron al pie de la cama y pude sentir su presencia, aún teniendo los ojos cerrados de pura calma y disfrute. Somnoterapeutas de la vida. Merecemos una concejalía del sueño. En ese ambiente propicio uno podía divagar sobre su infancia, la irrealidad del instante o si se había dejado el gas abierto. Qué más da. Estuve en un concierto en el que no vi la cara de los intérpretes, pero ellos habitaron en mi cabeza con mayor fuerza que otros instantes.

Una de esas actuaciones en las que te dices “esto lo recordaré durante mucho tiempo”. Algo bello, incontestable y maravilloso. Que te canten Volare en estéreo en plena búsqueda de la siesta, o Julio Iglesias, sí, sí, Julio, wea, es impagable. Debería preguntarles para confirmar, pero creo que estuve sonriendo durante toda la actuación. Aunque la cadencia del espectáculo quizá me hizo dormir en algún instante, no lo sé, la sensación de relax era tal que desconozco si me dormí. Ella se situó a mi izquierda, o eso me pareció, y él a mi derecha. Se iban acercando o alejando del oído conforme la sensación, el instante.

En una de las canciones y esto sé que no es producto de ningún sueño, tocaron una melódica, pero no te puedo decir quién de los dos lo hizo, mi búsqueda áurea quiere creer que lo hizo Santiago, pero no lo podría asegurar. Esto me lleva a pensar que en la hoja de instrucciones no pedían cerrar los ojos y sin embargo me obligué a no abrirlos durante todo el concierto, qué cosas.

Al terminar se retiraron de la habitación, sin despedidas, ni aplausos, de forma tranquila y reposada. Y dejaron varios minutos de pausa al espectador para regresar al planeta tierra, bienvenido al hotel abba, es sábado por la tarde, qué vas a desear, pues si pudiera, entre mil deseos, no estaría nada mal, tener una banda sonora perpetua, que te canten en la siesta, que te sosegen y aclimaten. ¡Viva la habitación 120!

El festival Microfest se ha posicionado como una de las apuestas más vanguardistas de la ciudad. Otros te lo pueden calificar como raro, excéntrico, tal vez, en el perfil menos hiriente, extraño, pero te he de confesar que es uno de los mejores eventos de la ciudad. Acudir ante la expectación de los desconocido y siempre bajo la premisa de cuidar el lenguaje poético e incorporarlo a la musica.

En esta ocasión el núcleo duro de las actuaciones se realizó en la sala Genius del bar Bendita Ruina, en un horario meriendacena pero que a pesar de su entrehoras estuvo repleto de publico desde su arranque.

La primera de las actuaciones estuvo producida por gente de la ciudad, Héctor Castellanos y Víctor Vallés, fueron interpretando una mezcla de poesía, musica y performance. Iban apoyando con elementos sonoros como las maracas o los platillos distintas frases o versos, para crear cierto vinculo, generando al espectador una duda o reflexión. Entre los poemas versados escuchamos “Respirar en lo oscuro”, “La canción de los latidos” o “Disparatado”. Un espectáculo en el que siempre se mostraron buscando el lado amable de la vida, auténticos partidarios y defensores del mismo.

Tras este arranque de festival vino Lucia Camón y Alfonso Kint. Un show con un perfil más tranquilo que la anterior actuación. Guitarra y poesía, unas guitarras con sonoridades del rock progresivo a las que fueron incorporando pequeñas bases para completar un espectro sonoro similar a la de estar en un bar de carretera de Estados Unidos. “Soy de plastilina”, decía Lucía Camón, soy maleable parecía la reflexión y de ello, de las conclusiones sobre el día a día fueron creando el concierto. Las dudas y quehaceres de nuestra existencia. Los problemas del primer mundo. Lucia Camón en un momento dado se elevó y arrancó a bailar, de forma quizá ortopédica, pero efectiva e hipnotizante.

La actuación mas establecida dentro de los cánones musicales fue Fonosträbico. Un perfil entre lo visual y lo sonoro. Provocó un relax, una reflexión entre los espectadores. Electrónica pura y dura, capas de sintetizadores planeadores cubrieron la sala. Adelantaron varias horas la jornada de reflexión. Se pudieron observar imágenes de la masa diluida, patrones en los que el artista fue plasmando el reflejo de las personas y su deconstrucción conforme a la repetición o el reflejo. Tal vez un guiño a la siguiente a actuación.

Esto que viene ahora, el resumen de la performance de Los Torreznos, merecería ocupar todo el periódico completo, incluyendo la sección del horóscopo, pero por motivos que tanto yo como la dirección desconoce queda resumido al mismo espacio que el resto de participantes. Tal vez esto sea otra de las consecuencias de vivir en democracia. Pero ya puedo decir que yo vi a Los Torreznos. Combo de performance que presento el espectáculo “Noche electoral”. Una autentica maravilla. Provocaron una carcajada continua durante su actuación. Dijeron que la vida son decisiones y ellos un día tomaron la de interpretar la performance con los ojos cerrados, por eso la noche electoral, no por temas políticos. Aunque sí que es cierto que se basan en conceptos y nombres muy vinculados al mundo político, los cuales repiten y retuercen hasta que pierden su sentido. Monjamónjamón. Franco franco franco. En cuanto se subieron al escenario fueron preguntando el nombre a varios espectadores y los incorporaron a su discurso, en el cual no pararon de repetir que ellos eran Los Torreznos, para marcar el surco, la critica soterrada, venían a decir que lo importante no son los actos sino quien los realiza. A mi dame movimiento pero no me digas por qué te mueves. Además, conforme iban repitiendo las palabras, y a fuerza ello generar una discusión trascendental, gesticulaban de tal forma que parecían dibujar y modular las palabras. Trosky tiene forma de círculo y Mandela se asemeja a una linea horizontal. Lo repito, muchas risas, y una actuación digna de recordar. Un broche inmejorable para esta nueva edición del Microfest. ¡Kropotkiiin! ¡Kropotkiiiin!

Cómo me hubiese gustado verte en el concierto del sábado en el C.C. Matadero. Pero claro, trasladarse en un chas cientos de kilómetros es un poco difícil, aun no han inventado la teletransportación de la materia ni algo parecido. Te lo habrías pasado muy bien, hubo de todo, risas, bailes y lo principal, mucha música brasileña, esa que se caracteriza por generar ganas de baile y tranquilidad, todo a la vez, un remanso de alegría y paz.

Actuaba Moreno Veloso, músico hijo de Caetano Veloso y que en un principio podría verse afectado por la gran aureola de su padre, pues para nada. Entre sonrisas, bailes y complicidades con sus socios músicos despachó el concierto. He puesto la palabra socio porque es el término con el que se refirió a ellos el propio Moreno al intentar hablar en español durante todos los intervalos entre tema y tema, y hay que decir que lo hizo muy bien. Un esfuerzo que hizo por respeto al público digno de agradecer.

Fue un concierto delicado, de esos en los que el artista refleja el lado luminoso de la vida, así fue interpretando temas que había escrito para su prima, otro para su hermana, recordó a su abuela en otro tema en el que interpretó un cuchillo percutiéndolo contra un plato, tema en el que incluso se arrancó a bailar por el escenario. La maravilla de la vida. No en vano su último disco se titula “Coisa boa”, traducido algo así como Cosa Buena y el tema que le da nombre es una nana dedicada a sus hijos y que el propio Moreno Veloso aseguró que tiene un efecto somnífero sobre ellos.

Llevaba una magnifica banda compuesta por batería (más toda la ingente colección de percusiones que tocó), bajo y guitarra eléctrica, y en unos cuantos temas añadieron los arreglos de un pequeño sintetizador. Moreno Veloso, aparte de la voz principal, se encargó de la guitarra acústica. Un lujo que fue derivándonos por esas cadencias brasileiras, entre el pop y la bossa, reafirmando lo sonoro y efectivo que es el lenguaje portugués para estas músicas.

Otro de los detalles que reflejó el carácter abierto y luminoso de Moreno Veloso es que no solo presentó a sus músicos, suena a broma pero muchos artistas maltratan a su banda acompañante, pero bueno, no solo eso, sino que además incluyó un tema del grupo paralelo Tono, formado por su bajista y su batería, dentro del repertorio del concierto. Un tema que reflejó ambientes más psicodélicos y nos mostró otro perfil sonoro de todos los músicos. Pero siempre con una constante sobre el amor a lo largo de todo el concierto.

Siguieron con la psicodelia y la experimentación en el tema final del concierto, donde incluyeron una pequeña jam percutiva, donde Moreno Veloso tocaba una especie de pandereta y su batería un pad digital al que iba modificándole los efectos, pero salvo esos detalles fue un concierto respetuoso y purista con la música brasileña, lo cual no quiere decir malo, de hecho fue un grandísimo concierto, una cosa no quita la otra.

Con el chaparrón de aplausos tuvo que salir para interpretar un par de canciones más, la última de ellas, ahora sí, un tema escrito por su padre y que ponía el broche final a una noche fantástica. El público, que llenaba la mitad del patio de butacas del Matadero, se puso en pie para ovacionarle, había sido francamente bello. No era la primera vez que acudía a Huesca y tras este concierto seguro que regresa, ya te avisaré para que podamos sincronizarnos mejor.

El miércoles sobre las diez y media de la noche mucha gente pudo sentirse más o menos triste, decepcionada. Los sentimientos colectivos son difíciles de controlar y predecir. Menos mal que tenemos pequeños placeres para redimirnos individualmente como la cultura.

A través de ella, en este caso de la música, una persona puede purgar los excesos del día o ahondar aún más en ellos. Desconozco el motivo, pero es habitual ponerse música melancólica en las fases menos alegres de la vida, una especie de autocastigo, así que si alguna persona sufrió por la derrota futbolera del miércoles pudo elevarse en el Centro Cultural Matadero, aunque sospecho que deporte y cultura son mundos casi incompatibles.

Era una noche con programa doble, una tendencia a la que nos están mal acostumbrando últimamente en el Matadero, mismos precios, doble sensación musical, todo un acierto.

Inició el concierto La Familia del Árbol, un proyecto entroncado dentro del folk indie patrio pero con una personalidad y lenguaje propios que le aleja de ese mundo endogámico.

Su nuevo disco “Odisea” verá a la luz a lo largo de esta primavera e interpretaron “Olas”, que pertenece a esa grabación. Con un formato de guitarra acústica y voz, acompañado de un músico que hacía las veces de guitarra eléctrica, coros y pequeños arreglos de sintetizador.

Todo muy delicado, teniendo como objetivo el preciosismo interpretativo y la catarsis melancólica. Las letras, por momentos interesantes, caían con cierta frecuencia en temas y lugares comunes, aunque no molestaban con semejantes estructuras armónicas y la gran voz de su cantante, un tono agudo portentoso que parecía transmitir la nostalgia de parte de sus letras. Themes melancólicas y con ciertas dudas existenciales.

Un conjunto bello, perfecto para iniciar la noche musical. El concierto terminó con el cantante, con su guitarra desenchufada, al borde del escenario, interpretando él solo “La montaña y el río”, uno de sus hits y que al parecer tienen como tradición tocarla de esta forma en sus conciertos.

Tras esta purga de sentimientos encontrados y melancolía tocaba la catarsis folk de Ólöf Arnalds, que llegaba con la estela de haber sido componente del mítico grupo de indietrónica múm, así como colaboradora de Björk.

Iba acompañada de un portentoso guitarra, que tan pronto reproducía frecuencias cercanas a instrumentos como la marimba o doblaba a las mil perfecciones la guitarra de Ólöf Arnalds.

Venía a presentar su último disco titulado “Palme”, del que interpretó varios temas como el que abre el disco, “Turtledove”, o el que da título al mismo.

Pero fue tocando temas de toda su carrera, ya que este es su cuarto disco y puede permitirse el lujo de no interpretar al completo su nueva grabación. Así interpretó “Call It What You Want” y “Innundir Skinni”, un tema con recuerdos casi medievales en las líneas de guitarra.

Puedes detectar tonalidades orientales en sus cantos, pero no son otra cosa más que pura defensa de su tierra, Islandia. Lo que propiciaba cierta psicodelia melódica muy agradecida con los acontecimientos de la noche. Subidas y bajada imposibles que se solapaban de forma perfecta sobre los colchones armados por las dos guitarras. Escalas aparte, tanto su voz como sus gestos faciales contienen una expresividad que contagió a todo el público.

Parca en palabras pero muy agradecida, continuó con su repertorio de canciones folk bañadas por esos gorgoritos psicodélicos. Antes de finalizar esta noche de guitarras, con un pequeño bis incluido, interpretó una versión de Caetano Veloso, “María Bethania”, en la que Caetano intenta comunicarse con su hija María mediante la canción, lo cual viene muy bien para recordar que el próximo sábado actúa otro hijo suyo, Moreno Veloso también en el Centro Cultural Matadero. ¡A ver qué excusa pones esta vez!

En la vida hay todo tipo de situaciones. Bueno, ya lo sabrás. Y seguro que tienes una corriente de opinión acerca del ocio nocturno y sus beneficios. Es muy posible que te estés engañando con un muro de pensamientos que tenga como núcleo un “yo nunca nunca”. No lo sé. Pero yo comienzo a pensar que el veneno depende de la dosis. Me introduje en está opinión tras los conciertos del pasado viernes en el 21.

En el actual bar de moda actuaban Fominder y Will Spector y Los Fatus, un doble programa conmemorando el día del trabajo.

Arrancó la noche Fominder, una banda zaragozana con multitud de referencias a los años noventa, tanto en la estética como en las composiciones. Una mezcolanza de melodías de aquel primer indie aparecían en la cabeza con temas como “El club” o “La suerte”. Realizaron un concierto de menos a más que finalizaron de manera oficial con “La batalla”, pero que debido al pico de tensión que habían provocado sobre el público tuvieron que interpretar una canción más.

Tras ellos, el típico cambio de instrumentos para preparar la actuación de Will Spector y Los Fatus. La banda jugaba en casa y sigue contando con multitud de militantes entregados a la causa. Eso conlleva que desde el primer tema, las tres primeras filas del bar estuviesen bailando todos los temas del concierto sin interrupción. Comenzaron su actuación con “Mutando”, un registro electrónico en el que van reflexionando sobre el avance de la edad, mostrando perplejidad sobre el mismo proceso. No hubo fallos, ni parones, nada raro. Lo digo porque últimamente, a pesar de ser una banda nacida para actuar en salas pequeñas techos bajos, parecía que tenían una especie de mal de ojo con la sala. En esta ocasión no sucedió nada de ello.

Tocaron uno de sus nuevos himnos, “Espejo”, en el que incorporaron un pad digital, continuando con las reminiscencias a LCD Soundsystem. Ofrecieron una versión del tema más animada que la registrada en su maravilloso “Arriba de bien”, pero claro, es posible que la resaca ayudase. No en vano, se encuentran en una minigira fatu y el viernes era el segundo día de la misma. Al término de la canción y en plena efervescencia, Guillermo Bruno, dictador y terrateniente de los fatus, proclamó la frase: droga no, deporte sí. Un guiño, una broma interna a su descontrol, pero lo cierto es que con dos banderillas en el cuerpo ofrecieron uno de sus mejores conciertos. El mejor con la actual formación.

Pero no todo son bromas en la banda, también son tipos nostálgicos y por ello dedicaron “Vas a volver” a su panderetista Eugenio Ramo que se autoexilió de la banda con la promesa de regresar. En todos los conciertos se dedican canciones pero quiero manifestar de forma clara que comparto el mismo deseo que Los Fatus. Eugenio, vuelve. Que los chavales lo hacen de puta madre y han hecho un discazo, eres la guinda del pastel. Soy capaz de abrirte un change.org. Sigamos con la crónica. Terminaron el tema de forma planeadora, ofreciendo unas frecuencias musicales casi insólitas en el mundo fatu. Mucha gustera observar que un grupo mantenga activa la capacidad de sorpresa. Claro, tocaron la jota, es una de los momentos casi exigidos por sus incondicionales.

Pero siguiendo con el registro de amabilidad e incomodidad en el cual tan bien se mueven estos chavales dedicaron “Bill Murray” a todos los hijos de puta del mundo. Tal cual. Ahí queda eso. Hubo bajada al público de Charliebot en “A tus pies” y parece que ya ha registrado una nueva rutina fatu.

Cerraron la noche con “Fumar M”. Una sesión en la que se mezcló la pausa y el salvajismo de forma más que adecuada. Esperemos que sigan conservando este aura a lo largo de su gira. Recemos por ellos.

Dentro de las corrientes musicales que tenemos en la actualidad hay dos claros caminos, el del pop y el del rock. A partir de ahí todas las combinaciones y trasvases posibles. Los grupos que actuaron el pasado jueves en el Centro Cultural Matadero forman parte de la corriente rock y dentro de esa vertiente, forman parte del lado más salvaje, cercanos en ocasiones al hardrock.

Todo aquel que se acercó al Centro Cultural Matadero pudo disfrutar de un fantástico programa doble. Los primeros en arrancar la noche fueron Alado Sincera, grupo originario de Igualada y que salieron dispuestos a desencajarse en el escenario. Con un volumen brutal, requiebros y exigentes cambios musicales casi programados por un matemático y un monitor de gimnasio.

Toda una exhibición para presentar su última referencia “La misma figuración”, del cual interpretaron bastantes cortes, desde la auto referencial “A los igualadores” a “La disimulación del rostro”. Temblaban los butacones del centro cultural pero ellos siguieron con una actitud directa, casi sin descanso entre tema y tema, sin presentar los temas y tocando cada vez un tema más retorcido. No dieron tregua en ningún momento, como mucho se lanzaban una rápida mirada entre ellos para advertir de la siguiente canción y continuaron el rodillo. Increíble.

Se retiraron entre aplausos, la gente había quedado impactada. Algunos aprovecharon para tomar un poco el aire y otros estiraron un poco las piernas para comprobar si seguían enteros. Tocaba cambio de instrumentos para la siguiente actuación.

Tras ese pequeño descanso salieron Picore, banda de Zaragoza que comparte bastantes frecuencias musicales con Alado Sincera. Quizá con un punto menos de clembuterol en las melodías pero igual de desconcertantes e impactantes. Su cantante, entre el baile, el drama y el desconcierto, se coronaba como centro de atención de su espectáculo. Avisaron que no era su primera vez en Huesca, pero que estaban dentro de las celebraciones de su duodécimo aniversario, así que iban a considerarlo un poco más especial.

También fueron parcos en palabras, ambos grupos disfrutan más achicharrando al público con sus melodías. Los cambios hiper estudiados de Picore en los que va subiendo la intensidad gracias a los magníficos cortes de guitarra y una voz que parecía a la deriva dentro de todo el espectro rock. Muy bonito. A pesar del dramatismo de ciertas letras, otro aspecto que también comparten con Alado Sincera, pero eso debe ser una sintomatología de haber elegido el camino del rock y tampoco es tan grave aportar ciertas inquietudes y misterios dentro de un sonido atronador. El punto más elevado de su concierto fue cuando interpretaron “Prisa mata amigo”, una declaración de principios de la banda.

Picore, a pesar de la energía de sus melodías, tienen un punto más latino bailable que Alado Sincera, que derivan casi directamente en el pogo. Aún así dos propuestas diferentes, exigentes y por tanto muy divertidas, mas grupos así deberíamos tener.

De nuevo hubo ronda de aplausos, había sido una gran velada, perfecta para celebrar la previa del día del trabajo, ese día en el que últimamente parece que descanse todo el mundo a excepción de los músicos. Contradicciones que tiene la vida.

Estamos en una época del año en la que es muy fácil sentirse cansado. Al parecer, a esa sensación se le conoce como astenia primaveral y guarda relación con el cambio de estación y el estrés que ello provoca en el cuerpo y mente de cada uno.

Las posibles soluciones pasan por una mejor alimentación, práctica del deporte y como centro de todo tipo de recuperación está el humor. Por eso, el pasado sábado por la noche, quien acudió al centro cultural Matadero recibió un tratamiento extra para este síntoma.

Los culpables de llevar a cabo esto fueron Los Gandules, grupo de música que basa sus actuaciones en modificar canciones populares para incorporarles letras de humor.

Son una banda que ya lleva unos cuantos años y su popularidad está llegando a un punto en el que la mayor parte de espectadores conocen el noventa por ciento de la estructura de sus conciertos, aparecen ellos mismos teloneándose con el nombre Die Scafandra, reaparecen como Los Gandules, en calzoncillos y tirados sobre el sofá y cada vez que dicen la palabra gandul todos los espectadores realizan un grito conjunto. Lo dicho, sus conciertos ya parecen un clásico, pero no por ello son menos divertidos. Venían a presentar su nuevo disco “Tardes de merienda”, pero no dejaron de interpretar sus grandes éxitos como “Obstetricia en Bucarest”, “Paté de pato” o “Ladrón de cobre”.

Muy provocadores durante todo el concierto, atacando a un espectador que estaba utilizando el móvil o directamente metiéndose con la ciudad. Da igual, lo hacen con suficiente guasa y buen humor que provocan una gran carcajada. Siguen insistiendo en la teoría de que son espías de Zaragoza para lograr conquistar la ciudad, pero dentro de estas revelaciones también rememoraron al ciudadano que destrozó el campo de fútbol de Tardienta.

De las nuevas canciones, las que causaron más risas fueron “Matorral genealógico” cuyo estribillo reza “soy mi nuero”, dentro de la famosísima melodía de “soy minero” y “Ensalada ilustrada”, una oda a Voltaire incorporada a la melodía de Volver.

Empezaron el concierto con su Die Escafandra, a los que relevó Susan Vaga para elevar el punto de humor con una loquísima canción sobre la historia de tres perros. Tras este arranque llegó la parte más gandul de la noche. Arrancaron el concierto con “Vis a vis extremo” un tema que perfectamente podría resumir los intentos por intentar huir de los capazos con la frase “adiós me piro” dentro de la melodía “A Dios le pido” de Juanes.

Solo dos guitarras y sus voces, no les hace falta mucho más, ya que juegan con melodías conocidas por todos y la torsión de llevarlas al humor. Si a eso le añadimos la tranquilidad y la improvisación que se marcan entre tema y tema, pues tenemos un combo perfecto. Dentro de esas manifestaciones entre tema y tema, entre ellos, llegaron a una conclusión: la momia de Lenin está hecha de espárragos, casi nada. La URSS, Francia, Portugal, muchas referencias a distintas nacionalidades, pero la que más palos se llevó fue sin duda la española, llegando a decir frases como Gora España, la cual resume bastante su tipo de humor.

En el bis, al que salieron con una gran cantidad de papel de burbujas, que al principio desconocían su procedencia pero al parecer, tras haber roto una gran cantidad, descubrieron que era parte del envoltorio del photocall que habían puesto en la entrada al concierto, las risas se duplicaron ante semejante despiste. Luego, dos revelaciones de su nuevo disco “Refresco grotesco”, que utiliza el “Here comes the sun” de los Beatles para hablar del sabor del Biterkas y «El acrobata de celuloide», que aprovecha la famosa «me cuesta tanto olvidarte» para incorporar su amor por el actor Burt Lancaster, «me gusta tanto Burt Lancaster».

Finalizaron el concierto con una oda al poliespan utilizando para ello la famosa melodía de la transición que reza “libertad, libertad, sin ira libertad”, que en voz de Los Gandules se convierte en “poliespan, poliespan, que invento el poliespan”. Larga vida a estos cheposos.

Holas vienen olas van. El sábado fue un día la mar de completo a nivel musical en la ciudad de Huesca. En el Centro Cultural Matadero actuaban Los Pipelines, que venían a presentar su primer EP, titulado como ellos y compuesto por cinco temas de rock surf.

Lo primero que me sorprendió fue la poca asistencia de público, pensé que estaría relacionado con la gran cantidad de actos, pero el resto de conciertos tampoco andaron muy sobrados de asistentes. Los Pipelines ofrecen una música surf rock estándar, una apología de la eterna cultura adolescente, así que el público tal vez se encuentre antes o después de esa etapa, quién sabe.

También puede ser que todo esto de no acudir a los conciertos sea una nueva corriente cultural y aún no nos hayamos dado cuenta.

Los cuatro componentes de Los Pipelines salieron al escenario impecablemente uniformados y lanzaron un concierto directo. Con Ángel Luis Tricas, líder y guitarra principal del grupo, parco en palabras, en ocasiones rozando sus presentaciones con el punk, hicieron un repaso a los grandes temas del género e incluyeron temas de propia composición, como los tres que se incluyen en su primer disco.

Tras un inicio directo en el que enlazaron varios temas, realizaron una especie de nuevo arranque, en la pantalla de video proyectaron imágenes de la serie de dibujos animados de Batman mientras una melodía cuasi épica sonaba de fondo, cualquier despistado que hubiese llegado en ese momento pensaría que eso era el comienzo del concierto, pero no, ya llevaban un buen rato. Durante el resto del concierto siguieron las videoproyecciones de fondo, aunque se centraron en un mix de películas que hacían apología de la cultura surf.

Luego vino un homenaje a The Shadows, grupo seminal del género surf rock y del cual interpretando “Apache” y varios clasicos cayeron detrás, “Wipe Out” y el gran tema que da nombre a la banda “Pipeline”.

Todo interpretado a las mil maravillas sobre la base musical que entre Jorge Ramón (saxo y guitarra rítmica), Carlos Naval (bajo) y Cristian Bibian (batería) fueron formando.

Aunque como el propio Ángel Luis Tricas dijo, ellos son muy limpios tocando pero cuando quieren pueden hacer ruido, instante que aprovecharon para tocar “Motoreta”, tema contenido en su EP. Son un grupo purista del género, quizá en demasía, aunque en uno de los temas se les sintió cierta empatía por la new wave, nunca mejor elegido siendo surferos, claro. Temas instrumentales de surf, nada más.

Llegaron a interpretar un tema inédito, tan inédito es que no dijeron ni el título, pero aseguraron que formará parte de un futuro álbum. Ojalá. Mientras, Jorge Ramón aprovechaba con el saxo para colar de forma disimulada la línea de San Lorenzo, San Lorenzo. De alguna manera se tenía que notar que son de Huesca y si no era con la afluencia de público, por lo menos reivindicando la tierra.

Finalizaron el concierto propiamente dicho con “El Cóndor pasa”, una versión surf de la canción popularizada por Los Incas, gran final, tanto que tuvieron que volver a salir para tocar de nuevo un tema del repertorio y que todos pudiesen retirarse plenamente satisfechos.

Lo difícil de surfear no solo es mantenerse en la cresta de la ola, también hay que disfrutar pase lo que pase, como demostraron el sábado Los Pipelines.

Hay semanas que resultan más complicadas que otras. Quizá por eso, el viernes, antes del concierto, estuve releyendo en casa Aullido de Allen Ginsberg.

De forma tonta pensé que tal vez la respuesta estaba en la poesía beat y que dentro de ese discurso extremo y alucinado, encontraría la clave de lo que te ha pasado. Rafa Angulo, eras un pieza pero te echaré de menos.

Así que el viernes necesitaba animarme. Fui al Centro Cultural Matadero dispuesto a darlo todo. Allí actuaban los Yonkis de la poesía, una formación que mezcla música y poesía. Parece que la moda del spoken word sigue vigente.

Hubo una entrada de público un tanto discreta para lo que merecen este tipo de espectáculos, unos lo achacaron al fútbol, pero vete tú a saber.

Tras el retraso, que ya empieza a ser habitual en todas las actuaciones del Matadero, uno a uno fueron saliendo los miembros del grupo dispuestos a repartir dosis de poesía beat.

Un movimiento caracterizado por la protesta, la experimentación vital y la ruptura de normas. Drogas, libertad, filosofía oriental. Fue una generación que todavía sigue influyendo y modificando el mundo.

El primero en salir fue José Javier García, que se colgó la guitarra y empezó a marcar un continuo riff sobre el cual apareció José Luis Esteban, quien empezó a recitar y ya no paró en todo el concierto. Todo un portento de la dicción y la memoria.

Tras este arranque medio sosegado salieron Carlos Chawan para encargarse del bajo y ataviado con un alzacuellos (!!!) y Víctor Jiménez a la batería.

Con los cuatro miembros de la formación sobre el escenario fueron soltando capas de rock, extensos pasajes perfectamente equilibrados y que tenían una función hipnótica. Si te fijabas en la música, las palabras de José Luis Esteban entraban sin querer, eran un instrumento más. Y al centrar la atención en el cantante, todo cambiaba y ese descenso a los infiernos que iba anunciando parecía más cerca. Sus gestos y movimientos sobre el escenario parecían influencia del teatro y creaban cierto desajuste con texts tan intensos como Ningún acto bondadoso queda impune de John Giorno o Se vende chatarra de Lawrence Ferlinghetti.

Todo habría indicado que la forma correcta de exponer estos poemas sería interiorizándolos, centrarlos más en un Sistema Stanislavski; pero al actuar de esa otra forma generó una dualidad con respecto al hieratismo de los músicos que realmente fue lo que atrapó y cautivó durante todo el concierto.

Además, qué bien le sienta al spoken word los crecendos musicales, esos que realizan cuando el texto está a punto de finalizar, dándole un toque más épico o espiritual.

El instante más celebrado de todo el concierto fue cuando interpretaron Aullido de Allen Ginsberg, el famoso poema emblema de la generación beat. Allí, sin atril sobre el que apoyar las letras ni nada, José Luis Esteban dio una lección de memoria e interpretación a todos los presentes, lo hizo completo, sin titubeos, recorriendo el escenario, gesticulando, era, como ya había anunciando, el descenso a los infiernos.

Tras este jetazo beat, poco más podía suceder, pero aún así les dio tiempo para tocar El Blues del Chivato, también de Ginsberg y finalizar la actuación con un poema de Charles Bukowsky, 3h 14’ 16’’, que aunque no se le considera estrictamente miembro de la generación beat, siempre le vincularon de un modo u otro. Lo cierto es que a estos texts extremos y reivindicativos le pegó muchísimo su adaptación a las líneas rockeras que ofreció la banda.

Un diez a la músicas, un diez a las palabras. Además, entre tema y tema, ofrecían citas de escritores de la época, como esta de Jack Kerouac, a la cual le fui dando vueltas hasta llegar a casa: “La única gente que me interesa es la que está loca, la gente que está loca por vivir, loca por hablar, loca por salvarse, con ganas de todo al mismo tiempo, la gente que nunca bosteza ni habla de lugares comunes, sino que arde, arde como fabulosos cohetes amarillos explotando igual que arañas entre las estrellas”. Un abrazo, Rafa.

Con tanta teoría y charla alrededor del Congreso de Periodismo de Huesca vamos a acabar con la cabeza hecha un lío. En este mundo prodigital hay una corriente muy clara que aboga por tratar a los lectores como usuarios, en términos musicales podríamos decir que el espectador ya no debe ser tratado como tal sino como un conector que puede enlazar distintas informaciones a lo largo de la red.

Así que, querido conector, aquí va la crónica del concierto que hubo el pasado jueves en el Centro Cultural Matadero de Huesca. El encargado de tal labor fue Eliseo Parra, toda una figura del folk estatal. El folk, haciendo de nuevo un paralelismo con las nuevas tecnologías, podría ser tratado como el elemento antiguo y falto de innovación, el lastre que impide avanzar. Y las nuevas músicas, el camino a explorar, aunque dentro de una red social musical que está llevando al 90% del panorama actual a utilizar los mismos patrones, generando un clima bastante previsible.

Pues bienvenido Eliseo Parra, que con sus músicas, arreglos y cantes demostró que otro futuro es posible partiendo del respeto y conocimiento del pasado. Venía a presentar su nuevo disco, que lleva por título “A man sur”, un homenaje a las músicas del sur de la península y a la figura de Almanzor.

Arrancó el concierto de forma arriesgada, tan solo con su voz, para realizar un canto de trilla, tras este comienzo un tanto espiritual, fue incorporando la pandereta para tocar el “Pesao ligero” y en el siguiente tema utilizó una sartén, sí, has leído bien, como elemento de percusión.

La labor de rescate de los cantos populares ha llevado a Eliseo Parra a recorrer todo el país y eso es lo que hizo durante todo el concierto, mostrarnos la riqueza de cantos del país, con sus usos y costumbres, como puede ser utilizar una sartén como percusión o cuando salieron sus dos maravillosos músicos acompañantes, otros elementos musicales autocreados como fueron un tubo de aspirador, una muleta, una silla o el más alucinante de todos, una valla metálica de obra. De todos estos elementos excéntricos se encargó, Xabi Lozano, que crea sus propios instrumentos de viento y junto a José Luis Ordóñez, quien se encargó de las líneas de guitarra, arroparon a las mil maravillas las melodías. Canciones populares, arreglos extraordinarios.

Porque nadie se esperaba que cuando fueron a tocar un tema de Agapito Marazuela, en concreto “Una palomita blanca”, sacasen una valla de obra, la inclinasen ligeramente y lograsen sacar de ella sonidos similares a los de una flauta. Apoteósico.

Pero no todo fue exploración, el folk más puro estuvo continuamente presente en temas como la ronda “A la zarzamora” o cuando Eliseo Parra se pasó a tocar el pandero cuadrado y continuar con unas bulerías.

Del sur fuimos al norte para escuchar una rumba asturina, regresamos al sur para para unas jotas, sí, unas jotas en el sur, y todo el recorrido musical explicado por Eliseo Parra de forma muy didáctica y amable, dando mucho peso e importancia a la mujer, la cual bailaba, cantaba y se ocupaba de las labores del hogar.

Siguió el concierto con las seguidillas “Van por el aire” y el público, que cubría una buena parte del patio de butacas, se arrancó a cantar con Eliseo. Otro elemento que llamó la atención fue ver a un vallisoletano como Eliseo Parra, cantar una canción en catalán, “El silenci d’estimar”, otro punto a su favor.

Terminó el concierto con el consejo de no perder “La llave de la alegría” y Xabi Lozano, que había estado extraordinariamente divertido durante todo el concierto, puso el colofón tocando una muleta, haciendo primero ritmos y después utilizándola como un instrumento de viento.

La ovación fue unánime, así que tuvieron que salir para tocar un par de canciones más, Eliseo Parra aprovechó la jugada para preguntar por Olga, de Olga y Los Ministriles, y así, de forma totalmente improvisada, subió al escenario para cantar junto a él “Va delante de su madre”, una jugada que les salió a las mil maravillas. El concierto terminó con un romance, en el que se cuenta la historia de una monja que no quería serlo, el elemento excéntrico en este tema fue una silla que hizo las veces de flauta, por qué no, ya todo parecía posible, incluso que el folk fuese realmente el futuro.

Llórales a papá y a mamá, eso siempre funciona. Los post-adolescentes parcialmente traumatizados tenemos nuestros derechos, sobre todo después de haber llevado casi todo el modus operandi de una vida perfecta:

– Ir a la Universidad (lo de mejos es la carrera, party must go on). – Sacarse el carné de conducir (el de armas aún está mal visto). – Comprarse un coche (cuanto más caro y hortera, mejor). – Conseguir un trabajo (para financiar los vicios). – Comprar una casa (para llorar y temblar de miedo después de tanta fiesta).

Tan solo me falta «tener una novia y casarse con ella» pero ese punto aún tendrá que esperar. Ellas decían tajador cuando yo tan solo quería decir sacapuntas. Llevo 10 años en Huesca. Y eso que al llegar pensé: «Aquí no me quedo ni loco». Ciudad de paso. Me equivoqué.

He aprendido a hacer un coso a la velocidad correcta, a comer panizo, a coger capazo, a ir al tubo y emborracharme y como consecuencia, enamorarme. He paseado por el coso con todos mis amores frustrados mientras pensaba en voz alta: «Aquí no me quedo ni loco».

– Creo que lo nuestro no funciona, deberíamos dejarlo una temporada.

Y llórales a papá y a mamá, eso siempre funciona. Los post-adolescentes tenemos nuestros derechos.

– Vamos a tener que prescindir de sus servicios en la empresa, la crisis nos está afectando.

######## CRISIS NERVIOSA ########

Respuesta a la beautiful life:

– Paga el carné de conducir. – Paga el coche. – Paga la hipoteca. – Paga las fiestas.

Ahora es cuando más te alegras de ver que la carrera que te sacaste a duras penas y de la que apenas recuerdas nada es… magisterio, por favor, aplausos, aunque sean enlatados.

El caso es que llevo seis meses en el paro, dando cosos a la velocidad correcta, cogiendo capazos, yendo al tubo a emborracharme y como consecuencia, enamorándome más de la cuenta. Igual que hace diez años pero con más barriga.

Es un bucle infinito en el que la trigesimocuarta vuelta repito «aquí no me quedo ni loco», pero entonces recuerdo que sí, que estoy loco, que el médico me diagnosticó una depresión de camello por el tema del despido… Así que igual tengo que plantearme lo de quedarme aquí y empezar a usar el tajador.

– Vamos a ver si de aquí a un par de meses mejora la situación de la empresa y podemos volver a contratarle.

Puede que todo se trate de un macabro plan para darme una nueva oportunidad o puede que sea pare de algún reality show a los que últimamente ando enganchado, no lo sé.

– Dame un par de semanas para pensar en lo nuestro, por favor.

Nunca os van a llamar, nunca, de ningún sitio, esa es mi lección del día (tauro, tienes cáncer), pero prefieren hacernos creer que lo harán. Es su sentimiento de culpa y su manera de alejarnos de la crisis, aunque a mí me haya ocurrido lo contrario.

Hoy es sábado, toca salir de marcha, (juerga sin ganas: activando el modo zombie) me estoy quedando sin financiación de tanto llorarles a papá y a mamá. Y necesito dinero para poder seguir diviertiendome y seguir integrado dentro de la sociedad (sexo, drogas y rock&roll).

Creo que es el momento de apuntarme a algún concurso. 10 años en Huesca. 3650 días. 87600 horas. 5256000 minutos. Los chinos utilizan la misma palabra para decir crisis y oportunidad… Necesito otro lorazepam.

Es curioso, por un lado los organizadores de eventos han notado que cada vez acude menos público a sus espectáculos, y la gente, por su parte, habla de los altos precios de las entradas, con lo que acabaríamos hablando del famoso IVA cultural, y no es lo que pretendo. Lo cierto es que en general, los conciertos en Huesca suelen tener unos precios bastante asequibles y sin embargo atraen a un público reducido de gente. ¿All? No, el pasado viernes Los Secretos llenaron el Centro Cultural Matadero, y con un precio de entrada de los más elevados en los últimos meses.

Está claro que algo pasa, quizá la gente solo se moviliza en actos culturales por el recuerdo y en cuanto a novedades u otro tipo de saraos da la sensación que se haya acomodado. Gracias, Internet.

Ya perdonarás, querido lector, esta larga introducción, pero es algo que estuve pensando mientras veía como se llenaba todo el patio de butacas del Centro Cultural, algo extraño en estos tiempos y que sucederá de nuevo, al día siguiente, con los mismos protagonistas. Y es muy posible que Los Secretos hubiesen llenado un tercer día.

Los Secretos son un grupo conocido por todos, patrimonio de la movida española, en la cual ocuparon el bando de la música más melódica junto a Nacha Pop y Mamá.

Tras 37 años de carrera musical, como bien recordó su líder, Álvaro Urquijo, regresaron a Huesca para dar un repaso a sus grandes éxitos y qué mejor sitio que el C.C. Matadero, un espacio que da cobijo a todo tipo de propuestas musicales y saca los mejores registros de cada músico, una sonoridad única en la ciudad.

Presentaron un formato acústico con el ya nombrado Álvaro Urquijo a la voz y guitarra, Ramón Arroyo también a la guitarra y Jesús Redondo a los teclados. Algo sencillo pero no por ello poco potente, ya que Los Secretos juegan con un arma bajo el brazo, sus canciones, que era lo que la gente quería. Desde “Quiero beber hasta perder el control”, “Volver a ser un niño”, “En este mundo raro”, “La calle del olvido”… Poco a poco fueron escalando la montaña del hit, la cual era bastante fácil de identificar cuando la habían alcanzado mediante dos factores: 1) los smartphones al aire para realizar fotos o vídeos. 2) los instantes karaoke en los que la voz de Alvaro Urquijo era absorbida por el público.

Uno de esos primeros momentos fue cuando interpretaron “Ojos de gata”, tema creado tras una confusión del malogrado Enrique Urquijo con Joaquín Sabina, lo que derivó en “Y nos dieron las diez” y esta otra canción, las dos con un esqueleto muy similar.

Aparte de esas pegadizas melodías, es posible que el 80% de España se sepa la letra de “Déjame”, tema con el que cerraron la primera parte del concierto, pero digo, aparte de eso, hay que destacar la gran capacidad técnica que tienen como músicos los tres componentes que pisaron el escenario el pasado viernes. Grandes músicos y divertidos, reaccionando de forma afable a unos cuantos insectos que sobrevolaron el escenario durante todo el concierto y que es muy posible que los mantengan a su alrededor en el concierto del sábado, aunque no por gusto del propio grupo, claro.

Entre tanto recuerdo colaron una canción nueva del álbum que están actualmente grabando titulada “Cuando todo iba bien”, en esa línea de apología de la melancolía tan secretil. A partir de aquí se desató la locura, hit tras hit y con el público totalmente entregado, se sucedieron “Pero a tu lado”, “Por el boulevard de los sueños rotos”, “Y no amanece”. Se estaba produciendo un emotivo regreso a la adolescencia en gran parte de los asistentes que dieron riendo suelta a todo tipo de piropos, comentarios y gritos.

Álvaro, como buen maestro de ceremonias que es, agradeció tanto gesto y aseguró que sin el público ellos no serían nada y añadió que muchas de sus canciones pertenecen más a la gente que a ellos mismos, porque sin saber muy bien como, han cobrado vida propia y están instaladas en el imaginario popular. En esa categoría incluyó la ya mencionada “A tu lado” y las dos canciones con las que terminaron el show “Te he echado de menos” y “Déjame”. Móviles en lo alto y una grandísima ovación, la cual aprovecharon para rematar el concierto con otros tres temas “Ojos de perdida”, “Sobre un vidrio mojado” y “Otra tarde”.

Todo un viaje y todo un éxito que completarán al día siguiente sobre el mismo escenario. Sin lugar a dudas, el acontecimiento del año en la ciudad..

Querido lector, te voy a confesar parte de la metodología que uso para escribir estas crónicas: Normalmente, si sucede algo reseñable o extraordinario, como que el cantante se parta una pierna o el grupo interprete una versión de algún grupo mítico, lo anoto en mi teléfono móvil para después elaborar una redacción un tanto coherente con lo sucedido en el concierto. El pasado jueves no pude tomar ninguna nota. La actuación eclipsó todo y no quise pestañear ni perderme detalle.

Venía a actuar Aziza Brahim y como bien recordó ella, no era la primera vez que actuaba en Huesca, ya lo hizo hace unos siete años en el mismo escenario, pero durante todo ese tiempo ha evolucionado y alcanzado grandes cotas como el reciente número uno en la World Music Charts, algo así como los cuarenta principales de las músicas del mundo. Con semejante dato había expectación, aunque quizá no la suficiente, algo más de media entrada, peor para los que no estuvieron.

Ella durante todo el concierto interpretó la voz, una poderosa voz, y un tambor sobre el que iba marcando los ritmos de las canciones, a su lados le acompañaron un bajista y un guitarrista extraordinarios, que arroparon y elevaron de forma notable la música de Aziza.

Así que como ves, algo de experiencia religiosa fue, y cuando digo religiosa, me refiero a sentimiento colectivo, el resto de espectadores del Centro Cultural Matadero lo podrían corroborar, fue una catarsis.

Aziza Brahim es de origen africano y por tanto su música esta marcada de forma muy clara por los elementos mandingas, una música con unos patrones melódicos bellísimos, pero también está influenciada por otros elementos. Todas las músicas del mundo incorporan elementos de otras culturas. En las melodías de Aziza Brahim se puede detectar desde referencias al blues americano, pasando por la música cubana (cabe recordar que ella pasó mucho tiempo viviendo en Cuba), incluso el flamenco. Pero como columna vertebral, la música de su tierra, el Sahara.

Dato muy importante, pues no solo fue un concierto, también una reivindicación del Sahara Occidental, una lucha constante que parte del año 1975 y tiene a la población de ese país sobreviviendo en campos de refugiados. Interpretó un tema en el que hablaba de los campos de minas, recordando previamente que el Sahara Occidental es el territorio más minado del mundo.

Pero esa torsión de catarsis a la que me llevo refiriendo desde el comienzo no solo llegó de forma política, en su música también incorpora temáticas del día a día como en su canción “Julud” que dedicó a todas las madres del mundo.

Entre trances maravillosos hubo tiempo de todo, de bailar, de relajarse, incluso en más de uno se despertó la pasión. Aziza iba manejando todo, a base de lenguaje gestual, pidiendo más intensidad a sus músicos, a los cuales habría que volver a destacar, impecables y virtuosos, también animaba al público a base de gritos y hasta en algún instante realizó el zaghareet, el famoso grito que realizan los bereberes del norte de africa en señal de alegría. Y todo, bañado por la potencia y belleza de su voz. Fue toda una fiesta.

Tuvo que realizar un bis en el que tan solo salió ella, tocando el tambor, de nuevo de forma extraordinaria y te dabas cuenta que no hacía falta nada más, que solo ella cubría de forma sobrada el escenario. De nuevo ronda de aplausos y ahora sí, final de concierto. Medalla al mejor concierto en lo que llevamos de año.

Hay grupos que se forman con una clara búsqueda del éxito, otros tienen como objetivo encontrar algo nuevo, aportar algo al mundo, y dentro de las mil posibilidades que hay, una de esas opciones elige como leitmotiv el simple hecho de pasarlo bien.

Esa fue una de las sensaciones que pude sacar al ver en directo al grupo A guitarrazo limpio, proyecto musical liderado por el oscense Tolo Pueyo, y en el que como su propio nombre indica, las guitarras tienen un papel primordial, ellos han montado eso para disfrutar.

Además del idolatrado músico, el grupo está compuesto también por José Luis Arrazola y Alonso Martínez, en total, tres virtuosos del instrumento que da nombre al grupo. Mano a mano, bueno, traste a traste, hicieron un bonito concierto el pasado domingo por la tarde en el Centro Cultural del Matadero de Huesca.

Arrancaron con un blues en el que se empezaron a ver las influencias y gustos de la banda, y de ahí, pasándose la guitarra principal a la rítmica de uno a otro sin ningún problema fueron realizando versiones ante un entregado y abundante público.

Una versión de Robben Ford, después el “Imagine” de John Lennon. Temas entroncados en las raíces blues, rock, y como ellos mismos dijeron: “Por suerte esto no es jazz”. Ahí queda eso.

Importante reseñar que las tres guitarras implicadas en la actuación fueron acústicas, por ello el grupo se llama A Guitarrazo Limpio. Perfecto para detectar matices en las melodías de blues, despojando de efectos o amplificaciones que pudiesen distorsionar la esencia de la nota.

Siguieron con el repertorio en una increíble adaptación del tema de Bill Withers “Ain’t no sunshine” llevando la voz principal Tolo Pueyo en todos los temas, salvo cuando interpretaron “Fly Away, el mítico tema de Lenny Kravitz, al cual tanto José Luis Arrazola como Alonso Martínez se incorporaron a los coros.

La siguiente canción a interpretar fue una versión del “Change the world” de Eric Clapton, de nuevo incidiendo en las raíces blues rock que llevábamos disfrutando a lo largo de la tarde.

Tema tras tema fueron recorriendo todos los acordes posibles y todas las escalas, una auténtica exhibición, ante la cual solo quedaba decir tras un punteo o paseo por los trastes, “Toma jeroma”, “monstruos”, u otros calificativos de alabanza.

Uno de los últimos temas que tocaron fue la versión del meloso tema de The Police “Every breath you take”, el cual siguió en las mismas lineas románticas del tema original, no todo iba a ser rock and roll.

Versiones extensísimas de las canciones que provocaban una sensación de desorientación al cabo del paso de los minutos, obnubilado ante tal avalancha de notas, un auténtico efecto narcotico perfecto para rematar el fin de semana.

Todavía les dió tiempo a interpretar “Little wind” de Jimi Hendrix y “Spain” de Chick Corea. Tras esos dos temazos hubo una gran ovación por parte del público, la cual obligó a los artistas a volver a salir para interpretar un último blues, con el cual, esta vez sí, se despidieron del escenario.

Tenemos asumido que si acudimos a una actuación musical, el elemento clave del mismo, si no el principal, serán las personas que interpretaran las canciones, los resto de detalles quedan en nada si eliminamos a los ejecutantes.

Por eso, resulta curioso ver como una formación deja el centro del escenario y por tanto la responsabilidad de ser el frontman de la banda, a una maquina. Este es uno de los principales detalles de Cabo San Roque banda que el pasado jueves actuó en el Centro Cultural Matadero de Huesca.

Esa máquina, llamada Tres Tristes Truenos y creada por el propio grupo, es la responsable de la sección rítmica de la banda, así, mediante cientos de conexiones, tornillos, bombillas, platos de batería, cajas, incluso una máquina de escribir, va formando los patrones base para que se vayan incorporando los teclados y las guitarras de Roger Aixut y Laia Torrents.

Les costó un poco entrar en la dinámica del concierto, fueron calentando motores y pasaron por temas lentos, en los que introdujeron una marimba y la mezclaron con el repiqueteo de las maquina de escribir introducida en T.T.T. Este inicio un tanto desajustado tuvo su punto de inflexión cuando Roger Aixut rompió dos cuerdas de sus dos guitarras eléctricas y tuvieron que parar para poder cambiar las cuerdas, algo casi insólito.

Este hecho obligó a los dos miembros humanos del grupo a tirar de recursos como poner un colchón de teclados por parte de Laia Torrents y a Roger a fabricar un rápido monólogo, recordando su actuación en Periferias en el año 2008 y como el grupo empezó formado por diez personas, introduciendo dos versiones para aclarar la mengua de miembros, la opción a) como en una novela de Agatha Cristhie, la culpa es de uno de los dos que permanecen, la opción b) u opción Blade Runner, culpa directamente a la maquina, y en ella se escudan para decir que quizá en algún momento la maquina tome el control y saque discos por su cuenta.

Tras este pequeño y entrañable incidente, interpretaron una versión del malogrado músico experimental Joan Saura e iniciaron un clima de baile y dispersión que no paró hasta el final del concierto. En otro de los temas crearon un bucle con varios instrumentos de viento para ir lanzándolo a lo largo de la canción y tras esto tocaron dos temas, “Ya-ya trueno” y “Pica pica bum”, al parecer referidas a dos boxeadores mexicanos que conocieron, aunque la anécdota quedó cubierta por una gran capa de ironía, así que no podemos asegurar su veracidad. Son una banda con bastante humor.

Interpretaron una versión de Can, en la cual aprovecharon para introducir un solo de T.T.T. y pudimos comprobar las conexiones, no solo con la experimentación, si no con el krautrock que tiene su musica. Después interpretaron un tema nuevo que aun no lleva titulo pero quizá eso sea lo de menos, resulto ser un tema igual de experimental que los anteriores, con más incidencia en las cadencias de baile. Tras esto en las melodías se podía escuchar ciertos ritmos latinos, tienen influencias de todo tipo.

Tuvieron que hacer un bis en el que interpretaron la canción en la que la cuerda se rompió y después dejaron que el publico se subiera al escenario para contemplar la maquina en todo su esplendor, algo así como acudir a un museo o a un zoo del rock, la gente aprovechó el instante para hacer fotos y curiosear todos los mecanismos de semejante aparato. ¡Viva el Skynet del rock!

Buenos días. Acabo de darme cuenta que tengo muy asumido el tema de que los periódicos tan solo se leen por la mañana. Quizá estés a mitad de tarde en una cafetería, pasando las hojas sin saber muy bien que hacer o tal vez sean altas horas de la noche. Así que por si acaso, buenos días, buenas tardes y buenas noches.

El pasado martes comenzó la ronda de conciertos del Matadero en este nuevo año, tal vez el titular se refiera a eso, a un comienzo nuevo un tanto enrarecido, no creo que ese sea el motivo, pero es una opción. Vino a actuar Chris Brokaw, figura mítica dentro del slowcore y el post rock, el patio de butacas del Matadero presentó una entrada bastante aceptable siendo que venimos de jornadas festivas y que era un martes noche, fuera del fin de semana la gente siente mayor pereza para los actos culturales.

Antes de la actuación principal hubo un telonero, podría decirse que fue otro arranque, con lo cual ya tenemos dos, el comienzo del año y la actuación previa, el encargado de abrir la noche fue Jorge Berges, que bajo el seudónimo de Kim Fasticks ofreció un concierto en la línea de El Brindador, aunque dentro de ese folk zaragozano tenía más conexiones con Bigott.

Quizá por eso, el arranque del concierto de Chris Brokaw estuvo bañado en distorsión. Su guitarra eléctrica, varios pedales, rasgueos y una gran capa de ruido durante un par de minutos, una manera de llamar la atención y dejar atrás las bases electrónicas de la anterior actuación.

Sin pausa, cortó las distorsiones y se lanzó a por una extensa canción que le sirvió para asentarse en el escenario e ir desplegando su surtido de indierock. Con una voz apagada, que casi se podría calificar como “tomada” pero que en ningún caso lo digo como un matiz negativo, llegaba a todas las notas de forma correcta, pero no alardeaba ni realizaba gorgoritos.

Esa es la base de la música de Chris, una línea de música con los arreglos necesarios, nada más, rock minimalista y sentido, guitarrazos y distorsión. Continuó su concierto interpretando “Into the woods”, seguida de “Dany Borracho”, este último uno de los temas más rítmicos de toda la actuación, ya que el resto se basó en unos patrones a medio tiempo que quedaron perfectos para la propuesta musical que ofrece Chris Brokaw.

Luego llegó una canción popular de los Estados Unidos, letras atemporales que van modificando su melodía a través del tiempo. Tras ella un homenaje a su mujer en forma de canción “ She’s A Fucking Angel”, un tema que confesó le costó escribir muy poco, lo argumentó para presentar la siguiente canción, que le había costado escribir cuatro años. Así de rocambolesca es la creación.

Tras esto explicó que había realizado la banda sonora original de la película Now, Forager e interpretó un largo medley con distintos extractos de la composición, en este tramo se pudieron apreciar todos los detalles melódicos de Chris Brokaw, de la intensidad basada en la distorsión, a las melodías lentas apoyadas en acordes abiertos para aumentar el peso de la frase. También pasó de utilizar la púa a rasgar las cuerdas de su guitarra eléctrica con la mano, acercando la cadencia a puntos folk.

Fue despidiendo el concierto con un par de temas de su extenso repertorio, lleva sacando discos en solitario desde el año 2002, y ante los aplausos del público tuvo que regresar para interpretar un pequeño bis en el que tocó una canción más apagada. Con ello se despidió para dirigirse al tenderete que tenía puesto a la salida con varios de sus discos, digo esto porque arrasó entre los asistentes, había sido un gran concierto, un gran comienzo de año.

Por el titular bien podría desprenderse que esta crónica es una apología de la violencia, y más en los tiempos que corren, parece que todo deba tener una doble lectura, nada más lejos de la realidad. Me explico: La espada es una mítica bicicleta utilizada por Miguel Indurain en los años noventa.

¿Y qué relación guarda ese vehículo con la ciudad de Huesca? Pues resulta que el Ayuntamiento de Huesca, para celebrar la finalización de las obras del Coso, al menos de una parte, decidió invitar el pasado sábado a Miguelón y a su hermano Prudencio para probar las calles de la ciudad con sus bicicletas en un acto conmemorativo. Todo muy bonito, una nueva ciudad, nuevas posibilidades y lo que es más importante, la reivindicación de la bicicleta como vehículo principal. Así que ves, nada de violencia, todo lo contrario, paz y tranquilidad.

Aunque eso sí, hubo un pequeño problema derivado e imprevisto, según parece, cuando la Espada y Miguelón entran en contacto en un plano físico de la realidad, es entonces cuando, no sé sabe si por brujería o un patrocinio comercial, se hace carne en ese instante, Carlos Nuñez, el famoso gaitero.

Pero claro, hasta que sucedió, este hecho entraba dentro de la leyenda, así que los organizadores, cubriéndose las espaldas, contrataron a Los Gaiteros de Tudela para que acompañasen a los campeones en su recorrido por la ciudad. Un pasacalles deportivo celta a las doce de la mañana.

Por eso esta crónica está dentro de la sección musical, sino de qué.

Miguel, sorprendido por la reaparición de Carlos Núñez y un poco escurriendo el bulto para no ser acusado de un contrato oculto o similar, dijo: “esto no me pasaba desde la octava etapa del tour de francia de 1995”.

Prudencio, con un aspecto febril, no paró de decir que tenía dolores por todas las articulaciones del cuerpo, había pasado una noche infernal con problemas de diarrea y presentaba varias erupciones rojizas por los brazos. Aún así, de casta campeona como es, no se achantó, y acudió a la cita.

Los hermanos fueron recibidos por una comitiva de la ciudad, descubrieron una placa en las cuatro esquinas y tras un sorteo, el cual dio la ligera sensación de estar amañado, se resolvió que Miguel recorrería con su Espada la zona del coso que ya está reformada y peatonalizada, mientras que Prudencio haría la ruta por la parte que queda con las aceras levantadas y alguna zanja.

Algo injusto, quizá sí, de hecho abrió la caja de los truenos, el propio Prudencio acusó a su hermano de estar compitiendo con una bicicleta trucada, entró en cólera y pidió que alguien le comunicara con la UCI, que eso era un complot, algo inaudito, doping meccanico. Su débil estado de salud ayudó a que entrase en calma antes de iniciar el recorrido.

Uno de los argumentos principales fue: “Prudencio, sois dos hermanos y tenemos dos Cosos, hay que repartir, no todo va a ser para Miguel”.

Lo que nadie esperaba que cuando Prudencio Indurain posase el culotte en el asiento de su bicicleta iba a aparecer la otra gran estrella de la gaita española: Hevia.

Fue un auténtico shock.

Está claro que la cosa huele más a maldición gitana que a un acuerdo comercial.

El recorrido ciclista estaba a punto de arrancar pero los músicos permanecieron impasibles a este hecho, en las cuatro esquinas, estáticos, se retaron a un gaita-hero, si es que eso es posible. Cuando llevaban más de media hora de esta particular pelea de gallos, pudimos intuir que el objetivo de ambos era controlar a Los Gaiteros de Tudela, que seguían en la Plaza del Mercado interpretando temas populares para todo tipo de públicos, se habían despistado de la ruta cicloturista.

El duelo casi llega a mayores, Hevia dejó su gaita eléctrica, Hevia es un innovador y acusó a Carlos Núñez de copiota, que él había hecho la B.S.O. para la Vuelta Ciclista a España mucho antes que él, a lo que Carlos respondió con un “eso es porque estás viejo, hay que renovarse”.

Por suerte, cuando iban a empezar a darse de guantazos, llegó Miguelón con su Espada tras haber recorrido toda la zona recién reformada, cientos de niños le siguieron con su bicicleta y el campeonísimo llevaba una sonrisa radiante. Habría que destacar que portaba el maillot amarillo del Tour de Francia del año 1991.

En un pequeño podio habilitado para la ocasión Miguel Indurain se subió junto a Hevia y Carlos Núñez, que seguían de morros, bien se vale que se situaron a los lados del campeón. Nuestras queridas mairalesas fueron las encargadas de entregarles una ronda de obsequios, castañas de mazapan, un empanadico, dos pajaritas realizadas en titanio reforzado, una trenza de Almudévar y una botella de chinchimina.

Alabanzas al campeón y ronda de aplausos, fue en ese momento cuando todo el personal se preguntó por Prudencio, el hermanísimo, se inició así una batida en su busca, con grupos de cinco y siete personas recorriendo todas las zanjas y calles levantadas de la ciudad.

Tras casi una hora de búsqueda lograron localizarle caído y descompuesto en una de las zanjas del coso bajo, inmediatamente Miguel se lo cargó a su Espada y acudieron al Hospital San Jorge. Al parecer todo quedó en un susto.

Por su parte, Hevia se dirigió a la estación para volver a su casa, explicó que no entraba en sus planes lo que acababa de ocurrir pero que tampoco se iba a quejar. Y a Carlos Núñez le perdí la pista, imagino que también regresaría a su hogar, pero no me dio tiempo a comprobar el dato.

En cualquier caso, el coso inaugurado en una jornada festiva, ¡nos vemos en el 2015!

Will Spector y Los Fatus es un grupo polarizante, o te caen bien y te conviertes a su fe o les odias y propagas todo tipo de improperios contra ellos, desde que su cantante está gordo hasta que se les está pasando el arroz. He de confesar que estoy en el primer bando, su belleza inspirada en la basura de nuestro día a día me llega al corazón. Son nuestros LCD Soundsystem, o algo similar, pero eso, que entiendo el extremismo que generan.

El pasado viernes presentaron un EP que acaban de lanzar, no lo he terminado de comprobar pero creo que es una estrategia para hacer ver que el grupo está activo y motivado porque en 2015 van a editar un disco que llevará por título “Arriba de bien”.

Escuché a Will decir el nombre de su próxima obra, pero bueno, tampoco estuve todo el rato atento, en las primeras filas se formó una desestructuración del Matadero. Los Fatus parten la pana. Rompiendo todo tipo de reglas y estándares establecidos, hubo personas bebiendo cubatas y fumando, esto último, dentro del macarrismo, se puede considerar como un posible homenaje a la banda pues el EP lleva por título “Paquete de tabaco”. Un cd con cinco canciones que interpretaron en su totalidad al comienzo del concierto, salvo el tema “El desastre del año”, que guardaron para cerrar la velada.

Pero el comienzo fue con el grupo disfrazado de forma decimonónica y rebautizando su tema “Paquete de tabaco” como el Opus Paquet, para seguir con la coña de la regresión.

Hubo tiempo de todo, también de que tocaran su temazo “Me encanta verte fatal”, es que si no lo hacen no hay concierto de los Fatus.

Cuando interpretaron “A tus pies”, el disloque del público subió un puntico, varios espectadores terminaron de desparramarse, no solo alzaron sus pies durante el concierto, es que además se lanzaron al escenario, quizá en respuesta al piscinazo del guitarrista de la banda, Carlos Aquilué, Charlybot, que fue el primero en romper la cuarta pared.

Tras esto, rajada del cantante contra la gente que ha arrancado sus carteles de promoción del concierto, pero eso, con ese humor canalla que tanto posiciona. Gora fatus. Luego vino la jota, el público seguía en modo desfase, subiendo al escenario, bailando en la primera fila, y los que permanecían sentados seguían elevando las piernas, ofreciendo o quizá creando lo que Guillermo Bruno bautizó como el baile del ojete. Cerraron el concierto con “La vuelta a casa” y volvieron para realizar un bis que no tenían previsto, pero el clímax de descontrol lo pedía. Gracias Fatus, sois fieras.

Y para terminar la crónica de una forma más poética y mostrar que los Fatus no solo son gamberros sino también gente sensible, voy a cerrar con una frase de su canción “Que la nieve ardía”, hasta la próxima”: “Y por soñar lo imposible, pensé que tú me querías”.

Cuando uno acude a un concierto ya sabe más o menos lo que va a escuchar. En líneas generales y aún desconociendo el grupo que toque, casi seguro que lo puedas ubicar dentro del pop, la música electrónica, o la clásica.

Y es que cada persona tiene un sonido propio, algo que aunque no quiera, le derivará a un estilo en concreto. Salir del propio esquema es algo muy difícil y representa una gran versatilidad.

Por eso, fue una alegría ver que el pasado lunes la banda Pillars and Tongues se reinventaba tras su show y ofrecía el apoyo instrumental a My name is nobody. Una perfecta simbiosis con dos partes muy diferenciadas, de haber acudido con los ojos cerrados uno habría dicho que hubo una gran cantidad de músicos en el escenario, pero no, la culpa de todo la tuvieron cuatro personas.

El público asistente al Centro Cultural del Matadero, casi en formato familiar, disfrutó de una jornada sorprendente.

Para empezar la velada, como ya he dicho, abrieron Pillars and Tongues, un conjunto de Chicago, formado por Mark Trecka, Beth Remis y Ben Babbitt, con unas melodías poderosas, intensas, que iban acompañadas de bases programadas que aumentaban esa rotundidad. Muy en la onda de Peaking Lights, de hecho, el cantante del grupo, Mark, uso un efecto que aportaba un notorio eco a su voz, llevándole casi a mundos dub, aunque por su tono de voz lo correcto sería calificarle como un Nick Cave del dub.

Aparte del eco, introducía las programaciones, el armonio y multitud de efectos que iba lanzando con un perfecto control de los mismos, algo nada sencillo.

Por si esto fuera poco, las capas de violín, que se mezclaban con las melodías étnicas, casi hindúes, que aportaba el armonio, formaban un colchón magnifico, un somnífero bailable.

Utilizaron unas largas transiciones, larguísimas, entre tema y tema, dando muy pocas concesiones al público de aplaudir o jalear, prefirieron centrarse en las capas de ruidismo mientras preparaban el siguiente bucle con el que iniciar la canción. Muy bien.

En la última canción de su set salió My Name Is Nobody, el artista que actuaba a continuación, para tocar con ellos el bajo, mientras Ben Rabbitt pasó a la batería. Un final que hizo aumentar el punto intenso y casi espiritual de su concierto.

Tocaba un pequeño descanso para hacer el cambio de escenario. Algunos, a pesar del frío salieron a fumar, otros se quedaron dentro para hablar de lo humano y lo divino, “¿Te has fijado que My Name Is Nobody se parece a Errejón?”, “Venga, hombre”.

Al cuarto de hora ya estaba todo listo y salió el artista al escenario con una guitarra azul eléctrico, nada más.

Si media hora antes el patrón de voz se caracterizaba por el cantante de The Bad Seeds, en este caso podríamos ubicarlo en Bill Callahan, en cualquier caso, dos voces graves, rotundas.

Tras el sobrenombre de My Name is nobody se esconde Vicent Dupas y realizó un concierto más ubicado en el formato folk atmosférico.

La primera canción, en la que relató como perdió su corazón en Italia, la interpretó solo y a partir de ahí, los Pillars and Tongues que habían aprovechado para descansar, le acompañaron durante todo el concierto con el formato violín, bajo/batería y teclados.

Un patrón de música más pausado, casi eclesiástico pero ojo, dentro de los cánones de cantautor americano, a pesar de su origen francés.

Dentro de esos instantes calmados uno podía visualizar a Angelo Baladamenti tocando la melodía de Twin Peaks, poco a poco fueron subiendo el tono y la distorsión, para acabar por todo lo alto y sin dar opción a bises ni nada parecido. Luces encendidas y cada uno a su casa. Pequeñas sorpresas de lunes, grupos que casi seguro darán que hablar.

Semanas como la que acaba de finalizar son un buen ejemplo de la gran cantidad de actos culturales que hay en la ciudad. Desde el jueves hasta el domingo sin parar, presentaciones, conciertos y todo tipo de actos que terminan por generar una sensación de stress cultural.

Por eso, la llegada del lunes, un páramo dentro del mundo cultural de la ciudad, llega a provocar cierto alivio.

En este caso no ha sido una alegría desmedida, ni mucho menos, y eso ha sido gracias a que el fin de semana se remató de la mejor manera posible con el concierto de María José Hernández en el Centro Cultural del Matadero.

Ella venía a presentar su nuevo trabajo “Las Uvas Dulces”, un disco en el que ha grabado versiones de José Antonio Labordeta. Una labor de investigación, pues se tratan de las canciones menos conocidas del poeta, y de reivindicación de su figura, no sólo como gran escritor, sino como compositor.

Con un formato musical que incluía teclado, guitarras (eléctrica y acústica), cello y contrabajo, consiguió dotar a las canciones de calidez, bellos detalles y profundo respeto por las obras originales.

En medio del show incluyó un pequeño receso de tres canciones de su repertorio con los que aprovechó para presentar a los magníficos músicos que la acompañan, uno de esos temas fue el bolero de amor arrebatado titulado “La punta del iceberg”.

A lo largo de todo el concierto, uno de los detalles que más llamó la atención fue la gran técnica de voz de María José, que en ningún momento falló, titubeo y siempre mostró su registro en el mejor punto posible, bravo.

Aparte de esto, en las composiciones de José Antonio Labordeta se puede descubrir las magníficas letras que escribió, dejando unos estribillos llenos de imágenes y que no caen en los lugares comunes ni otro tipo en los que han caído multitud de cantautores.

Desde “Guárdate”, pasando por “Rosa, rosae”, o “Nieve en Abril”, letra que el propio José Antonio dedicó a su hija y habla del avance de la vida desde la posición del observador, muy bello. Cabe destacar que como bien recordó María José Hernández, ninguna cantante se había atrevido hasta la fehca a versionar las canciones de Labordeta.

Continuó el concierto en la línea delicada y detallista, con pequeños descubrimientos sonoros y grandes canciones como “Mar de amor” o “Quién te cerrará los ojos”.

Todo un acierto el proyecto y su llevada a la práctica, idea original y bien gestionada, un disco que merece tener un largo recorrido.

Finalizó la actuación con tal cantidad de aplausos que tuvo que realizar un bis de dos canciones, la que da título al disco y el himno intergeneracional “Canto a la Libertad”, el concierto terminó en todo lo alto, con gran parte del público cantando la letra de la canción, un momento muy intenso. Así terminó el concierto, era imposible mejorarlo.

Algunas personas se pusieron en pie para ovacionar a la artista. Un concierto muy bonito y entrañable. Ahora toca empezar otra semana.

Este fin de semana me he dado cuenta de que hace falta más amor en Huesca, es algo necesario. Dentro de la vida urbana, con el estrés, las jornadas laborales y ocupaciones para sobrevivir, en ocasiones, es complicado adaptar ese elemento a nosotros. Por eso, quizá, lo insólito, aquello que se va un poco de la norma, nos devuelve un poco a esa fraternidad que todos deseamos.

Con esta introducción tan idílica quiero contar que el domingo se realizó un acto de amor a la vida, una presentación conjunta, por una parte el libro “Declinación” de Isidro Ferrer y Carlos Grassa Toro, y por otra el disco de Justo Bagüeste, “Y todo queda”.

Books y discos ya se han presentado hasta la saciedad en todos los confines del mundo, pero en esta ocasión y gracias a la gran labor organizativa de la Librería Anónima, tuvo un toque especial, nos reunieron a todos los asistentes en la estación de tren para realizar un viaje a Riglos. Con ese pretexto nos reunimos cincuenta personas a las diez de la mañana, con la expectativa de pasar una jornada distinta. Y lo fue.

Nada más subir al Canfranero, ese tren que parece sacado de la Unión Soviética, todo cambió, hubo reparto de prensa, algo de comida, vino, y en el descansillo entre vagón y vagón fueron colocando un amplificador, varios elementos de percusión, porque uno de los puntos fuertes del día es que iba a realizarse un concierto dentro del propio tren. Otro elemento insólito.

Los implicados en este acto fueron Justo Bagüeste, que tocó el saxofón, Isidro Ferrer, que leyó texts tanto del disco de Justo como de su propio libro, y Nacho Colis, batería de la mítica formación Chatarreros de Sangre y Cielo, y que realizó todo tipo de percusiones.

Eran las once de la mañana y el vino ya pasaba de vagón en vagón mientras los músicos fueron improvisando y adaptándose al público y al terreno móvil del tren. Media hora de concierto, muy ameno y entretenido.

Tras esto, tocaba parada en el apeadero de Riglos y posterior caminata hasta el arbolico, lugar desde el cual arrancó toda esta idea de la excursión, la presentación y la fiesta, un lugar homenaje al artista Jaime Lloro, personaje muy querido en la ciudad, fallecido recientemente y al que todos los implicados en esta presentación quisieron rendir un sentido homenaje. En el arbolico hubo un pequeño convite y después realizamos otra pequeña caminata hasta Arcaz, el centro de interpretación de aves de Riglos, donde se realizaron las presentaciones formales del libro y el disco, aunque decir formal no creo que sea lo correcto en este caso porque fue una carcajada continua.

Desde la verborrea psicodélica de Justo Bagüeste que explicó el origen de su disco «Y todo queda», arrancado por un encargo de Javier Corcobado, dentro de un proyecto de una canción de amor de veinticuatro horas para el cual Justo tuvo media hora asignada y decidió rodearse de artistas y escritores de la ciudad para crear algo conjunto, pequeñas cartas de amor rodeadas de electrónica experimental.

Quedaba la presentación de “Declinación”, salió Isidro Ferrer y recordó a todos el punto de arranque de la idea, la jornada festiva alrededor del arbolico, el viaje en el tren donde el tiempo toma otra dimensión, favorece el diálogo y elimina la tecnología. Después, presentó su libro, en el cual realiza la parte gráfica y Carlos Grassa Toro, el texto, aunque Isidro, lo explicó de una manera muy divertida con un monólogo en el que relató como un día tuvo un cruce de cables y confundió la palabra desatascador con embudo y fue de tienda en tienda en busca del elemento equivocado hasta que finalmente logró la traducción, esa función realiza Carlos en el libro, traduce y da forma al lenguaje visual de Isidro Ferrer.

Carlos Grassa Toro, para romper la tendencia de risas que se estaba generando dijo que estaba cansado de hacer reír y que iba a favorecer la seriedad. Repartió bigotes postizos entre el público, pero de esos que se caen al menor movimiento, la conclusión era que no se podía reír, aunque era algo inevitable. También confesó que el libro en origen iba a llamarse Declaración, ya que su texto habla del amor, pero que por cambios de última hora pasó a llamarse «Declinación».

Tras las presentaciones, una formidable comida en el mismo centro de interpretación, y un posterior regreso a Huesca en el mismo tren que nos había llevado a Riglos. Jornada emotiva, divertida y esperemos que no única, sino el inicio de una nueva tendencia. Enhorabuena, que sucedan más actos así.

Fotografías: Javier Broto

Salvo casos muy excepcionales, todas las crónicas de este blog son publicadas, más tarde o más temprano, por el Diario del Altoaragón. Las cuelgo aquí para tener una especie de control y almacenaje propio.

Había varios franceses, una chilena, un chico de Valencia, un belga loco, seguro que me dejo nacionalidades y gente, no estuve atento a todos, ya lo siento, y también estaba una chica oscense pero que actualmente vive en Londres, la artista Marta Jiménez Salcedo.

Como esto no va a publicarse bajo los corsés del formato periodístico lo puedo decir, Marta es amiga mía y al acabar su espectáculo me preguntó si haría crónica, yo le dije que nadie me había dicho nada, aunque bueno, como ya he dicho, tampoco me preocupé.

Su espectáculo era el primero en comenzar dentro de un itinerario de cinco muestras. Salí de casa con el tiempo justo en dirección a la Ermita de La Malena, lugar donde arrancaba la ruta, vivo cerca pero bueno, apuré hasta el final porque no tenía ganas de encuentros sociales y demás.

Vi a Javi, a María José, a David, y a los pocos segundos, el espacio de La Malena estaba completamente lleno de gente. Abrieron las puertas, nos encaminamos junto a la masa y como tampoco tengo una altura extraordinaria tuve que hacerme un hueco entre la gente para poder ver algo, mientras estaba en esa maniobra sonó a toda pastilla la canción “Ni más ni menos” de Los Chichos, el espectáculo había comenzado.

El público estaba expectante, alerta, y fue entonces cuando Marta Jiménez Salcedo entró por el mismo lugar que lo habíamos hecho todos pero ataviada con un gigantesco cono blanco construido con resina de poliuretano y troquelado con elementos florales, algo que llamaba poderosamente la atención.

Todo los sonidos que se formaron fueron procesados electrónicamente, dándole mayor dramatismo al escape, a la destrucción, la metamorfosis. Una vez liberada, fue recogiendo todos los trozos en unos cubos rojos y acercándolos a Tasos, que los fue picando con un martillo (también con sensores piezoeléctricos) y más tarde trituraron en una turmix, y sí, la turmix también llevaba proceso de sonido. Se les paró el motor pero continuaron hasta terminar el espectáculo, con Marta esparciendo su traje convertido en polvo blanco sobre el lugar donde se había parado al comienzo.

Aplauso y romería del público en busca de otra intervención artística. Ciclos de ida y vuelta. Destruir para construir.

Comenzaba Periferias y lo hacía de forma impecable.

Gracias Marta, (aunque tú y yo sabemos que lo mejor de todo Periferias, sin lugar a dudas, fue el Fashion Show).

Nos vemos pronto.

Un año más, Periferias ha traído los mejores eventos culturales a la ciudad. En un formato que ha regresado a la duración de dos fines de semana, tras dos años en los que se redujo a uno. Parte de culpa de este alargamiento la tiene el la sección Park In Progress, proyecto vinculado al vivero de artistas europeo pépinière. Dentro de esta iniciativa, y como delicatessen final, el domingo actuaron François Chaignaud y Daniel Zapico en un espectáculo dirigido por Nino Laisné.

Tuvo lugar en la sala Petronila del Museo de Huesca en la cual realizaron tres pases, cada uno de una media hora de duración y todos ellos a rebosar de público. Danza e historia musical. El espectáculo estaba concebido bajo la investigación de la canción de origen sefardí La Tarara, la cual ha ido evolucionando y derivando en distintas versiones y letras.

En algunas de las cuales se puede intuir un cierto transformismo, frases como “tiene la tarara unos grandes rizos que parecen suyos pero son postizos” o “tiene la tarara un dedito malo que no se lo cura ningún cirujano”.

La caracterización de François Chaignaud se basó en ello, en esta realidad oculta, ese drama, travestido de arriba abajo. Además, para ayudar a la ensoñación iniciaron el espectáculo completamente a oscuras, fueron subiendo poco a poco el nivel de luz y al fondo de la sala aparecía François, pero en los primeros instantes estaba la duda, es un hombre, es una mujer… era un desgarro y como tal fue arrastrándose y tropezando por el pasillo que se formó en medio de la sala con los espectadores sentados en los laterales.

Habría que decir también que dentro de los contoneos, saltos y requiebros que hizo el gran bailarín, no dejó de cantar, y lo mejor de todo, no falló en ningún tono ni texto. Con el cuerpo totalmente doblado, en una perfecta “L”, la boca mirando al techo y la voz inundando la sala Petronila. Otro dato más, iba con unos zapatos de tacón de más de diez centímetros, casi nada. Y lo dicho, un control absoluto sobre el cuerpo y la voz.

La melodía musical, introducida con extrema delicadeza y sabiendo donde aparecer y retirarse, estuvo igual de controlada y profesional. Un espectáculo para terminar de manera inmejorable este Periferias que poco a tenido de Fake salvo el título de la edición. Aplauso lento. Ahora toca regresar a la rutina, si es que eso es posible todavía.

Estimado Jesús, no sé cómo repartirán la maquetación de nuestras crónicas, tal vez deberíamos preguntar a los del periódico. Tampoco tengo muy claro el motivo por el que he decidido bautizar a la sala polivalente como fondo sur, pero a estas alturas del Periferias, me vas a permitir esa pequeña licencia, además, me resulta más cómodo para luego explicarle a la gente que tú cubriste los conciertos del auditorio y yo el resto.

El caso es que los conciertos de la sala polivalente estuvieron brillantes. Mucho nivel. Te diría que está siendo de los mejores Periferias que recuerdo, igual me llamas exagerado, pero chico, yo me he emocionado en muchas actuaciones y dentro de ese sentimiento el concierto que abrió la noche, que corrió a cargo de Lorena Álvarez y su banda municipal, ganó de calle.

Algo removieron en el ambiente y cambiaron la atmósfera. Cualquier cosa que diga del concierto va a desmerecer porque deberían tener una crónica solo para ellos. Dividieron su set en tres actos, Lorena con la banda, con el coro Arcadia y como guinda un karaoke popular. De verdad que fue algo maravilloso. El folk que interpreta puede gustar más o menos, pero es sencillo y directo, lo cual, al añadir el coro ganaba en emotividad. Como pequeño detalle para que puedas imaginar alguna de las cotas a las que llegaron, se formó un gran corro por parte de todo el público que dio vueltas y bailó mientras ellos interpretaban Del Cielo Al Suelo. Inmejorable. De lo mejor de todo el festival.

Pusieron el listón muy alto pero la siguiente banda que salió a actuar, Moodoïd, aguantaron el tirón de forma perfecta. Banda liderada por Pablo Padovani en la línea del glam rock y la new wave. Tuvo instantes de puro ritmo y capas más planeadoras y desestructuradas, su banda, formada íntegramente por mujeres, le aporta, además de belleza, una pose y actitud muy profesional, añadido que su vestuario y el maquillaje plagado de purpurina ayudaban a la imagen. Sonidos ochenteros, ciertos toques de experimentación y mucha intención de no dar tregua al público.

Tras ellos, sí, he de reconocer, Jesús, que me escapé de mi fondo para ver el concierto de Juan Perro, absoluto cabeza de cartel de la noche. Uno de los aragoneses más universales y que acudió a la cita con Periferias en un formato intimista, dos guitarras y bajo. Un acústico para ver el perfil más intimista del artista, su lado más Nueva Orleans, de hecho entre canción y canción, como perfecto conductor y gurú del evento, explicó distintas anécdotas, como cuando conoció a Louis Amstrong, por ponerte un ejemplo. Fue el que más expectación levantó y de los más ovacionados de la noche. Juan Perro es garantía de éxito.

A mi regreso a la sala polivalente sucedió otra torsión y el espacio se convirtió de forma definitiva en una gran pista de baile. Fue la actuación de Meridian Brothers. Cumbia electrónica que parece sacada de una película de Ed Wood. No paré de bailar durante todo su concierto. Dieron un repaso a todos sus grandes temas, desde El pinchadiscos del amor hasta Guaracha Ufo. Ritmos tribales repetitivos con los que todo el público entró en un estado de pseudotrance.

Entre show y show estaba Dj Der pinchando canciones para dar continuidad a la noche, y tuvo momentos destacados como cuando hizo uno de los pases dedicado a Milli Vanilli, uno de los grandes fakes de la música, y llegó a pinchar a Ramoncín versionando a Nirvana, toma ya. Además, la gente no dejó de bailar con él en ningún momento, objetivo cumplido.

Por si no había suficientes sensaciones, espera, que faltaba la actuación de ExKissitos, banda tributo a Kiss. Ya te puedes imaginar, caracterizados de forma idéntica a la banda de heavy metal, mismos gestos, pose y comentarios entre canción y canción. Igual. De hecho cuando terminaron el show salieron a la zona de público aún con la caracterización y fueron de los artistas más solicitados para fotografiarse. Fueron Kiss, un absoluto fake que estuvo en la línea ascendente de toda la noche. Claro, I was made for loving you, Rock & Roll all nite… es que además juegan con un material muy efectivo que hizo las delicias de todo el público.

El fin de fiesta lo puso Niu Peineta, novísimo proyecto de Meneo que a pesar de estar en un horario complicado, ya eran más de las tres de la mañana, mantuvo el tempo y creó nuevos grupetos de baile, su mezcla de flamenco, con techno vino perfecta, varios mashups, entre ellos uno que incorporaba a Las Grecas y su Te Estoy Amando Locamente, y es que el amor estuvo en el ambiente durante toda la noche, al menos, ya te digo, en el fondo sur, ya me contarás como fue la noche en el auditorio, un abrazo. Y que vuelva Periferias pronto, que le sienta muy bien a nuestra ciudad.

Querido lector, el caos es un elemento demasiado cercano. Las circunstancias son poderosas. Y el ser humano es maravilloso. Con esto quiero explicar, por si no ha quedado suficiente claro, que la noche del viernes fue complicada. Por lo menos para un servidor. Son fechas hermosas, en las que dan ganas de acudir a la ciudad. Viejas amistades que retornan, cenas, paseos…

El Bleep!, la noche aragonesa del Festival Periferias, es el diez de agosto de los culturetas. Acude gente de todo tipo en busca de algún estímulo con el cual continuar su vida. Entre los personajes que aparecieron, algunos ya eran viejos conocidos para mí, Oriol, el barcelonés amante del indie patrio y el gran artista italiano Gregorio Lombarda.

Esto que añado ahora es un dato amarillista, pero es de rigor ponerlo para entender parte de la crónica, al parecer Oriol, ese hombre, se encuentra en un bajón vital, con ello quiero decir que acudió al Palacio de Congresos borracho como una cuba y con ganas de pelea. Y la tuvo, en cuanto se cruzó con un tipo de Tardienta al que insinuó, de muy malos modos, si tenía peluca, peluquín o algo de eso, una cuestión absolutamente tabú en el mundo rural. Total, que le partió la cara, sangre por todos los lados y como yo era de los pocos conocidos que tenía, tuve que acompañarle al hospital y más tader a comisaría.

Suerte que, como ya he dicho antes, también acudió Gregorio Lombarda, quién había aparecido en la ciudad con motivo de la inauguración de la exposición de Joan Fontcuberta y le hizo las veces de cicerone. Gracias a él pude enterarme de lo que sucedió en el Palacio de Congresos hasta mi regreso con Oriol.

Así me explicó que la noche la abrieron Ypsen & Krevi, unos raperos de Zaragoza que hicieron cinco temas vestidos de banqueros, dentro del fake aprovecharon para en lugar de repartir billetes como los totems yankees, hacer lo propio con su maqueta. El siguiente en escena fue Racha Giménez, un joven artista oscense que realiza beatbox, incorporó toques de techno, algún guiño al dub, por supuesto hip hop y cuando acudió a los palos flamencos salió a escena Raúl Giménez para cantar una bulería con él.

Durante los interludios de los conciertos, Josan Bailac salío a escena para amenizar con un gran repertorio de imitaciones, desde Nadal, Messi, la Duquesa de Alba, Zapatero, Rajoy… incluso nuestro antiguo rey, don Juan Carlos, imitación que vino incorporada de gran caracterización. Siguieron la noche Carlos Hollers Trío, con ese rocambolesco nombre de aplicar a uno mismo el formato trío, en la línea fake del Festival. Realizaron una actuación dentro de la electrónica, derivando al mundo jazz, comedidos pero con instantes vertiginosos y cañeros.

Los siguientes en aparecer por el escenario fueron Los Gandules y su alter ego Die Escaphandra, formación que utilizan para telonear sus propios conciertos, aunque en esta ocasión fue al revés, dando extravagantes instantes como la versión de Hawai Bombay de Mecano, locas proyecciones de fondo y pose de escenario pseudo intelectualoide.

A esas alturas de la noche regresé de la comisaría justo a tiempo de ver la sesión de El Penúltimo Mono, responsable a su vez de la cúpula geodésica instalada en el exterior del Palacio de Congresos. Sí, hubo dos escenarios, lo cual es siempre de agradecer porque te traslada definitivamente al formato festival y ayuda a socializar, aún más. En esa zona del palacio también actuaron Saulo Pisa, que incorporó elementos más bailables para ir animando la noche, Herbal, una formación de Zaragoza cuya actuación se basó en el drum and bass junto a toques mashups, y Clima, otro grupo también de Zaragoza que realizan una vertiente dubstep dentro la electrónica.

De regreso al interior tan solo quedaba la traca final, la magnífica actuación de Pecker, que incorporó las canciones de Eurovisión que eligió la gente vía internet. Así pudimos ver transiciones exquisitas como el paso del La la la de Massiel a su Supernova, que también usa el cántico de la eurovisiva canción. Hit tras hit, pasando del Yo Soy Aquel de Raphael a temas propios como Me Enamoré del Perdedor y terminar por todo lo alto con Confort, su último éxito.

Tras este cenit aparecieron The Bärds, que quizá para continuar con el elemento fake de la noche realizaron un falso musical que consistió en interpretar sus canciones más efectivas y enérgicas una tras otra. Estuvieron más cerca de Vampire Weekend que de The Strokes y acabaron la actuación en calzoncillos, literal, aspecto que tal vez formase parte del musical de Don Mendo.

El fin de fiesta lo puso, y de forma inmejorable, Javimar, un selector musical que siempre es garantía de buen gusto y baile, así, entre otras perlas nos coló una versión en cumbia del Purple Haze de Jimi Hendrix,tal vez un guiño a la noche del sábado, en la que actúan, entre otros, Meridian Brothers.

Sí, ya ves, Periferias continúa, esperemos que sin incidentes policiales y con todos los pelos en la cabeza.

Por el titular podría entenderse que ha sucedido otra noticia relacionada con la muerte de Peret, recordemos que falleció el pasado veintisiete de agosto pero durante ese mismo día murió y vivió varias veces en distintos comunicados, de lo cual se desprendió la frase de uno de sus estribillos más célebres: “y no estaba muerto, que estaba tomando cañas”. Pues no, lamentablemente Peret no resucitó el pasado jueves en el C.C. Matadero de Huesca pero le rindieron un sentido homenaje en forma de concierto, una reivindicación más que necesaria.

Hubo cierto retraso sobre la hora programada, lo cual ayudó (o no) a que la gente buscara su localidad, aunque no hubo problemas de ubicación, se registró una media entrada, pero eso sí, la media entrada con más ganas de baile del último año en el Matadero.

El espectáculo, anunciado con el nombre “De rodillas ante Peret” lo abrieron José Arjona al cante y Santos Giménez a la guitarra. Hicieron un mix de temas de Peret partiendo de un pequeño fandango y siguieron con las rumbas “El mesón del gitano” y “Borriquito”.

Tras ellos llegó el plato fuerte del homenaje, apareció la banda El Mal de Sambito, herederos de la formación Willy Giménez y Chanela, mítica formación oscense heredera de la rumba y el sentir gitano que exhibía Peret por los escenarios.

Ellos fueron los encargados de interpretar las canciones de Peret y aportarles un punto más latino, cercano a sonidos de Cuba, gracias a la aportación de su sección de vientos, con saxofón y trompeta, que dieron muestra de una gran versatilidad, tanto en soporte a banda como en sus intensos solos. Los vientos en el lateral izquierdo del escenario y a la derecha un dúo de coristas que ampliaba el punto gitano de las canciones, dándole un matiz muy interesante a los temas, gran elección.

Abrieron con “La noche del hawaiano” y siguieron con “No se pué aguantar” en mitad de la cual ya pidieron a la gente que se levantase para bailar, y eso que solo era la segunda canción. A partir de ahí la fiesta fue continua, bailes por los laterales, palmas, gritos, aplausos, un frenesí. Uno tras otro fueron cayendo los temazos del gran Peret “Una lágrima cayó en la arena”, “Don Toribio Carambola”, y “La fiesta no es para feos”, que fue presentada con mucha gracia incluyendo una anécdota, tal vez inventada, que les había sucedido.

Continuaron con “La rumba del tracatrá” y terminaron el concierto con “El muerto vivo”, en una versión extendida que sirvió para presentar a toda la banda, con los solos de cada músico, un gran final de fiesta.

Y como la gente se había quedado con más ganas de juerga, tuvieron que volver a salir para interpretar un bolero que fue muy ovacionado, con ello se retiraron definitivamente, pero no acabó el concierto porque aparecieron Arjona y Santos Giménez para continuar la fiesta pero derivándola un poco fuera del homenaje, a terrenos más flamencos. El patio de butacas del matadero era una fiesta. Gran homenaje a una figura única dentro de la música española. Larga vida a Peret.

Esto quizá provoque algún debate, ojalá, pero lo tengo que decir: No entiendo a la gente que va a los conciertos para contarle su vida a la persona que tiene al lado.

El jueves, en el Centro Cultural Matadero, Licor de Pájaro presentó su segundo disco, titulado “Testamento”. Hubo una numerosa entrada, son un grupo querido en la ciudad y a un servidor, por designios del destino, le tocó sentarse delante de un grupo de chavales que no pararon de explicarse su vida y milagros desde el minuto uno, incluyendo los silencios entre canción y canción. Pido perdón al grupo y a los lectores de la crónica pero lo tengo que explicar, percibí el concierto en dos dimensiones, la de La Jeny que había ido al peluquero para ver si su novio le decía algo tía qué fuerte, y la rítmica soul que daba ganas de saltar de la butaca para bailar con los pájaros. Ni que decir tiene que esta última me gusta mucho más.

A ver, que me centro, Licor de Pájaro, que cada vez tienen un sonido mas contundente, empezaron el concierto con el mismo tema que abre su segundo disco, “Culebri”, un mix de rítmico soul muy divertido y perfecto para comenzar cualquier fiesta. En este tema, que es una explicación vital de un jeta, no queda muy clara su idiosincrasia pero son defensores de los animales y de la paz, quizá por eso dedicaron su concierto a Excalibur, el perro supuestamente infectado de ébola que al parecer sacrificaron hace poco.

Siguieron con el orden del disco, venía Pico(r), con esa sonoridad soul, cambios de ritmo y una instrumentación perfecta, merece la pena escuchar el disco, en serio.

“Requiem por el último colibrí” tiene unos punteos cercanos al rock progresivo dentro de la línea new age de sus letras, lo que le da una doble visión a casi todos sus temas. La gente conecta con esta línea e incluso al termino del tema se llegó a escuchar un “Abajo el dinero”.

Dedicaron el tema “Santo Cristo de Los Milagros”, que habla sobre la inadaptación social, a la familia Carnicer, en especial a Javier Carnicer, miembro del mítico grupo oscense Carnicería Carnicer, aunque por conexiones sería mas fácil vincularles a Escoria Oriental, aunque solo sea por el tipo de formación, batería, bajo, guitarra, teclado y vientos. Una banda, que como ya he dicho más arriba, suena impecable. La canción menos Licor de Pájaro de este disco quizá sea “Inmortal” y no es por la línea musical, que se mantiene en ese funk jazz que invita al baile, en la letra no hablan de la madre tierra ni de los animales, si no de venganza a nivel humano, dicen “no te voy a dar la oportunidad de llorar en mi funeral, soy inmortal”, han abierto una nueva vía.

Interpretaron todo el nuevo disco, con presentaciones de su manager en dos temas que tienen términos médicos “Flehmen” y “Egagrópila”, para finalizar con “Testamento” una reivindicación sobre el tiempo y la necesidad de aprovecharlo.

A partir de ahí tiraron de viejos temas, hiperefectivos para levantar al público, desde temas propios como “Jaula de Oro”, a versiones como “Hojas de menta”, “Lo más vital” e incluso la maravillosa “Jaguar” de Dj Rolando, con la cual, muy acertadamente, terminaron su concierto. Un pequeño bis cuasi informal de un tema en el que hablaron de una chica llamada Isabelita de forma un tanto jocosa y fin de la fiesta. Los pajaritos abrieron sus alas y huyeron del matadero tras un gran concierto, y La Jeny, yo qué sé dónde iría, espero que esté bien.

Hubo sesión doble de electrónica en el Centro Cultural del Matadero el pasado viernes por la noche, de repente, salvando el detalle de las butacas, parecía que estábamos en La Haçienda nutriendonos de beats. Abrieron la noche Enif un combo oscense formado por Afroktek y Poiu. Una breve pero muy emocionante actuación con algunos momentos altamente inspirados. Puro dubsetp más o menos experimental. Sobre dos platos de vinilo, combinado con los efectos y transiciones se fueron repartiendo los papeles a lo largo de su actuación. Se pusieron más interesantes en los pasajes sonoros exentos de bases, cercano a instantes de relax psicodélico. Llevaron todo su set desplazandonos del rojo al azul, de la tranquilidad al beat extremo, dejaron a la audiencia con ganas de más y eso es muy buena señal.

Casi sin descanso apareció en el escenario Lost Twin, nombre artístico de Carlos R. Pinto, sevillano afincado en Brighton. Hizo una actuación soberbia. Enclavado en el estilo post dubstep o post electrónica, mezcla de pasajes lentos con desestructuraciones del patrón rítmico, detalles del rhythm and blues, acelerones, pasajes muy psicodélicos, aunando casi todo el espectro sonoro posible, del azul al rojo en el mismo segundo. Los asientos de la sala no dejaron de temblar en casi ningún segundo. Secuenciaba todo en directo, realizaba los efectos, cambios y las baterías, todo un prodigio, que además lo realizó de manera impecable. Además hay que añadir que durante esta y la anterior sesión hubo de fondo unas magníficas proyecciones que ayudaron a trasladarse en el viaje.

Con influencias de Actress, Flying Lotus y ese tipo de estructuras actuales, quizá hasta puntos Kanye West. Lo mejor era dejarse llevar y disfrutar de la sensación. De repente una melodía de R&B sobre una base drum and bass, unos detalles sonoros más propios del techno, un cóctel de estilos increíble, post electrónica. Todo ello en unas melodías, eso sí, de tono melancólico, un tanto oscuro, lo cual aumentaba ese punto hipnótico que tuvo casi todo su set.

Pasaba de los pasajes más extremos a casi rozar el ambient con una facilidad pasmosa, y a los pocos segundos de esa tranquilidad marcaba otra vez un patrón rítmico y proseguía la fiesta. Arrancó los aplausos del público en varias puntos del concierto, la aparente frialdad de la electrónica llegó a calar en la mente de los presentes. Quizá un pero, puede que su set fuese un pelín extenso, pero es lo que tienen los viajes en el espacio, y si no, no hay más que mirar la paradoja de los gemelos, nunca mejor dicho.

En cualquier caso, una inmejorable forma de comenzar el curso.

La teoría de cuerdas pone de manifiesto que cualquier objeto puntual en realidad está conectado con un todo, con un global, al que está unido mediante vibraciones o alteraciones de la materia. Estas vibraciones bien pueden producirse mediante la música, como la que hubo el pasado domingo por la tarde en el Centro Cultural del Matadero.

MUT Trío es una banda de free jazz improvisado compuesta por Albert Juan a la guitarra, Oriol Roca en la batería y Miguel Fernández como líder y saxofón tenor y soprano. A este trío y con motivo de la gira en la que se encuentran inmersos se les ha unido el virtuosísimo contrabajista Masa Kamaguchi, todo un lujo poder contar con un músico de esta talla, pero para ser justos, los cuatro músicos eran realmente buenos y es lógico, improvisar no es sencillo.

La improvisación no existe, o quizá sí, pero no deja de ser una explosión creativa en el mismo instante, y esta explosión se basa en nuestro subconsciente, en nuestro todo, de nuevo revisando la teoría de cuerdas para buscar una melodía, un fraseo, pasarlo por la deconstrucción del free jazz y lanzarlo al mundo. Para esto hace falta un amplío conocimiento musical de modo que uno pueda estar en distintos estados a la vez.

Aparte que la improvisación no es sencilla, tampoco es fácil hacerse entender con otros tres tipos en una jerga que estás pactando en ese momento. Con ello se alcanzaban grandes cotas de belleza, aunque los cenits en alguna ocasión venían precedidos de frecuencias de búsqueda, inquietantes, delicadas, buscando el hueco por el cual los cuatro podían comunicarse con todo el público.

De esta manera se pudo llegar a escuchar una versión deconstruida en modo free jazz del popular tema “Ay Jalisco no te rajes”, uno de los instantes más bonitos y curiosos de todo el concierto. Además, aprovechando el silencio sepulcral que se forma en casi todos los conciertos que se celebran en el Centro Cultural del Matadero, generaron una pausa que casi pareció una versión del tema 4’33’’ de John Cage, para poco a poco ir adentrando los instrumentos hasta formar una nueva frecuencia efervescente y brillante, un brillo tan intenso que parecía estar roto.

Durante hora y media estuvieron dando un repaso a todos los espectros del jazz, desde la pausa en la que se oían todos los movimientos de los músicos hasta la efervescencia más epiléptica, incluso las dos seguidas, pausa/ritmo/pausa. El jazz es un terreno de exploración y conocimiento.

Para terminar el concierto, Miguel Fernández cogió el micrófono para agradecer a todo el público la asistencia, presentar a la banda e interpretar una última pieza con la cual se despidieron tras un largo aplauso de todos los asistentes. Una despedida a la que se une la programación musical del Centro Cultural del Matadero, pero tranquilo, es sólo hasta septiembre, hasta entonces tocará inventarse algo o escuchar más jazz, el estilo de música más bello después del silencio.

Normalmente, cuando un grupo de música presenta su nuevo disco, realiza una fiesta tras el concierto en un bar cercano al evento o dependiendo del estado de ánimo, tan solo lo presenta con un show más y listo.

Pero si tu grupo se llama The Bärds lo haces todo a la vez, a lo grande. Esta banda oscense acudió al Centro Cultural del Matadero para presentar su primer LP ‘Supersound’, y decidieron rodearse de grupos amigos para hacer algo especial, convertir el evento en una fiesta. El formato fue: canciones de Los Bärds, incidiendo lógicamente en este último disco y versiones de los grupos amigos que fueron pasando por el escenario.

Así pudimos disfrutar de una hiper vitaminada revisión del ‘Summer is coming’ de Lucca, un feliz regreso de Wasteland o una de las nuevas canciones de Domador ‘Nuevas noches’ pasada por el filtro The Bärds.

El concierto empezó con un pequeño discurso que realizó otro de los amigos de la banda, Juanjo Rueda, que ya indicó que ellos no necesitan presentación, y es cierto, son expertos en la noche oscense y uno de los grupos más queridos en la ciudad, a lo que habría que añadir también que actualmente son el grupo que más en forma está y que mayor potencial tiene de llegar a una primera línea musical.

Con una medio entrada en el patio de butacas, los cinco miembros del grupo, liderados (dentro de un caos mágicamente organizado) por los hermanos Naval, salieron al escenario, con calma, probaron un poquito y a la mínima descargaron toda la energía, la primera canción fue ‘Res drang’, el pegadizo tema que abre ‘Supersound’.

Referencias pueden tener muchas, desde Blur, los primeros Artic Monkeys, algo de Strokes, pero cada vez suenan más personales y ya empieza a suceder el hecho de oír una canción y decir “ah, es de los Bärds”. Han mejorado mucho, quizá la entrada de su nuevo guitarrista tenga algo que ver. La cuestión es que a ellos cinco se les quedaba pequeño el escenario con sus botes, paseos y movimientos, pero los invitados no dejaron de pasar por el escenario.

Un recorrido a casi toda la historia del pop oscense del siglo XXI, lo que me recuerda que en la última crítica del Garrampapop, Luis Lles se preguntaba dónde están las nuevas generaciones, los grupos nuevos. Aún así, se agradeció la gran cantidad de grupos y estilos que pasaron, el rock de Amórica con ‘Diane Lane’, el surf de Los Pipelines, o el pop sintético de Pecker, que llevado al mundo Bärds habría que reseñar que tuvo unas frecuencias cercanas a Gabinete Caligari.

Aparte de esto, las intervenciones entre canción y canción de los Bärds son fabulosas, rozando la ironía y el ataque frontal al público, todo con mucho humor. Cuando dijeron que iban a tocar una balada se arrancaron con la canción más punk de todo su repertorio. Ya avisaron al comienzo con un breve “vamos a prenderle fuego” y a mitad de concierto, cuando interpretaron ‘Dreams from Hamburg’ te dabas cuenta de que tenían razón. ‘Migraine’, otro de los cortes de Supersound, tiene unos arreglos geniales de trompeta, entre lo orgánico y el sintetizador.

Y aún quedaban invitados, salió Raúl Viela de Terpsicore para interpretar ‘Asturias’ de Isaac Albéniz, sí, fue de largo el momento más surrealista y bello de todo el concierto. Una paradinha en medio de la energía Bärd. La ronda de amigos finalizó con SCR & The Old School Orchestra y su ‘Dónde están las chicas de los videos’ en la cual pudimos comprobar lo bien que le queda el papel de rapero a Carlos Naval, sorprendente y notable adaptación de este camaleón de escenario.

Cerraron el concierto con ‘Stone generation’ tema que también cierra su disco. Fiesta perfecta, aunque a buen seguro que a ellos decidieron alargarla un poco, son The Bärds, a quién vamos a engañar.

El simple placer de comprobar la realidad mutada tras ese gesto. Observar la realidad, a los otros, tras una acción propia que se pueda establecer fuera de las normas es bastante divertido. Esa diversión, velocidad y las ganas de molestar todo lo posible, son principios básicos de buena parte del punk.

El jueves actuaron Las Kellies en el Centro Cultural del Matadero, y podría decirse que ellas hacen punk, aunque quizá sea una etiqueta que no las defina del todo. Son de Buenos Aires y actualmente se encuentran en una extensa gira de presentación de su último trabajo, “Dubby Exposure”, un conjunto de remixes de sus cuatro discos anteriores.

Llegaron al Centro Cultural del Matadero con una bandeja llena de cerezas que les había sobrado de la cena y podías pensar “mira, que chicas más majas, se llevan cerezas al camerino”. Las cerezas fueron un espejismo, el concierto fue un disparo ininterrumpido desde el minuto uno.

Una tras otra fueron lanzando casi sin pausa sus canciones, algunas de un minuto, otras de dos minutos y medio, y el resultado final fue tener las sensación de haber oído sesenta canciones sin parar. En formato trío con Sofía en el bajo, Silvina, batería y coros, y Cecilia en la guitarra y voz principal. Tres chicas de armas tomar.

Arrancaron de forma inmejorable con “Cous Cous”, una canción que ya marca todos los principios musicales de Las Kellies, riffs machacantes, batería contundente, mucha energía y la reverb hipnótica de la voz. Esa reverb y ciertos toques de cadencia hicieron ver que estas chicas no son tan punks como puede parecer, aunque no ofrecieron concesiones, pero esos detalles las ubican más en el post punk o en la nueva ola.

Las referencias a grupos como The Slits o ESG son bastante claras, grupos también ubicados con la etiqueta punk pero los cuales también entran en la new wave. Para situarlo con alguna referencia española podríamos decir Kaká de Luxe. Punk, sí. Nueva ola, también. Una fiesta sin fin. También habría que añadir que su puesta en escena, austera, unido a la actitud impertérrita que tuvieron las tres en el escenario, fue el cóctel perfecto para aumentar la magia punk de todo el evento.

Siguieron con “Don’t look suspicious” y después con “Melting Ice”, canción conectada con los mundos dub y que fue tomada como un pequeño respiro dentro de la norma No hay descanso, que plantearon el jueves en su actuación. Dejaron la artillería pesada, su repertorio más punk para el final del concierto, donde interpretaron “Typical bitch” una canción más rítmica y menos decorada que las anteriores, para terminar en el que hasta el momento es su gran hit “Perro rompebolas”.

Habíamos llegado al final del concierto casi sin darnos cuenta, una hora de trituradora. El público les aplaudió de forma unánime el concierto y ellas respondieron haciendo una versión de Los Ramones “Beat on the Brat”, así, como guinda o cereza final, para dejarlo en todo lo alto. Olé por Las Kellies.

Las actuales corrientes sociales impiden, o hacen muy difícil, que en España se produzca un macro fenómeno cultural como fue la venida de Chiquito de la Calzada en los años 90. De un día para otro, resultó una explosión, y modificó el lenguaje de todo el país. All llegamos a usar el comorl, pupita y el duodeno.

Ahora todo es más desestructurado, más ofertas, menos conexión, todo más perdido y débil. Y el humor también ha cambiado, se podría decir que la tendencia actual es el humor incómodo, ese al que cuesta llegar, el que te obliga a pensar en cómo has recibido el chiste, lo que se ha venido a conocer como posthumor.

En esta situación Miguel Noguera es el actual Chiquito de la Calzada. Y su actuación del pasado domingo en el Centro Cultural del Matadero fue buena muestra de ello. Gran parte de la gente, al salir de la actuación iba comentando ideas, o proponiendo otras, nuevos planteamientos locos, porque en eso se basa su actuación, en ir soltando ideas desordenadas, sin estructura, forma, ni fondo, una tras otra, hasta que termina la actuación.

Desde una pomada para el picor vaginal, un ladrón paracaidista, o el cambio de idioma en una situación límite. Idea, tras idea, con las que fue demostrando al público, que no paraba de reírse durante la actuación, que tiene una visión torcida de la realidad, distorsionando todo y dándole un nuevo giro, una visión privilegiada. Comenzó el show, o ultrashow, que es como califica a sus actuaciones, con un pequeño número musical con un hilarante diálogo entre un hijo y el espíritu de su padre, una entrada en en seco, como dijo él.

De ahí pasó a una especie de prólogo de la actuación, en la cual hizo un discurso sobre esa famosa exposición hecha con cadáveres humanos los cuales han reconstruido para mostrar al mundo los tendones, vísceras y demás. Una guarrada, pero el tema es que gracias a Miguel Noguera, ese asco se convierte en risa al mostrar a la gente detalles como que todos los cuerpos pertenecen a chinos y todos habían sido delincuentes, la cosa siguió de modo delirante hablando de redención de los cuerpos y de la falta de decisión de estos en su participación en esa gira loca por el mundo.

Llegó a colarse el sonido de una ambulancia que pasó a toda velocidad por la calle, Miguel, en lugar de gritar un “Stop” o algún anglicismo, se sinceró “Vienen a por mí, a por este chalado”. Y continuó con la ristra de ideas, cálices fabricados para llamar a los timbres, oro en el vientre de Cristo, de Cristo vivo eh, ojo, o el concepto de que alguien olvide su propio nombre por un exceso de información.

Visiones perturbadas como encontrar a Mozart y Haydn llorando y dándose apoyo mutuo en una cabaña, la imagen de que los aviones del 11S hubiesen entrado en las torres gemelas en dos tiempos e incluso la posibilidad de que el propio cómico colapsara en medio de la actuación, así es un ultrashow.

He reconocer que en la anterior actuación de Noguera en Huesca, dentro del Festival Periferias, soltó una idea que crujió mi cerebro y aún recuerdo frecuentemente, dijo que cuando pedimos la cuenta en un bar lo pronunciamos a un volumen imperceptible pero lo decimos, creo que la manera de pronunciar y la cadencia de “Apaga y vámonos” y de “José María” va a ser el nuevo hit. Fíjate que siempre se pronuncian mal y está absolutamente aceptado e instaurado.

Una magnífica actuación para el domingo por la tarde, con un pero, y es que salí del show con una sensación cercana al mareo, producto de la risa y la acumulación de ideas. Miguel Noguera, qué bello es usted.

Ahora que ya ha llegado el buen tiempo todos tendemos a hacer unas cenas más ligeras, variadas y sobre todo, extensas. Una lechuga, un par de tomates, queso fresco, un poco de pimiento… El caso es que la tercera edición del Microfest tiene bastantes similitudes con estos principios, el más claro es la variedad de propuestas. Continuando con el recinto de la segunda edición, todos los conciertos se celebraron en el Espacio de Arte Joven, con el ambigú preparado por Esencia Producciones y el mismo buen ambiente de todas las ediciones.

La noche la abrieron Etterem Trío, un proyecto formado por el dj Carlos Hollers, el músico Pedro Mari Martín y el artista multidisciplinar Nicolás Sánchez. Un proyecto que arrancó gracias a un curso organizado por el ArtLab hace ya varios meses. En esta ocasión se han reunido para interpretar los poemas de David Giménez. Tuvieron un arranque de concierto un tanto dudoso porque mientras ellos aún se encontraban realizando la prueba de sonido, la gente fue entrando en la sala y situándose en sus asientos. Ese detalle no les desconcertó y uno tras otro Nicolás Sánchez fue recitando los poemas, todos ellos relacionados con el mundo de las vacas y desde su punto de vista, el de las vacas, claro. Carlos Hollers iba procesando todos los sonidos, las flautas y el contrabajo de Pedro Mari, sus magníficos e inquietantes coros, y revestía todo con bases o efectos sonoros que acompañaban los texts. Fue una propuesta extrema y bella, en todo momento rozaba la pesadilla, lo enfermizo, algo radical y magnífico. Un diez al riesgo.

Pero la ensalada, perdón, el festival, continuaba, era el turno de Miguel Ángel Ortiz, Gonzalo Alonso e Ingrid Magrinyà, que vinieron a presentar Joy (In progress), un proyecto que combina danza, música y poesía. Otra propuesta extrema, sí, esta ensalada no era mediterránea, no. Comenzaron generando un absoluto silencio entre todos los asistentes y tras él cada miembro acudió a su puesto, Gonzalo Alonso al set musical, realizando bucles, teclados, percusiones, detalles sonoros muy agradables, Miguel Ángel Ortiz a los texts, recitando sin parar un largo discurso en el que hacía alabanza de la repetición, «el cansancio enseña» llegó a decir, dando especial relevancia a las citas cultas, e Ingrid Magrinyà realizando un número de danza en el que fue recorriendo de manera cada vez más desesperada el escenario conforme se iba despojando poco a poco de su ropa. Mucha densidad en las palabras que provocaron un mayor punto de atención en el baile. “Amo la repetición”.

Para continuar el menú llegó la actuación de Víctor Coyote. En un plano muy distinto al habitual, alejado de sus canciones e interpretando distintos papeles de actor. Chocante y brillante. Su función consistía en hacer un homenaje a Virxilio Vietez, el fotógrafo de Soutelo, un personaje real de los años 50, que recorrió el país con su cámara al hombro. Con mucho humor y combinado con su actuación, Víctor iba explicando una tras otra las composiciones de las distintas fotos, reivindicando la figura de su autor para al final revelar la foto completa. Intercaló alguna pieza musical que seguía en el mismo tono de humor. Tuvo grandes instantes, como cuando hizo una pieza dialogando consigo mismo interpretando dos personajes distintos. Una gran versatilidad y manejo de todos los elementos del escenario.

Cerró su actuación regresando al Victor Coyote más conocido interpretando cuatro canciones de su repertorio con la guitarra acústica entre las que incluyó “Joven de cuello vuelto” y “Verbenita”, una preciosa canción que dejó a todo el público con ganas que la fiesta no parase y siguiese interpretando canciones, pero no fue así.

Y regresando al titular de la crónica, la ensalada ya estaba servida e ingerida, pero toda buena cena ha de terminarse con un espirituoso para terminar de colocar el estómago. Así que el broche final al Microfest corrió a cargo de Gustavo Giménez, un músico experimental que hizo un set basado en su voz, usando distintos efectos y loops. Todo muy oscuro y épico, una especie de Camarón del Averno. Mucha insistencia en los patrones góticos y advirtiendo a todo el público de la negatividad del mundo. Gritos con mucha reverberación y después regreso a su posición de flor de loto. Sin lugar a dudas la actuación más arriesgada e impactante de la noche. Y así llegamos al final de esta tercera edición de Microfest, un festival necesario para esta ciudad, ¡larga vida a él!

La gorra es una prenda de vestir que se usa para proteger la cabeza y por tanto el filtro para poder interpretar de manera correcta el mundo que nos rodea. Su uso aporta cierto estatus social, remarca la personalidad de su portador y en ocasiones también puede generar ciertos debates sociales tales como “¿será calvo?”, “¿tendrá el pelo sucio?”, “¿dónde habrá comprado esa gorra?”.

Sí, Magic Arm, el artista que actuó el pasado martes en el C.C. Matadero lleva gorra y bajo ese filtro ofreció un gran concierto de pop delicado a todos los espectadores que, a pesar del ajetreo cultural de esta semana, no fallaron a la cita.

Bajo el nombre de Magic Arm se encuentra el proyecto personal de Marc Rigelsford, el cual se encarga de la guitarra acústica, arreglos electrónicos, bases y loops, todo un hombre orquesta. Y para terminar de redondear el sonido, le acompañaba otro músico que se encargaba de las percusiones, usaba de bombo una maleta, además de usar pequeños aparatos de ritmo, clarinete y unos coros que encajaban a la perfección con la voz de Marc Rigelsford.

El pop delicado que forma Magic Arm se basa en unos principios muy claros, líneas de guitarra en bucle sobre las que aporta distinta instrumentación para dar distintos matices a las canciones: desde un arco de violín con el que cambiaba la textura sonora de su guitarra o los distintos aparatos electrónicos que llevaba.

Y todo, absolutamente todo, derivado al pedal de bucles, incluida su propia voz.

En principio se podría pensar que este detalle ayudaría a que el concierto derivase en un atasco de ruido pero no fue así, Marc Rigelsford controla ese aparato a las mil maravillas, con lo cual el resultado fue similar a escuchar una pequeña orquesta pop.

Así, iba derivando del pop más refinado a melodías cercanas al pop californiano, algún punto electrónico fantástico y un poco de experimentación, poca pero hubo, cuando derivaba los bucles al proceso electrónico y le acompañaba la batería, y además fue uno de los mejores instantes del concierto.

A nivel de trato con el público estuvo parco en palabras, agradeció el recibimiento y presentó una de las canciones “A walk” diciendo que estaba creada para mostrar el simple placer de pasear. Un hombre tranquilo, tal y como su música.

Cuando quisimos darnos cuenta y en el momento en el que había una mayor conexión músicos/público, el concierto había llegado a su fin. Apenas una hora de concierto que alargaron un poco al realizar un pequeño bis a petición del público y que siguió en el tono del resto del concierto, ninguna sorpresa, muchos grupos aprovechan los bises para mostrar otro plano, alguna frecuencia, pero no fue el caso.

Una actuación breve que dejó con ganas de ver hasta dónde podrían haber llegado con esa instrumentación en un minutaje mayor. De todas maneras una pieza musical perfecta para el martes noche. Un grupo a revisitar. Para quitarse el sombrero.

Sí, ya lo sé, la obra clásica de Shakespeare no se titula así, pero es algo similar, donde pone amor cámbialo por ruido, elévalo al plural y ahí lo tienes, pero es que además, esto que estás leyendo ahora mismo es la crónica musical de un concierto, así que llámalo truco para captar la atención, o llámalo x, pero ahora te lo voy a explicar.

El caso es que amor hubo a raudales durante todo el concierto, en el Centro Cultural del Matadero actuaba Dr. Kowalksy, una banda oscense que venía a presentar su primer trabajo, un EP de cinco canciones grabadas por el mismísimo Gonzalo Lasheras. Arrancaron con con un tema tranquilo, perfecto para ir cogiendo la temperatura del público y el recinto y ya se metieron en espacios un pelín más bailables.

Lo primero que destaca de esta formación es la potencia de voz de su cantante Rosa Jiménez, que lleva al límite los fraseos sonoros en todas las canciones, quizá reminiscencias joteras, tal vez algún gesto de homenaje a Carmen París, pero sí por homenajes es, y más a grupos aragoneses, el referente claro de Dr. Kowalksy es Amaral. Primero por el sonido, ese folk rock americano de medio tiempo pero con puntos bastante rockeros, pero es que, además, el núcleo de la formación también lo componen dos personas, la cantante que ya he nombrado, Rosa Jiménez y el guitarrista Antonio Sanjuan.

Alrededor de ellos, y cubriendo las melodías pop que iban soltando, se arroparon de una banda muy solvente y versátil compuesta por Javier Abad al bajo, Francisco Allueva a la batería y Juan Blas Arellano a la guitarra. Muy buena elección de músicos.

Siguieron el concierto con una de las canciones del Ep de cinco canciones que venían a presentar, se trataba de “Cicatrices” un tema pop de medio tiempo dedicado a un amigo un tanto solitario. Y después de esta canción vino la primera de las nueces, entiende nuez como un detalles extra, algo que no te esperas en esa frecuencia y te sorprende, te sorprende para bien, claro.

Interpretaron varias versiones de distintos grupos (Sr Chinarro, Ángel Estanich, Guns & Roses) y fue esa variabilidad, pasar del pop más indie al heavy lo que les dio un toque extra, un detalle de personalidad. Además, esas versiones no las hicieron sin más, sin ir más lejos el tema de Guns & Roses, que fue ni más ni menos que Sweet Child of Mine, la encaminaron a mundos country, territorio en el que se encuentran bastante cómodos, otro de los temas que interpretaron, este ya suyo por completo “Hipnosis de dulzura” también estaba en esa línea.

También se atrevieron con un tema en inglés, lo que ayudó a ver las posibilidades de registro de voz de Rosa, ya que al cantar en inglés su modulación pasaba del luzcasalismo a tonos más Dolores O’Riordan, la cantante de The Cranberries. Elevaron el punto musical un poco tirando de distorsión y así interpretaron el último tramo del concierto donde se encontraban “Carmen”, “Hijos del dolor” y “Tejados de París”. En esos tres temas pasaron de la épica y el rock más guitarrero al folk rock más pausado, unos cambios de registro que también son a destacar ya que no chirrían ni quedan en otro plano, es su show, les sale solo.

Habría que destacar entre el set de canciones que interpretaron el pasado viernes, “Tejados de Paris”, tal vez su mejor tema, tanto musical como líricamente, que perfectamente podría estar arrasando en las radiofórmulas de todo el país. Retirada al camerino y claro, el público, que llegó a cubrir una media entrada del C.C. Matadero, pidió que saliesen de nuevo para interpretar una última canción. Y eso fue lo que hicieron, de nuevo una versión, la sobresaliente “I just don’t know what to do with myself” fue la guinda del plato.

Por encima de todo el amor, pero esas distintas capas y detalles fueron la conquista final. A seguir así.

El pasado domingo se celebró Multikulti, una de las mejores fiestas interculturales de toda la provincia y la que tiene un ambiente más heterogéneo y agradable. Se realizó como viene siendo costumbre en la zona del teatro griego del Parque Miguel Servet de Huesca. En ese espacio se pudo disfrutar de un espectáculo de malabares, juegos infantiles, muestra de distintos productos étnicos y un maravilloso ambiente.

Como guinda final a esta fiesta estaba programado el concierto de Alma Afrobeat Ensemble, una banda de Barcelona que ya avisa de lo que hace en el propio nombre del grupo, sí, esta vez es fácil, su estilo es el afrobeat. El afrobeat nació en los años 70 en Nigeria de la mano de Fela Kuti y sus principios mínimos son ritmos sostenidos, bailables, perfectos para entrar en trance, apoyados de distintos elementos de corte funk para entrar y sacar del cuelgue rítmico. Lo que viene siendo un viajazo.

También habría que destacar y agradecer que haya un concierto de este tipo en Huesca, no es tan común disfrutar de este estilo en la ciudad. Con una banda formada por percusiones, batería, guitarra, bajo y sección de vientos entre los que se encontraba, de manera inusual, un fagot, Alma Afrobeat Ensemble salieron al escenario dispuestos a hacer bailar a todo el público. Y lo consiguieron.

Su cantante, Aaron Feder, es el auténtico líder del grupo y alrededor de él se genera todo el caos rítmico, toda la juerga. Aaron a través del baile o sus fraseos coordina todo el show a su antojo y en algún momento se vio tan a gusto que incluso rapeó por encima del ritmo infinito que le indujo el resto de la banda. Banda compuesta, salvo el propio cantante, por músicos blancos, era fácil visualizar a Ginger Baker, ex batería de Cream, como un pequeño nexo de unión, ya que él también tuvo una revelación en los 70 con el afrobeat y acudió a Nigeria en busca de Fela Kuti y su palabra.

El caso es que se notó que es un estilo de música creada por negros, sobre todo en las cadencias, aunque en varios de los extensos temas lo clavaron, quizá tuvo algo que ver el dedo entablillado del guitarrista, pero eso es teorizar en el aire. Como el frío cada vez estaba siendo más presente Aaron Feder decidió darle más protagonismo a sus bailes y fue animando al público a incorporarse a los mismos. Casi llegó a alcanzar el grado “baile de San Vito”.

Con un teclado diabólico en los cambios de estrofa y los pequeños desajustes de sonido del comienzo solucionados encaminaron el concierto en un continuo aumento y constancia de ritmo. El dedo entablillado volvió a llevar la guitarra a mundos étnicos, a Nigeria y ello derivó en un impás de ritmo con casi todos los integrantes tocando elementos de ritmo, para continuar presentando a la banda y lanzarse al tema de nuevo, genial. Eso ya no se podía parar, el público cada vez estaba más descontrolado y hubo hasta cuatro espontáneos distintos en el escenario para bailar con el grupo.

Al finalizar el concierto, Aaron, el cantante de la banda hizo una apología del trance y el afrobeat, un estilo necesario para disfrutar de la vida, tras este pequeño discurso se arrancaron con el bis, en el que sí, hubo otro espontáneo, otro alma libre. Gran concierto. Y como remate final la banda oscense de percusión montó un set en la zona del público, donde montaron un guateque de antología, les hicieron corrillo, el percusionista de Alma Afrobeat Ensemble se unió a su música y el cantante se puso a bailar con el público. Una perfecta tarde de domingo. ¡Afrobeat!.

Los sulfitos son un elemento añadido a gran parte de los vinos actuales. Unos los definen como un conservante y otros los acusan de generar los famosos dolores de cabeza, el caso es que no está clara su función, al menos socialmente, pero forman parte del vino, y a este punto quería llegar, digamos que en esta crónica un servidor se ve a sí mismo como un elemento más del vino, del festival en este caso, ya que estuve integrado en él desde las primeras horas del día, así que si la crónica no es todo lo objetiva que debería, disculpa, pero yo lo voy a intentar.

Arrancaba la segunda edición de Romería y Desengaño casi de la misma forma que el año pasado: El solar de la calle desengaño, el mercado de productos ecológicos, el ambigú gestionado a las mil maravillas por las chicas de Esencia… y el sol, salió una mañana radiante, sin una nube, que hizo temer la corrupción de alguna de las tortillas del concurso que se hizo más tarde, sí, como previa a los conciertos este año hubo un concurso de tortillas de patata, generó bastante expectación, gran número de participantes, calidad y el público ojo avizor.

Después de la entrega de premios llegó la parte musical del festival, empezaba el concierto de Victor Herrero, un cantautor toledano de folk. Sus guitarrazos empezaron a meterse en las frecuencias de los rayos solares, comenzó a sentirse a gusto y como el ambiente del solar era una auténtica fiesta, Victor hizo algo muy inteligente, en lugar de seguir con su repertorio de canciones, agarró su guitarra portuguesa y se puso a improvisar los últimos veinte minutos, chapeau, así consiguió focalizar la atención del público, que aplaudió a rabiar su concierto, su genial improvisación, golpeteos a la guitarra, a la tarima, ritmos infernales, pausas, estaba loco, como poseído, muy pero que muy bien.

Tras él actuaban Vegetal Jam, formación de Zaragoza que realiza canciones propias pero basadas en ritmos tradicionales. Con una gran influencia de Yann Tiersen, al que utilizaron como broma al comienzo del concierto al decir que en origen eran un trío pero que riñeron y Yann se fue a lo suyo. Su acordeón y violonchelo dieron un repaso de rondos, gigas, incluso algún vals que provocó un baile masivo en el solar. Otro de los temas que tuvo más apoyo popular fue “La casa de la calabaza” y se retiraron con “Chindeleta”. Un punto perfecto para terminar los conciertos de la mañana, ahora tocaba la Romería, bajar por el casco antiguo y llegar al Centro Cultural del Matadero para continuar con la fiesta.

Tras una comida con infinidad de teorías de cuerdas sobre los desodorantes, los sulfitos, el porno, alguna jota y conatos de avisos a seguridad, tras este ciclón nos esperaba la puesta de largo de El Cuerpo de Ingenieros, formación creada de propio para ofrecer un homenaje a Pete Seeger, gran pope del folk activista en EEUU, muerto hace pocos meses a los 94 años. Una numerosa banda, saxos, guitarras, banjo, bajo, percusiones… cada miembro proveniente de distintos proyectos (Tuco Requena, Lorena Alvarez, Kiev Cuando Nieva, I.P.D., Tarántula, Mancuso…) pero que sonaron de forma muy compacta y que llegaron a emocionar a todo el público del Matadero, que aún estando el dichoso fútbol de por medio acudió de manera masiva al evento. Conducido y presentado de forma exquisita por Javier Aquilué fueron interpretando uno tras otro los éxitos de Pete Seeger, “If i had a hammer”, “Which side are you on?”… en este tema llegaron a estar ¡cuatro guitarristas en el escenario!. Los puntos más emocionantes del concierto fueron “Guantanamera” y “Si me quieres escribir” en las que las voces de Lorena Álvarez y Sonia Pérez le dieron el toque extra a la formación. Aunque la banda se montó de propio deberían valorar la idea de hacer más conciertos con este formato.

Tras este magma de emociones y entrañabilidad, llegó María Rodés para dar el broche final a la segunda edición de Romería y Desengaño. Su concierto estuvo marcado de una manera clara por la afonía que sufrió un par de horas antes del concierto, debido a la cual tuvo que acudir a urgencias para que la administran cortisona. Así que no pudimos contemplar a María Rodés en su plenitud, pero pudimos ver a la artista que no se descompone en el escenario y aguanta cumpliendo su cometido, y eso es digno de mencionar, además que aún afónica dio un gran concierto, eso sí, fue el concierto menos folk de todo el festival, más indie. Arrancó con “Flor del mal” perteneciente a su nuevo disco de coplas. Su gran instante fue al cantar “Ay pena, penita, pena”, ya que su afonía le dio una interpretación genial a la canción. Y llevó su voz al límite para terminar su concierto con “Tres puñales”. Esperamos y deseamos que vuelva pronto a la ciudad con su voz restablecida.

Y tras esto, amigo mío, espero que ni te duela la cabeza ni me consideres conservador. Ojalá haya una tercera edición.

En numerosas ocasiones nos quejamos de la rutina, de sus protocolos y formas, e intentamos ir hacia lugares más disparatados e inesperados, ya sea en puentes, fines de semana o cualquier instante tonto. Pero ay, cuando esa fiesta de guardar es la del patrón de la ciudad o de la comunidad, nos entra esa morriña de la tierra, algo nos posee y nos entregamos en cuerpo y alma a las rutinas de sus fiestas, ya sea en forma de baile, canto o combinación de ambos.

Es lo que sucedió el pasado martes en el Centro Cultural del Matadero. Dentro del programa de actos de la festividad de San Jorge, uno de los platos fuertes era la actuación de Roberto Ciria y Sofía Bueno. Él, de sobra conocido tanto en el ámbito de la jota como fuera de él, lo más cercano a un mito del estilo, un superhéroe de la jota. Sofía Bueno, le sigue a la par, muy de cerca, son dos superclase que en más de una ocasión consiguieron poner los pelos de punta a buena parte del público.

Los “bravo”, “fenómeno”, y “qué bueno eres” fueron una constante a lo largo de todo el concierto, el cual registró una media entrada en el patio de butacas.

El espectáculo que presentaron el martes fue un estreno y algo inaudito hasta la fecha que habría que recalcar y elogiar, todas las canciones del concierto fueron cantadas en aragonés, adaptando los temas en castellano a esa lengua o tirando de hiper clásicos como “S’ha feito de nuei”, canción que interpretaron sin presentar ya que todo el mundo conoce y que por supuesto fue de sobra aplaudida. El resto del concierto sí, de una manera pedagógica pero bastante afable, tanto Roberto como Sofía se fueron turnando las presentaciones de las canciones, el origen de las melodías y la tierra en la que fueron compuestas.

Una puesta en escena un tanto fría al principio, quizá, pero fue un mero espejismo que ayudaron a eliminar los bailarines Sandra Galino y Alex Alonso, dos portentosos bailarines que salieron al escenario para bailar la jota de Tardienta. Con el ambiente más festivo y proclive a la jota continuaron, la cosa iba de homenajes, tanto a Pepe Lera, autor de la ya mencionada “S’ha feito de nuei” como Carlos Vidal o Pepe Rodrigo, todos ellos autores de buena parte de las canciones que interpretaron.

Pero los grandes valores del show son las dos voces solistas, tanto la de Roberto Ciria como la de Sofía Bueno. La de Roberto se podría calificar como una voz con una pitera máxima, definiendo en este caso pitera como la capacidad de volumen en consonancia con la transmisión de emociones a través de su voz, un vibrato de diafragma comedido, y una versatilidad para pasar de los graves a los agudos en un solo segundo inaudita, lo dicho, pitera máxima.

En la “Albada de Bielsa” pudimos comprobar que la voz de Sofía está a los mismos niveles que los de su compañero de escenario, con menos vibración de diafragma, lo cual quizá podía ponerla en algún mínimo momento en un mundos cercanos a Disney pero que transmitía una fuerza brutal, jota en estado puro. Para ejemplo de su fuerza, suyo fue el mejor momento de la tarde cuando interpretó “Soniando”, una preciosa canción cercana a los fados portugueses y que dejó a todo el público ensimismado, también habría que destacar que en esta canción el propio Roberto Ciria la acompañó a la guitarra.

También estrenaron un tema instrumental “Fandanguillo de Mondón” compuesto por uno de los tres músicos que dieron color y forma al evento de manera perfecta y a los que no se puede objetar nada, en todo caso alabar. Después una zarzuela, más bailes, intensidades, aplausos y alabanzas, un triunfo por todo lo alto. Final con “La Dolores” a la cual se volvieron a incorporar los bailarines para cerrar con un broche de oro la actuación. Viva la rutina.

Las adicciones, las situaciones extremas, pueden llegar a dejar posos en las personas y en el futuro manifestarse en forma de trauma o vete tú a saber, y ese aspecto, la música, puede ayudar a desatascar algunas situaciones. Así te evitas ir a Rumberos Anónimos, Proyecto Rumba o al psicólogo de la SGAE. Esta fue una de las sensaciones que reflejó la puesta de largo de “Imperfecto”, el nuevo disco de Tuco Requena, el oscense rumbero, pero ahora un poco más introspectivo, intentando analizar todo lo que le ha pasado.

El patio de butacas del C.C. Matadero presentaba una más que aceptable media entrada sobre las diez y media de la noche, hora en la que salió Tuco Requena al escenario acompañado de sus tres músicos de apoyo, guitarra acústica, otra eléctrica y bajo. Músicos que no fallaron, realizando su labor al cien por cien, e hicieron disfrutar al público con innumerables fraseos rumberos, perfectos para bailar, aunque este disco, el disco maduro como el propio Tuco dijo, le haya salido un poco menos bailable que los anteriores.

Es lo que tiene la introspección. Arrancaron con el tema que da título al disco, que refleja una aceptación de uno mismo con luces y sombras, una especie de acuerdo legal con uno mismo. Después interpretaron “Bendita monotonía”, la cual, sin oírla, ya ves que refleja el sino del que hablaba más arriba, el análisis del ex yonki y la sonrisa del feliciano. Uno de los detalles más curiosos de esta canción fue que la línea de guitarra eléctrica podía llegar a recordar a la B.S.O. de “Paris, Texas”, pero fue un destello, el resto del concierto de remitir a alguna figura ya existente lo hizo a Gato Pérez o Kiko Veneno.

Tuco Requena no salió en ningún momento de su set de percusión, compuesto por cajón flamenco, platillo y un cascabel atado a su pierna a modo de tobillera, desde ese set como una especie de sacerdote de la rumba fue presentando una a una las canciones del nuevo disco, con los nervios y la emoción del estreno alguna introducción le quedó un pelín extensa, pero es que él quería recalcar y loar su actual modo de vida, aspecto que consiguió.

Casi cualquier cuento se basa en la estructura: introducción, nudo y desenlace. Y si se trata de una fantasía de hadas y princesas necesitamos, por lo menos, una protagonista y un reverso tenebroso.

En este caso la protagonista fue Emily Jane White, que vino al C.C. Matadero a presentar su último disco “Blood/Lines” tras cuatro años de silencio, y el ente tenebroso son las melodías en ocasiones góticas que presenta. Goticas, tenebrosas, melodías que juegan con lo infantil, esas frecuencias.

El concierto empezó con Emily en el centro del escenario, subida a una plataforma de un metro de altura y con una túnica roja. Todo muy épico. A sus lados, los dos músicos que la acompañaban, batería y una teclista/corista con aires dickensianos. De fondo iban proyectando unas imágenes en las que podíamos observar a la propia Emily Jane White posando para un cuadro, el cual vimos como se iba realizando durante el transcurso del concierto, quizá entroncado con el título y el concepto de su último disco.

Tras un comienzo espacial, con la voz embutida en reverb y apenas cambios de compás, se introdujeron en una fase más rítmica aunque la reverb siguió en los desarrollos espaciales. Y ese detalle la acercaba a tonos épicos electrónicos como los de Julia Holter, aunque con el detalle de la túnica, y aunque parezca en principio bastante ajeno a su mundo indie gótico, también hubo pequeñas partículas de Enya.

Cuando toda la introducción de la fantasía había sido presentada llegamos al nudo, en el que perdieron un poco los sonidos electrónicos y se acercaron a las melodías folk, no en vano, los dos primeros discos de Emily Jane White son próximos a ese mundo. Era el turno de la guitarra acústica y en lugar de los sintetizadores, toques de piano, efectos los justos. Aunque en las siguientes canciones fue combinando los temas electrónicos con los folk pero todo en el mismo plano, aunque sean dos estilos casi opuestos no dio la sensación de ver a dos artistas distintos, no, era Emily Jane White defendiendo su proyecto y defendiéndolo con altura.

A pesar de ser día de fútbol, ese deporte que paraliza el país, el Centro Cultural del Matadero presentó una aceptable entrada, lo cual es de agradecer, y fue este mismo público el que con sus aplausos obligó a la banda a volver a salir al escenario para interpretar un bis.

Los responsables de ello fueron el veterano grupo de folk gallego Luar Na Lubre, en la que fue su primera actuación en la ciudad tras casi treinta años de formación. Hasta ocho músicos llegaron a estar encima del escenario, las formaciones folk, en este caso más celta que folk, tienden a ser bastante numerosas para recoger todos los matices de la tierra a la que se refieren, en este caso Galicia.

Tienen un maestro de ceremonias perfecto y muy versátil, daba la sensación de que lo podías poner a dar clase en un instituto, a presentar la atracción de feria de los camellos o a interpretar el concierto tal y como hizo de manera formidable, todo ello sin perder el glamour y la gran empatía que desprendía, aparte de tocar la gaita y el acordeón de manera perfecta. Estuvieron haciendo bromas a lo largo de todo el concierto usando la duración del mismo como tema troncal, “tranquilos que esto seis horas no dura, pero cinco y media…”, con mucha gracia y protocolo iban presentando las canciones y ojo, que cinco horas no duró el concierto pero si llegan a forzar un poco más y debido a que el sábado se produjo el cambio de hora… pues habrían estado cerca.

Fue un extenso concierto, casi dos horas y media en el que hubo detalles de todo tipo, desde la zanfona, el violín, la gaita, batería, arpa de boca. Un potosí de sensaciones. Arrancaron con Gran Sol tema de su disco “Mar Maior” y con el cual introdujeron uno de los mensajes de la noche, la leyenda de que un gallego descubrió Irlanda, sí, sí, invitaron al público a que lo investigara, tan solo hay que googlear “milesians” y dejarse llevar.

Siguieron con uno de los poemas que García Lorca escribió en gallego “Chove en Santiago”, Lorca es un autor muy afín a este tipo de formaciones folk, es un figura bastante usada en distintos proyectos y canciones. Luego unas cantigas de Alfonso X El Sabio que fueron uniendo a otras construcciones instrumentales con innumerables referencias a la música celta, de nuevo la conexión Irlanda/Galicia.

Los momentos más emocionantes fueron cuando interpretaron el clásico “O son do ar”, mítica canción que les catapultó a la fama cuando Mike Oldfield hizo una versión en 1996, y el otro instante mágico se produjo mientras tocaban otro hit “Tu gitana”. También a destacar la canción “A pasar pola Coruña”, en la que todo el patio de butacas colaboró realizando los coros.

Dentro del ajetreo que hubo el pasado fin de semana en la ciudad, el domingo por la tarde hubo un remanso de paz perfecto para echar la vista atrás, reflexionar y valorar todo lo que había pasado. Si alguien se ha llegado a preguntar por el estado del indie a lo largo del fin de semana, quizá habría que decir que no está muerto, que simplemente se encontraba de parranda. Al menos esa fue una de las primeras conclusiones tras finalizar los conciertos. Y es que hubo mucho nivel el pasado domingo por la tarde.

Músicas que podrías escuchar a las tantas de la madrugada en algún desvelo tonto y que te hacen recomponerte e incluso dormir, y dormir bien. Al magma que crearon con esos sonidos, como ya he dicho, se unió la guinda del violín, provocando detalles en las canciones que ayudaban a transportarte a cien mil lugares distintos. Una belleza de concierto. Y aún quedaba el plato fuerte de la velada, Thalia Zedek Band.

En el cambio de escenario se coló el groupie número uno del indie, mi buen amigo Oriol, que estaba más estresado de lo normal y llevaba una bufanda del F. C. Barcelona, claro, no lo recordaba pero a esa hora se disputaba el gran partido de fútbol que seguramente colapsó el país. Aún así hay que destacar la cantidad de público asistente, así que por el fútbol no es. Oriol quería irse, necesitaba ver el arranque del partido, al final le conseguimos hacer entrar en razón diciéndole que el espectáculo iba a merecer la pena y él nos contestó en un estado más cercano al delirio que al stress “el inieste tú, el inieste, quiero ver al inieste”.

Pero no, era el turno de Thalia Zedek Band, grupo liderado, como bien indica su nombre, por Thalia Zedek, a la que acompañan una increíble banda de músicos, desde el pianista, batería, bajo y violín. Una voz cercana a Pattie Smith pero un pelín más apagada, sin tanta floritura pero igual de efectiva y con el mismo efecto de carisma. Además se encargaba de la guitarra, que la tocaba con una técnica cortante que no hacía otra cosa más que aumentar el clímax. Venía a presentar su último disco en solitario “Via”, un surtido de canciones llenas de rabia, pop, al que cualquiera debería darle una oportunidad.

Canciones pop con toques rockeros, todos los detalles musicales interpretados con delicadeza y contundencia. Además, aparte de la genial música, otro detalle a agradecer fue la actitud de todos los músicos, estrellas de andar por casa, sin ningún alarde, demostrando tablas y profesionalidad, generando simpatía.

Hubo un pequeño bis con piano y la guitarra de Thalia, algo delicado después de las progresiones que llegaron a alcanzar, pasamos del rock al pop más cuidado, perfecto para ir aterrizando y volver a la realidad, a la bufanda y al hincha del fútbol. Ronda de aplausos y todos para casa, aunque cuando encendieron las luces del salón de actos Oriol ya no estaba en la sala, la presión futbolera había podido con él, una pena, se perdió una grandísima actuación. Y es que las cosas cuando están bien hechas, bien hechas están.

Han pasado veinte años desde el inicio del indie como estilo, movimiento cultural o llámalo x. Veinte. En un espacio de tiempo tan grande es normal que se creen normas alrededor de un estilo, así como pautas de vestimenta o comportamiento. Pero el sábado asistí, no al entierro, que es lo primero que se me podría venir a la cabeza, sino a la modificación del estilo. El sábado visualicé el golpe de estado al indie.

Ahora cualquier estilo es un todo, lo importante es molar, dar gritos e ignorar la edad actual de uno mismo. León Benavente, la banda de moda en el panorama nacional, vinieron al 21 dispuestos a ofrecer su mejor surtido de canciones. Y lo hizo. Triunfaron sin ninguna duda. Un directo arrollador, consiguieron arrancar uno de los mejores sonidos de la sala, la cual, todo hay que decirlo, cada vez va ganando más empaque, ya no solo en el tema de programación, que eso es bastante obvio, sino en el tema de sonido de los conciertos.

León Benavente es un supergrupo, calificativo que se usa cuando varios de los miembros de una banda están a su vez en otro conjunto conocido a nivel nacional. Pachenko, Abraham Boba, banda de apoyo a Nacho Vegas… Esas, entre mil más, imagino, son sus credenciales. Así que en cuanto a profesionalidad, sonido y contundencia fuimos sobrados, pero ¿por qué el bajista creyó que su instrumento era una metralleta y apuntó al público?

A la quinta canción daba la sensación de ver a unos pandilleros del indie, cuatro chavales un pelín macarras mentando el punk entre canción y canción para tener una pequeña justificación. Un baile, otro, espera que ahora me subo a la barra a bailar, espera que ahora miramos al público con nuestra cara más perturbadora, espera, espera, espera. La sala estaba llena hasta la bandera y el público completamente entregado, lógico. Incluso hubo interactuaciones con el público, Abraham Boba, que es uno de los miembros de la banda, recorrió en bar en busca de calor humano y colaboración, y lo consiguió.

La puesta en marcha de la nueva línea transcantábrica folk ha sido todo un éxito tal y como pudimos comprobar en su parada del pasado jueves en el Centro Cultural del Matadero. Pero bueno, antes de nada habrá que decir, para no engañar a nadie o llevar a equívocos, que La Transcantábrica Folk no se trata de una línea de transporte real, sino que más bien se trata de una ruta mental, basada en el nuevo trabajo del destacado músico Kepa Junkera que acaba de realizar un disco titulado “Galiza”, dedicado como bien se intuye, a Galicia.

Y él al ser vasco y venir a presentarlo al Matadero, pues genera una ruta sencilla: Galicia, País Vasco, Huesca. Con un patio de butacas casi lleno se presentó acompañado por los músicos Iñigo Olazábal, Argíbel Euba, a las percusiones, y Carolina Vázquez y Cristina Pico en las voces y panderetas. Comenzó con una larga introducción a la trikitixa, un instrumento similar a un acordeón pero más pequeño y del cual Kepa Junkera es un virtuoso, el Jimi Hendrix de la trikitixa, pocas personas pueden tocar ese instrumento como él, con esa técnica y sensibilidad. A esa línea musical se fueron incorporando poco a poco los panderos, las panderetas, un pequeño triángulo, incluso una alboka, que es un cuerno convertido en instrumento de viento, y aparecieron las voces de Carolina y Cristina para terminar de perfilar el color del concierto. Folk con tradición del norte.

Hubo varios momentos místicos en el concierto, el primero, la txalaparta, ese instrumento de percusión que se tiene que tocar entre dos personas golpeando con dos palos varios listones de madera, algo primitivo e hipnótico, hubo un solo de txalaparta que cautivó a todo el personal y fue ampliamente ovacionado. Las canciones de Kepa Junkera, en esa línea de folk tradicional, son perfectas para dejarse llevar por el baile y la fiesta, por ello es bastante lógico que mezcle distintas culturas en sus proyectos, la fiesta une y ayuda a conocer. El segundo evento místico de la noche sucedió cuando Kepa y uno de sus percusionistas se lanzaron a tocar unos tubos que impactaban contra el suelo del escenario y que provocaron el movimiento de uno de los micrófonos que captaba el sonido, aspecto solucionado por uno de los espectadores que rápidamente salió a socorrer y frenar el movimiento de ese micrófono. A partir de ahí una amistad entre Kepa y los espectadores de primera fila estaba por nacer. Aprovechó ese momento para interactuar más con la gente y se le notó distendido y muy gracioso, tuvo hasta algún guiño a Iker Jiménez por el tema del movimiento del micrófono, y justo cuando lo estaba diciendo apareció un saltamontes por el escenario que fue atacando uno a uno a todos los músicos, sí, sí, eso fue así, así que Iker, atento, es posible que dentro de poco tengas que venir a Huesca.

Fue un concierto repleto de sonidos y sensaciones del norte, desde canciones típicas del País Vasco, pasando por muñeiras, una de las piezas de este último disco se conoce como la muñeira vasca, que fue interpretada con baile incluido. Aunque no se olvidó de sus temas más clásicos como “Bok-Espol”, el cual incluyó dentro de un mix final que parecía no tener fin, pero eso era lo de menos, la fiesta no podía ni merecía parar. En el obligadísimo bis, Kepa Junkera sorprendió a todo el personal al salir con los integrantes del grupo oscense Olga y los Ministriles para interpretar con ellos una jota y en una despedida conjunta, la banda de Kepa y Los Ministriles, tocaron “La repuñetera”, un tema tradicional de La Almolda. Con eso el finalizaba el viaje, de Galicia a Huesca en apenas dos horas, ruta mágica y recomendable.

Se podría decir que algo extraordinario sucedió el pasado sábado por la noche en Huesca, pero viene siendo algo común y lo que en principio podría calificarse como anecdótico va calando en el aspecto de costumbre y da bastante miedo. La sociedad pasa olímpicamente de la cultura, y sí querido lector, estás incluido dentro de la sociedad, aún no vivimos en cavernas, así que no hagas como que a ti ese hecho no te consta. Ya vale. Se pueden generar argumentos de todo tipo, desde “es que claro, el sábado la gente salió pero fueron a la feria de stocks, no se puede ir a todo”, hasta que los artistas no son de suficiente categoría, aspecto ya de por sí refutable, pero que para nada coincidió con el pasado sábado, Ginferno, banda musical madrileña, roza el virtuosismo en la mayor parte de su formación.

“Tal y como está todo, lo último que me planteo es ir a un concierto”. ←- Frase base del ideario del objetor cultural, a partir de ahí, la puede vestir y revestir de todo lo que, a nivel de experiencia, cada usuario pueda aportar, pero ese es el punto de partida. Uno se mosquea cuando observa que casi hay más personas en el escenario que en el patio de butacas. A la formación inicial de Ginferno le acompañaba Los Saxos del Averno, con lo cual se llegaron a juntar hasta ocho personas en el escenario.

Así que pensabas, algo ha debido de pasar, pero en realidad algo pasa, no es normal que en una ciudad de cincuenta mil habitantes tan solo acudan diez a un evento cultural suficientemente promocionado y difundido. Diez. Algo pasa. Narcotización vía chemtrails, trepanaciones… o quién sabe, una abducción masiva durante la hora y media del maravilloso concierto de Ginferno.

Te digo maravilloso porque lo fue, aunque posiblemente te de igual, quizá como mucho acudas a google y llegues a su bandcamp para corroborar algo de esa emoción que te intento transmitir, irás en busca de alguna cura vital, pero lo querrás ya, posiblemente no escuches ni una canción completa, me da que a mitad, si ves que no cae confeti en la habitación, suenan fanfarrias y entra por la puerta el gran circo alegría, me da que si no pasa eso, vas a quitar la canción.

Presentaban su último disco “Erta Ale”, el cual inician con la canción con la finalizaron su concierto del sábado “Mambo Rabbits”, un genial mezclete, perfecto para cualquier momento que requiera ritmo. ¿Ya los has buscado en el bandcamp? Al finalizar su concierto hubo tal ronda de aplausos que tuvieron que volver a salir para interpretar un bis. La propia banda lo agradeció, palpar la emoción del público a pequeña escala toca la fibra. Un concierto manjar.

Y como dato añadido, ahora, tú, querido lector que estás leyendo esta crónica, te puedes autojustificar mentalmente diciendo frases tales como “yo no me enteré del concierto”, “ni sabía que venía ese grupo, ya me jode”, pero entre tú y yo, te perdiste un concierto extremadamente bueno, no quiero saber el motivo, sería por x, por lo que sea, no me des excusas, ofrece algo. Es el momento de ofrecer, a tomar por saco tanta narcolepsia.

Vivimos en una época de recortes, ajustes, reajustes y todo tipo de tendencias a la baja. Y lo peor de todo es que nos estamos acostumbrando a ello. Por ello nunca está de más que alguien venga a reivindicar un poco de acción con ayuda de su música, letras y actitud.

Eso fue lo que hizo el jueves Chico Ocaña, antiguo líder de Mártires del Compás, en el Centro Cultural del Matadero de Huesca. Con una formación de cuarteto, cajón flamenco y percusiones, guitarra flamenca, otra eléctrica y la voz del propio Chico Ocaña, se presentaron en el salón de actos para mostrar las canciones que conforman su segunda referencia en solitario, titulada “De piedra”. Apoyándose en críticas sociales, tanto a los aparatos electrónicos, como modos de vivir, y dándole un doble sentido, ampliando esas críticas a reivindicaciones necesarias, como los desahucios o la corrupción, ese es el cóctel Chico Ocaña, pero siempre macerado con grandes dosis de guasa.

Musicalmente impecable, la banda no tuvo ningún pero y estuvo en todo momento soberbia, destacando especialmente el guitarra flamenco, con el que Chico Ocaña interpretó a solas varias canciones del set, unos tangos con los que dio punto y final al concierto de manera formal, aunque como en casi todos los conciertos, tuvo que volver a salir para interpretar un bis compuesto por “Costillitas de amor” y el hit “Transparente”. Dentro del gran y extenso espectáculo que ofreció Chico Ocaña el jueves (más de dos horas de duración) habría que destacar un hecho que fue notorio, la voz limitada, poco definida, del propio cantante, que estuvo continuamente jugando con el filo de la navaja y que en algún momento llegó a cortarse. Una especie de afonía que conllevó a que la experiencia no fuese total. Será también un asunto de los recortes. Pero no por ello fue un concierto menor, al contrario, pues Ocaña en ningún momento se achantó, reconoció que en cada concierto lo intentaban hacer lo mejor posible y que estaba encantado de estar en Huesca por primera vez, aunque este último detalle no era cierto y parte del público se lo comunicó durante el bis, él ya había estado en la ciudad hace años con su antigua banda, Mártires del Compás, en una actuación en la sala Jai Alai, pero no lo recordaba. Ay, ese Jai Alai…

Chiste por aquí, chiste por allá, buenas dosis de flamenco y una gran comunicación con el público. Entre paseo y paseo por el escenario, la manera de andar y el humor casi se le podía rebautizar como Chiquito Ocaña. Interpretó completo su nuevo disco pero también incluyó piezas del primero como “Con los 30 metros”, canción que fue de las más ovacionadas de todo el concierto y que inició los primeros bailes por los laterales del patio de butacas, y algunas de la etapa Mártires como “Chu Lailo La Leilo”. Le dedicó la canción “La fruta” al recientemente fallecido Paco de Lucía y a mitad de concierto se fue apoyando cada vez más en el público para realizar los coros de las canciones, jugada que le salió muy bien. Cada vez más palmas y ovaciones. Chico Ocaña arrasó entre el personal, seguro que vuelve a la ciudad por segunda vez, al menos en solitario.

Partiendo de que la música es un concepto universal, sus localismos, el folklore de cada tierra, tienen un mayor porcentaje de aceptación que el resto de estilos. Además, siempre retrotraen recuerdos o evocan momentos pasados y manifiestan un modo, un estilo de vivir. Eso fue lo que el pasado sábado vimos en el Centro Cultural del Matadero, el estilo castellano en toda su plenitud. Ironía, sarcasmo, broma leve al prójimo, alabanza del licor…

Actuaba Nuevo Mester de Juglaría, grupo que aún teniendo un adjetivo en su nomenclatura que indica lo contrario, llevan más de treinta años en activo dando a conocer las músicas y tradiciones de Castilla. Empezaron con un popurrí de casi quince minutos de duración de sus cinco primeros discos, un gritisjis, “Vengo de la Molinera”, “Dicen que no me quieres serrana mía porque soy pobre”, “Antón, no pierdas el son”, una, otra, “Niña bonita vente conmigo”, un no parar que puso al público y a ellos mismos a tono. Terminaron este medley con el temazo “La chica segoviana”.

Después de este zurriagazo, se presentaron y recordaron que era su segunda actuación en Huesca después de CATORCE AÑOS. Tras ese recordatorio siguieron descubriendo el folklore de Castilla con una jota rescatada por el gran Agapito Marazuela, “Jota de la cruzada”. Tras este tema se arrancaron con “La respingona” que sonó un pelín desajustada, pero dentro del cómputo global del concierto es lo de menos, Nuevo Mester de Juglaría hizo disfrutar de lo lindo a todo el público del Centro Cultural del Matadero. Y además saben como ganarse el corazón de la gente, han escrito una canción a Paco Paricio, la cabeza visible de los titiriteros de Binéfar, “eres más grande que un rascacielos” reza su estribillo, y están hermanados con el grupo oscense Olga y Los Ministriles a quienes agradecieron y achacaron que hubiese sido posible su actuación del sábado. En resumen, se adaptan, no solo ofrecen su folk castellano, y es de agradecer, allá donde fueres… Por eso, quizá, también interpretaron una canción de Labordeta, “Arremojate la tripa”. Se empezaron a oír las primeras palmas. El concierto estaba disparado.

Aprovecharon para meter pequeñas dosis de humor entre canción y canción, muy irónico, y con esa retranca interpretaron, previa a una genial entradilla, una canción dedicada al río Duero y todos sus afluentes. Hubo un momento más íntimo, donde gran parte de los ocho músicos que estaban en el escenario se retiraron al camerino, tan solo quedaron tres, una voz y dos músicos agitando un par de cencerros, era el momento de interpretar el “Romance de la loba parda”. Siguieron, ya todos juntos de nuevo, con más jotas de comuneros, una máquina perpetua de folklore, pero si por algo destacan Nuevo Mester de Juglaría es por la gran versatilidad de sus voces, es cierto que el peso principal lo sostienen Llanos Monreal y Fernando Ortiz, pero aún así, a pesar de percatarse claramente ese liderazgo, se iban repartiendo las voces principales de las canciones entre seis de sus ocho componentes, y en ningún momento se quebró el sentimiento ni nada parecido, digno de elogio.

Lo dicho, viva el folklore y la música en general.

Nunca está de más hacer un resumen, echar una mirada atrás y ver lo que se ha hecho hasta ese momento. Y para ello qué mejor excusa que aprovechar un redescubrimiento por parte del público. Eso es lo que le está sucediendo actualmente a Nick Garrie, músico inglés con amplio recorrido desde los años sesenta pero que cayó en el ostracismo con su álbum de debut, un disco de pop barroco muy difícil de conseguir y que se reeditó cuarenta y dos años después en lo que ha supuesto la rentrée de Nick Garrie a la primera plana musical.

Para la noche del jueves dejó atrás ese pop barroco y se presentó en el Centro Cultural del Matadero con una guitarra acústica, una armónica y su voz, nada más, aunque tampoco hizo falta. Se agradeció mucho ver las canciones en su punto más inicial, que es donde se puede ver la fuerza de las composiciones, y a esto es muy difícil que le gane nadie.

De las veinte canciones que compusieron el set de Nick, cada una sonó distinta, especial, pero dentro de un discurso propio, de su propia voz, algo que cada vez escasea más. Quizá por esto aún sea más entrañable la reedición. Cercano a los vodeviles de Paul McCartney pero con un punto más psicodélico, más Donovan, como por ejemplo la canción con la que terminó el concierto y que da título a su obra maldita, ‘The Nightmare Of J​.​B. Stanislas’. Con esa sensación del que “ya lo ha hecho todo” dio un repaso junto a su vida a través de veinte canciones, más el añadido bis, así pasó de ese mítico disco, a un accidente de esquí, noches en París (su buscadísimo disco tan solo llegó a editarse en Francia), prostitutas, una frenada de su vida musical debido al matrimonio e hijos, divorcio… Sí, sí, dio un repaso en toda regla, repaso acelerado y en ningún momento resentido, como divorciado se le veía feliz, como redescubrimiento actual, dio la sensación que también.

Las canciones más recientes, como ‘Twilight’, interpretada a petición del público, siguen siendo composiciones muy buenas, canciones pop de manual, pero habría que reconocer que el paso del tiempo le ha imprimido un carácter un pelín más melodramático. El cenit del concierto fue cuando interpretó ‘Can I stay with you’, parte de ese patrón edulcorado del pop inglés que tan bien nos entra, pero no olvidemos que el autor actualmente se encuentra viviendo una segunda juventud tal y como se pudo comprobar en ‘Rainy Days In Sunny Sydney’, en la línea de sus más clásicas composiciones.

Bromas con el público y la luz encendida para interpretar el bis, ya que según el propio Nick dijo, toca mejor cuando ve al público. Fue un concierto que pasó de de forma muy agradable. Oye, y si alguien echó de menos los violines lo tiene fácil: ‘The Nightmare Of J​.​B. Stanislas’, es una obra que merece ser escuchada.

La gente observa manifestaciones o profecías en todo tipo de elementos cotidianos: en las fotos, en las tostadas, manchas de humedad… o en otras más normales como pueden ser los texts de las canciones.

Pues bien, el pasado jueves se cumplía el treinta aniversario del grupo Malevaje, ¡enhorabuena!, y a parte de ofrecer un concierto soberbio, en algunas de sus canciones contaron que cuando las escribieron no pensaban que iban a volverse tan masivas, temáticamente hablando.

Como la canción “Milonga del fumador”, en la que hablan tanto de la actual crucifixión social del fumador como de los vestidos que actualmente algunos dueños ponen a sus perros, sí.

Malevaje es un grupo madrileño que hace tango, nada de fusión, por mucho que en uno de los temas su cantante Antonio Bartrina hiciera una pequeña broma sobre la fusión con un baile pseudo rapero que resultó bastante efectivo.

Pero pocas bromas con el tango, en ese estilo normalmente predominan letras sentidas, de amor frustrado o soñado y musicalmente se asocia muchísimo a un instrumento como es el bandoneón.

El jueves no hubo bandoneón pero no se echó en falta, el formato que salió al escenario del Centro Cultural del Matadero fue un trío compuesto por Antonio Bartrina a la voz, Fernando Gilabert al contrabajo y Sacri Delfino a la guitarra.

Con más de medio patio de butacas lleno, estos tres hombres ofrecieron un espectáculo que no decayó en ningún momento.

Además, el grupo tiene varias conexiones oscenses, Antonio Bartrina fue el fotógrafo del mítico disco de los Mestizos “Por el día y por la noche”. Y una de las canciones que tocaron el jueves, “Uno”, fue versionada en su día por Willy Giménez y Chanela.

Primera profecía de la noche, la canción “Fin de mes”, ya te puedes figurar de qué va la letra…

Una de las grandes virtudes del grupo es como pasan del humor al amor más descarnado o vengativo de una a otra canción pero sin perder en ningún momento el punto amable y magnético, de todo ello tiene buena culpa Antonio Bartrina, aunque los diálogos con sus dos compañeros de escenario también ayudaron y fueron muy necesarios.

Como buena banda de tangos también interpretaron varios temas clásicos como “Aquel tapado de armiño” o “Esta noche me emborracho”, y seguro que de no haber asientos más de uno y de dos se habría arrancado a bailar.

Segunda profecía: “Al mundo le falta un tornillo”. Previa a esa canción interpretaron “Mi vieja viola”, pero que nadie piense mal, viola es la manera en la que los argentinos llaman de manera cariñosa a la guitarra. Y sí, resultaba curioso el cambio de fraseo del cantante, entre canción y canción castizo, y al cantar cercano al acento porteño, curioso pero del mismo modo, fascinante.

Más canciones clásicas como “Qué buena fe” para llegar al punto culminante de la celebración del treinta aniversario interpretando “Garufa”, canción que recibió una dosis extra de aplausos por parte del público y eso que en ningún momento de la noche anduvieron cortos de los mismos. La actuación iba para arriba.

Y no era para menos, porque cuando Fernando Gilabert se quedó solo en el escenario, con su contrabajo, para interpretar la ranchera “Fallaste corazón”, la emoción superó con creces todo tipo de adjetivos, los aplausos ya no fueron aplausos, fueron otra cosa, un instante especial en el patio de butacas del Matadero.

Para finalizar hicieron un tango medio foxtrot medio tango, sí, esta vez hubo algo de fusión y recibió tal ovación que tuvieron que salir para interpretar una última canción.

Un concierto para celebrar y para salir cantando: “Sola, fané, descangayada, la vi esta madrugada salir de un cabaret”.

Poco a poco, Olga y Los Ministriles, como hormiguitas, van sumando nuevas capas a su carrera musical. El sábado presentaron su tercer disco en el Centro Cultural del Matadero.

Tras “Zimbrea” y “Mai”, el grupo ya empieza a tener un amplio recorrido en sus espaldas dentro la música folk, pero en esta última grabación han decidido ir un poco más allá, quitarse el pequeño corsé de la tradición para caminar más cerca del pop.

Aunque como buena gente de la tierra, el núcleo de la idea lo han fijado en la comunidad, adaptando texts de poetas aragoneses o con fuerte vínculo, a su repertorio.

Para esta labor han contado con la inestimable ayuda de Gabriel Sopeña tanto en la selección como en la adaptación musical de los texts, el vínculo que tienen con este gran compositor vienen del anterior disco del grupo, al incluir la canción “Mai” como tema principal del disco. Y en cuanto a la adaptación musical de poemas, el propio Sopeña tiene una larga experiencia, ya que ha participado en proyectos de corte similar con artistas como Loquillo, Aute, Miguel Ríos o Carmen París.

Los poetas seleccionados para esta grabación han sido Emilio Pedro Gómez, Ángel Guinda, el malogrado Antonio Pérez Morte, Magdalena Lasala, Adolfo Burriel, José Ignacio Ciordia (también recientemente fallecido), José Martí (el caso más curioso de todos, pues ni es contemporáneo ni de Aragón), el propio Gabriel Sopeña, Mauricio Aznar, Octavio Gómez Milián y Antón Castro.

En ese orden, uno tras otro fueron desfilando sus letras por el patio de butacas del Centro Cultural del Matadero, que estaba a rebosar, se había generado mucha expectación con la puesta de largo de este nuevo y estimulante trabajo de la banda.

La primera canción, con texto de Emilio Pedro Gómez, fue la que da título al disco “Es a veces amar”, que musicalmente se iba por los caminos del folk rock americano. Y así estuvimos casi todo el concierto, del country al western, aunque siempre manteniendo el toque autóctono gracias al acordeón y las flautas, así que tranquilidad, como bien dijeron ellos, no han abandonado el folk tradicional aragonés.

Al jugar en casa tenían los aplausos ganados pero aún así lo dieron todo, agradeciendo el apoyo popular, los nueve músicos que estuvieron encima del escenario lo hicieron de manera impecable.

La canción de Ángel Guinda “Vivir / Aunque” puede que contenga los versos más emotivos de este repertorio: “Aunque no tengas quien te escuche habla. Piensa cuando nada tengas que hacer. Si no tienes quien te ame y nadie a quien amar. Ámate tú todavía más. Y vive aunque no tengas nada que vivir”.

De ese hit pasaron al poema “Esperando la alborada” y luego al poema erótico vampírico aragonés de Magdalena Lasala. Cuando llegaron al turno de José Martí, Olga Orús, la cantante y maestra de ceremonias de la noche, explicó que el poeta estuvo estudiando en Aragón y que debido a ello le dedicó varios versos, “Si quiere un tonto saber por qué lo tengo, le digo que allí tuve un buen amigo, que allí quise a una mujer”. Impecable.

La siguiente canción no fue una adaptación lírica como el resto de temas, se trató de una versión del grupo Más Birras “Hay una cruz en el saso”, con letra de Mauricio Aznar, pero para nada desentonó en el conjunto, ya que esas líneas western que le imprimieron siguieron haciendo brillar la noche. Turno de Octavio Gómez Milián y su “Blues del Hermano”, junto al poema de José Ignacio Ciordia fueron, a nivel de letra, los más ajenos a la banda, aspecto que para nada se notó en su faceta musical.

Y es que no es sencillo adentrarse en los texts de otro y reflejarlos de manera propia, por eso, el esfuerzo de Olga y Los Ministriles merece un doble aplauso.

Para terminar el concierto interpretaron el poema de Antón Castro, que a nivel musical tenía arreglos cubanos, un piano y varias trompetas, que por motivos de agenda de los músicos, tuvieron que llevarlos enlatados.

Tras esto tuvieron que interpretar un bis de cuatro canciones, las dos primeras fueron las que dan título a sus dos primeros discos y otras dos también enclavadas en su estilo puro, el folk de tradición. Con esa regresión terminaron de conquistar al entregadisimo público y tuvieron que improvisar una última canción para que todo el mundo marchase a sus casas plenamente satisfecho.

Las canciones de Dorian Wood tienen un punto melodramático muy intenso.

Son pequeños exorcismos, bandas sonoras para salir adelante de momentos duros en esta vida loca, o como dijo el propio Dorian, canciones para el fin del mundo, añadiendo que este apocalipsis ocurre más a menudo de lo que creemos, ya sea en forma de trauma, aparición, desaparición o lo que sea.

Luego ya cada uno procesa esas emociones y las saca en forma de canción para que el resto del mundo disfrute y sea trasladado a esa sensación.

Porque lo principal de Dorian Wood son las canciones, siendo un dato casi insignificante tras ver su concierto el pasado sábado en el C.C. Matadero, ya que posiblemente cada asistente sacara su propia conclusión. Y es que había demasiadas motivaciones para quedarse atrapado, la corista, el contrabajo, la voz de Dorian, los cambios de ritmo del batería…

Y luego, para rematar todo el convite, estaba la simpatía del propio Dorian Wood, aspecto con el que terminó de conquistar a los últimos indecisos.

Una gozada de principio a fin. El numeroso público, más de media entrada del patio de butacas del Matadero, se dio cuenta de este hecho y llegó a haber hasta dos bises tras el concierto oficial.

Fueron muchos los instantes emocionantes del show, desde el intercambio de voces entre Dorian y su corista/acordeonista en ‘Glasellalia’, tema que puso los pelos de punto a la mayor parte del público, hasta la doble versión de su tema en español ‘La cara infinita’, al principio del concierto la interpretó de manera muy cercana a la versión grabada en su disco ‘Rattle Rattle’ y en el primer bis la tocó en un medio tempo, menos marchosa por decirlo de alguna manera, pero muchísimo más emotiva.

Es un hecho chocante que la canción con un ritmo más bailable fuese la española porque el resto de temas, algunos con puntos de intensidad mayores, tenían un punto melodramático, casi narcótico.

Una sensación de eterna caída acompañada por la gran voz de Dorian. Muchas personas podrían hacer una comparación del artista con Antony and the Johnsons, quizá haya conexiones para realizarla, el piano, la voz, la homosexualidad, la melancolía, pero bueno, las canciones de Dorian Wood tienen un punto más experimental, tampoco es que sea una experimentación apabullante, pero eso le distingue, eso y el punto latino. Pero el enorme sonido, que abrazó todo el patio de butacas, eso no se puede comparar con nada, te ibas por cualquier sitio al cerrar los ojos.

Y es que si la voz de Dorian es buena, la de su corista era tremenda, nada sobró en este concierto y nada faltó.

Hizo un repaso a sus tres discos publicados hasta la fecha, haciendo más hincapié, lógico, en el último. Pero las canciones de su primer disco ‘Bolka’, que según comentó el propio Dorian significa Dolor en bulgaro, fueron tanto o más de intensas que las nuevas, y no chocaban entre si al mezclar el repertorio. Con el pelo afectado por el viento aragonés, Dorian Wood se marcó un conciertazo que posiblemente será recordado durante bastante tiempo.

En mitad de una ovación se retiraron del escenario, había sido toda una experiencia, aspecto que el propio músico también destacó, diciendo que toda la gira española estaba siendo tremendamente especial. Nada de victoria a los puntos, noqueó a todo el mundo sin contemplaciones. Todo un privilegio que haya conciertos así en Huesca.

Después de un encuentro fortuito hace ya casi dos meses, el pasado jueves volví a coincidir con Oriol. Había acudido al Centro Cultural del Matadero para ver el concierto de Zenet, aunque por lo que me contó más tarde, él lo había entendido mal. Debió leer deprisa el anuncio o vete tú a saber, el caso es que leyó Fernet en lugar de Zenet, y se esperaba algo más opiaceo, una esfera más contemplativa y ensoñadora de la música, y claro, al principio le chocó el contraste con la idea que él llevaba.

Un formato acústico en el que ofrecieron las canciones de su repertorio de manera desnuda, tal y como fueron concebidas. El público, que llenó más de media sala del Centro Cultural, le dió igual el formato, se entregó a los dos artistas desde el primer instante y no pararon de cantar, aplaudir y jalear durante todo el concierto. Bueno, todos no, había uno que…

Y claro Zenet, el cantante, con ese punto jeta y un poco canalla, fue provocando, pidiendo aplausos al que no aplaudía y haciendo canciones cada vez más intensas a nivel lírico, como ‘Estela’, canción con la que Oriol se arrancó a sonreír un poco y confesó que se había visto identificado en la letra, también llegó a decir que aunque tenía aspecto de canalla, ese Zenet parecía tener un gran corazón.

Y no es para menos porque entre el guitarra y él mantuvieron todo el extenso concierto, de casi dos horas de duración, y eso, con tan poca instrumentación, no es sencillo, señal de la gran presencia de Zenet, aunque no menos importante fue la versatilidad del guitarra, capaz de irse por distintos mundos en la misma canción, todo un portento.

Su pop arrabalero, con toques latinos y letras melancólicas, enamoradizas pero con un punto de humor hicieron doblar la rodilla a todos.

“Un chotis, eso es un chotis” la emoción empezaba a invadir a Oriol, que reconoció al instante el estilo musical de la canción ‘Por debajo de Madrid’ y a partir de ahí empezó a bracear, dar palmas y dejarse llevar. Zenet lo había conseguido.

Cuando tocaron ‘Eres lo que menos me conviene’ los ojos de Oriol estaban vidriosos y decidí cambiarme de asiento para dejarle embriagarse tranquilo por la emoción.

Claro, un concierto así, que había tocado la fibra sensible de tanta gente, no podía acabar de cualquier manera, tuvo que realizar dos bises y si hubiese salido una tercera, la gente habría seguido igual de entregada, aplaudiendo a rabiar.

Al salir volví a coincidir con mi querido compañero de conciertos y me confesó a un volumen muy bajo, como con miedo a que fuese descubierto: “Me han conmovido, voy a tener que hacérmelo mirar”.

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El asado mecánico salió con nota alta del Centro Cultural del Matadero. Un directo atronador. Arrollador.

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Gran concierto. El pop fronterizo tocó el corazón de los oscenses. ¡Comanche!

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La poesía quizá es el género artístico que menos dinero aporta a su autor y el que menos difusión genera pero es el más sencillo de poner en práctica y uno de los que más satisfacciones da al propio autor.

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Condensar todo el trabajo de un año en un fin de semana no es sano, no es beneficioso, pone en tensión e incluso cabrea. Pero aún así motiva e ilusiona.

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El setenta por ciento de la realidad es vacío. Eso representa una gran cantidad de vacío con respecto a lo que vemos, “a lo que hay”, que en total corresponde a un mísero cuatro por ciento. Mucho vacío para cantarle, como le dijo una prima lejana por carta a Daniel Drexler. Y Daniel no se lo pensó dos veces y del vacío comenzó de nuevo a escribir canciones y tras varios discos y una anterior visita hace tres años, el pasado domingo regresó al escenario del C.C. Matadero.Venía a presentar “Mar adentro”, su nuevo disco, un conjunto de canciones pop, dentro de su estilo de cantautor, a medio camino entre Silvio Rodríguez y Caetano Veloso con ciertos toques experimentales y mezclándolo con ritmos tradicionales de su tierra, Uruguay.

Por unas horas volvió el frío. Como un recuerdo de febrero. Un recuerdo amargo. Yearrando algo que ya sabes que es malo pero en el fondo te atrae. Así son las canciones de Julio de la Rosa. Temas revestidos de sexo, drogas y rock and roll que no paran de hablar del malditismo, el bien y el mal.

El sábado actuó en el C.C. Matadero. Él solo, con dos guitarras, una acústica y otra eléctrica.Unas horas antes había presentado su primera novela en la librería Anónima y ahora se encontraba encima del escenario del Matadero para promocionar su último disco “Pequeños trastornos sin importancia”. Lo que se conoce como un hombre polifacético. Pero para bien eh, que hay gente que se mete en cien mil fregaos parecidos y sale mal de todos.El caso, de manera tranquila salió al escenario, y sobre una silla que el propio Julio nos advirtió que crujía, comenzó su directo. Sin ninguna capa, ningún bucle, las primeras canciones fueron como una especie de calentamiento. Eso sí, poco a poco, fue introduciendose en su propio mundo y así a mitad de uno de sus temas oías su guitarra pero el no la estaba tocando, la acababa de grabar, empezaba lo bueno.Julio sin su pedal de bucles también sería grande pero hay que reconocer la importancia que tiene en sus directos. Graba una guitarra, otra, luego un punteo, su voz, cierras los ojos, te recuestas en la butaca, pero no te duermes eh, sigue grabando guitarras, ahora un grito, más guitarras, y dices: la madre que lo parió, cómo lo hace, si parece que haya siete personas en el escenario. Abres y los ojos y compruebas que sigue solo. Un gran control de las capas.Por sacarle algún pero, los momentos en los que sacaba el orco de dentro, entiéndase orco a cuando gritaba hasta limites en los que rompía su voz. Su melodía de voz es lo suficientemente buena como para permitirse no hacer esas maniobras, aunque también es cierto que si el concierto se hubiese realizado en una sala, con la gente hablando, licores variados y cachondeos, esas lineas vocales habrían estado más integradas. Pero eso sí, en ningún momento molestaron. El inicio de “Gigante”, lleno de descripciones de roles y caracteristicas sociales, cada uno que nombraba iba señalando al público, aún sin verlo, como una amenaza, para al final sentenciar “al cretino que canta”, siguiendo en la linea del maldistimo.Después ristra de instrumentos peculiares. Una radio, una kalimba y un cacharro relleno de agua que generaba ambientes parecidos a los de una película de miedo.Con la radio fue parecido, su sonido se basaba en una frecuencia, un ambiente que oscilaba y sobre él Julio recitaba, cantaba. Fue un momento cuasi a capella. “La fiera dentro”. El final del tema, en el que la letra decía algo así como “ademas es muy fácil bailar”, lo digo de memoria, es posible que dijese otra cosa, pues en ese instante inició una especie de mofa de la danza, agregando interpretación gestual a sus letras, lo cual le dio un valor doble, fue quizá el mejor momento del concierto.Aparte de los temas del último disco hizo un recorrido de sus anteriores trabajos, como “El monstruo nunca duerme”, intensa canción que sentencia “si algo he aprendido lo tendré que practicar”. También hizo un acceso a sus fans de la etapa en la que estaba en El Hombre Burbuja y tocó varios temas, el más destacable fue “Kill the mosquito”, que realizó de una manera casi recitada, bastante más light que la original pero fue igual de contundente.Y al final, Julio literalmente desapareció, se retiró al camerino sin dejar de tocar su guitarra, la cual había desconectado para interpretar el último tema. Fue, en cierta manera, el gesto divertido de los “Pequeños transtornos sin importancia”.

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Pero en ocasiones las primeras sensaciones no son las correctas, Le Parody es una propuesta seria, que se basa en la mezcla de melodías de corte tradicional folk con electrónica. Una escenografía mínima, un ukelele, dos micros, un xilófono y una trompeta. Eso sí, el ukele estaba pasado por una pedalera de efectos, con ecos y distorsiones, y además tenían un sampler, que es uno de los pilares de la música de Le Parody. De está forma salieron al escenario Sole Parody (voz y ukelele) y Frank Santiuste (trompeta, coros y xilófono). Era la primera vez que tocaban en Huesca, les impresionó la visión ciega del Matadero, esa iluminación que provoca no ver nada más allá del escenario, creando la sensación de estar casi en un ensayo pero con aplausos. Y después de esa no-visión dijeron que les daba la sensación que ese sitio era un buen lugar para bailar encima de los asientos, total, “una noche es una noche”. Acto seguido se arrancaron con el sampleo de la frase “la felicidad es la ausencia del dolor”, basado, tal y como dijo Sole Parody, en frases impactantes de la publicidad que no precisamente tienen que ser verdad. En el mismo sentido del nombre del grupo, esa sensación de parecer una cosa y resultar otra, está el título de su primer y hasta el momento único disco “Cásala (soundtrack)”, el cual no es una banda sonora de ninguna película o video. Les gusta jugar al despiste. Te sueltan que siempre dicen la verdad a base de samples y al final de la canción lanzan el sonido “somos una familia feliz”, y ella se ríe, porque les gusta esa ambigüedad, que cada uno piense lo que quiera, que ella no lo va a explicar. Comenzaron muy bien combinados, entrando a sus tiempos, bailando y repartiendo felicidad, pero poco a poco se abrió una pequeña brecha musical entre los dos que provocó que la experiencia no fuese completa. Entre los sampleos, aparte de las cuñas publicitarias utilizaron frases, como la del cosmonauta Komarov, protagonista de la primera tragedia espacial. El sampleo de las voces añadido al ukelele, trompeta y los efectos sonoros le da un aspecto futurista a explotar. Fue un breve concierto que se pasó de una manera muy agradable, en una ambiente familiar, tanto, que hubo bis, aspecto que al parecer Le Parody no tiene preparado, se percibió perfectamente cuando no sabían qué tocar al regresar al escenario, así que le pidieron al público cuál querían escuchar de nuevo. “La segunda”, “No, la tercera”, “La que era de amor y has cantado en inglés”. Y así, procedieron a repetir la interpretación de “Love me (la necesidad)”. Con esta canción se despidieron del público, que regresó poco a poco hacia sus casas con una sonrisa en sus caras. Y es que… cómo se nota que está llegando la primavera.

En la grabación de Hey Jude hubo, como mínimo, dos españoles.

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Para escribir la crónica del concierto tuve que desplazarme cinco kilómetros fuera de la ciudad. En medio de la gran tormenta del fin de semana, imaginatelo, pero era necesario, necesitaba reflexionar sobre lo que había visto. Hubo un lleno hasta la bandera, entradas agotadas con varias horas de antelación. Conté un mínimo de cuatro cámaras de video. Había mucho movimiento. Máxima expectación. Actuaban Los Bisoños, un grupo de pop oscense formado hace cuarenta años y que tras un largo parón ha decidido regresar. En ocasiones la nostalgia funciona como motor. Al escenario del Centro Cultural del Matadero se subieron Daniel Hasta, Julio Aznar, Fernando Ordás, Pedro Mínguez, Rafael Roche, Manolo Marco, José Aquilué y Agustín Elsón, en una formación de dos guitarras, bajo, batería, teclados y sección de vientos. Empezaron con una versión del tema “Milk Cow Blues” de Los Kinks, que adaptaron de manera muy acertada al español en un Bisoños Blues, en cuya letra hacían una reflexión sobre el paso del tiempo e invitaban a la gente a tomar asiento para disfrutar del show. El público, que ya estaba sentado, no paraba de lanzar aplausos, el patio de butacas era una fiesta, daba igual que tocasen “Todo tiene su fin” de Los Módulos, “Compresión” de Lone Star o “Catorce vidas son dos gatos” de Fito y Los Fitipaldis. Bueno, no es que diese igual, se notaba la mayor o menor aceptación de las canciones por parte del público, pero lo que la gente había ido realmente a ver era el reencuentro de los Bisoños. A medio camino entre el fan musical y el hincha deportivo, ese que apoya a su equipo pase lo que pase y nunca cesa de animar, que tiene metido en el adn su filia a unos colores y los defiende a pesar de las derrotas. Aunque lo del viernes fue todo lo contrario a una derrota, tenías que haber visto cuando empezaron a tocar “Mi calle” de Lone Star, una perfecta versión que levantó a la gente de los asientos. Porque sí, Los Bisoños hacen versiones de canciones pop, desde los Secretos (“Ojos de gata”), Miguel Ríos (“Oh mi señor”), pasando por Nacha Pop (“La chica de ayer”), e incluso de Los Beatles (“Let it be”), pero a todas les dan un toque particular, generando una sonoridad propia, huyendo del mundo orquestero. Aunque hay que reconocer que cuando más efectivos fueron y cuando aumentó el volumen de los vítores fue al mostrar su lado más rockero y en lengua española, con alguna excepción, como la versión de Nancy Sinatra, “This boots are made for walking”. La primera parte del concierto la cerraron con el tema de Los Brincos “Nadie te quiere ya”, con esta canción se retiraron al camerino, pero muy poco tiempo, el público, de manera atronadora exigía un bis, y lo hubo. En él tuvieron hasta una petición para que volviesen a tocar uno de sus temas, propuesta que generó los primeros bailes por los laterales del patio de butacas. Como guinda tras las casi dos horas de concierto, con las luces dadas y el público entregado, ofrecieron la posibilidad de subir con ellos al escenario para cantar el estribillo de “Hey Jude” de Los Beatles, propuesta que fue secundada en cuentagotas pero que acabó con más de treinta personas sobre el escenario. Entrañable fin de fiesta. Después, como ya te he dicho antes, escribí la crónica, seguía lloviendo, la envíe al periódico y recordé que la realidad no es más que un sueño de Resines.

Fotografía: Gregorio Lombarda

El jueves fue el plato fuerte dentro de la programación creada para promocionar el nuevo planetario de Huesca. En el incomparable marco del Espacio 0.42 actuaba Brian Eno, el multiartista y gurú de las nuevas visiones expansivas de la música. Se fletaron hasta dos autobuses desde la estación Intermodal para facilitar el acceso al evento.

Ya en el interior del planetario, la gente esperaba dando vueltas por el hall, el cual está presidido por una gigantesca bola del mundo. Cuando los nervios de los asistentes eran más que palpables hizo acto de presencia el mito, el tetramorfo del pop. Se generó un silencio mayúsculo. Brian Eno apareció ataviado con bata blanca, en un claro perfil pedagógico, y a su lado un individuo bastante más bajo que él se encargó de ir realizando una traducción simultánea de las palabras del gurú. Hizo un recorrido explicativo de todos sus proyectos musicales en solitario, tanto del “Music for airports”, hasta el imprescindible “Another green world”. Mientras iba haciendo el recorrido a su obra, Brian iba señalando partes del globo terráqueo, “Discreet music” y su brazo apuntaba a Santa Elena.

Uno de los asistentes le interrumpió para preguntar si durante el concierto iba a tocar el tema de inicio de Windows 95, Brian Eno, radiante y con una sonrisa XXL abrió un poco más de lo normal su boca y sí, de su garganta apareció el tono de arranque de los windows. Primera emoción de la noche. El hall rompió en aplausos, el traductor no podía continuar, tenía los ojos llenos de lágrimas. Tras esa cumbre Brian Eno nos invitó a pasar al interior del globo terráqueo a través de un largo pasillo y un par de escalones.

Dentro, un salón de actos con capacidad para unas ochenta personas y los asientos reclinados casi 180 grados. Aparte, todo cubierto por la gran cúpula sobre la que se proyectaba una cuenta atrás y el título del último disco de Eno: “Music for crematoriums and firehouses”. Quedaban menos de cuatro minutos para el inicio del espectáculo, el público fue tomando asiento y entonces se descubrió otra de las sorpresas de la noche, en cada butaca había un sobre con una postal en su interior. Cada postal estaba dedicada y personalizada “thank you for coming Juan, i’m very happy to see you”. El público se había sentado aleatoriamente y Brian no solo había averiguado sus nombres si no que había acertado en que lugar se situarían durante el concierto. Gran golpe de efecto a la noche. Más de uno sintió miedo.

Apagaron las luces y sobre una cosmogonía visual fue ofreciendo platadas de su nuevo proyecto. Narcotizó al personal de la forma más agradable. Todo un acierto las proyecciones de unicornios. La voz casi susurrada de Brian iba narrando el espectáculo de manera espléndida: “This is the way to turn you on, baby”. Avanzado el show hizo una concesión a su etapa Roxy Music haciendo una versión de “Love is the drug”, una interpretación llena de sintetizadores que ralentizó su cadencia original hasta dejarla en un beat espacial. Y en la última canción, “In dark trees” ocurrió el gran momento de la noche, sobre la cúpula se proyectaron más de una docena de camisetas del equipo de baloncesto de Huesca. Brian Eno, emocionado, elevó el tono por primera vez para gritar: “THIS IS FOR YOU ALPHONSO!” Se trataba de un homenaje al ex jugador del Peñas de Baloncesto, Alphonso Ford, fallecido en el año 2005. Cabe recordar que este jugador fue tres veces máximo anotador de la Euroliga de baloncesto y debido a ello el trofeo al máximo anotador lleva su nombre. La magia continuó al aparecer Brian Eno en las proyecciones, con la camiseta del Peñas, haciendo mates imposibles. El público, que seguía reclinado 180 grados, no paraba de aplaudir. La insólita versión deportista de Brian Eno que aún siendo insólita fue igual de emocionante. Con un mate y sonido de explosiones finalizó su actuación. Algunos siguieron contando estrellas, otros decidieron volver a la ciudad.

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Y tras un pequeño descanso fue el turno del segundo concierto de la noche, a cargo de The Black Swans, también un grupo de folk, también estadounidense. En este caso la actuación la sobrellevaron entre dos, guitarra acústica y steel guitar. La voz del cantante más grave y nasal que la actuación anterior. Una suerte de Lobezno. “No os veo pero os siento” nos dijo, y sacó la armónica, quizá para usarla como elemento de geolocalización. El steel estaba interpretado casi como un sintetizador, dándole un toque floydiano, recordando en algún tramo las piezas de Animals. Después nos dio un breve discurso sobre los videos musicales en la televisión, un pequeño impacto al cambiar de país. Tenía una actitud más canalla y menos tímida que Zach, y un estilo bastante más cercano al pop, construcciones definidas con estribillos. Los días en la lluvia saben dulce, nos cantaba y la linea musical recordaba a una canción de Celtas Cortos, sí, otro impacto al cambiar de país, una extraña sensación. Más tarde llamaron a Zachary para colaborar con ellos, fue entonces cuando estuvieron tres guitarras sobre el escenario, pero en ningún momento pareció sobrecargado. Las lineas de voz de Zach le dieron el complemento ideal a las canciones de The Black Swans, increíble apoyo en los coros y en la guitarra. Antes de terminar la actuación hicieron una versión de “Dead Flowers” de The Rolling Stones, más pausada, adentrada en el mundo folk. Y aún hubo tiempo para un pequeño bis, había sido una larga actuación pero el público quería más. Y con una última plegaria se retiraron tras un gran aplauso: “No sé que hacer, lo único que quiero es estar contigo”.

El domingo fue un día especial, el salón de actos del matadero esperaba a Pablo Guerrero. El poeta, el cantautor, figura emblemática de la música española. La banda musical que le acompaña, y de manera perfecta, fue la encargada de abrir el concierto. En un silencio sepulcral fueron dando los últimos toques de afinación a los instrumentos mientras aparecía Pablo. Iniciaron con “Agua de tus manos”, un tema que aúna los momentos recitados de voz con aquellos de mayor cante. “Luego bebía de tus manos”. Un contrabajo, dos guitarras eléctricas y un trompetista fueron envolviendo sus palabras. Al terminar dio las gracias al público por acudir y siguió sin prisa pero sin pausa con la actuación, era el turno de “nana estival para acunar a un amor”, Pablo empezaba a sonreír mientras soltaba sus frases, a menudo barrocas, otras sencillas, siempre demostrando su gran capacidad lingüística, su gran gusto y su técnica. Su voz cavernosa proclamaba “te quiero donde creces más oscura”. En “Noche adentro”, surgió un pequeño ritmo de baile para decir “hacia África vuelan aves y yo en tu cintura”. Casi siempre hablando del amor, que en definitiva es lo que cura. Aprovechó para tocar una canción de los noventa “Sueños”, sí, “los sueños son posibles y viven más que tu vida”, con un pequeño tono jocoso dentro de este tema que lo acercó al mundo Krahe, aunque esté más cerca del registro Cohen, por estética y lírica. Se fueron los guitarras y el trompeta, era el momento de recitar, sacó un libro con sus poemas y leyó “un camino de estrellas” sobre una base de contrabajo, así, al terminar, aprovechó para presentar al instrumentista, Cristian Pérez. Después, otro poema, pero con el trompetista, Santi Vallejo. Y ya con toda la formación atacaron de nuevo el set musical, con un ritmo más sureño, “aguja de cristal, canto desnudo”. También interpretó uno de sus clásicos, una canción de hace cuarenta años, que relata la historia de una chica y la guerra del Vietnam, “Dulce muchacha triste”. Con el guitarrista Luis Mendo interpretó uno de los temas más emotivos de la noche “Luna Lucía”, distancia de Luna, en el cual demostró que su registró vocal a pesar de estar afectado por el paso del tiempo cumple sobradamente, interpreta y emociona. Las sentencias de Pablo seguían removiendo todo el salón de actos “Te respiro y descanso a tu lado, a través de tu cuerpo me siento al universo unido”. Leyó dos poemas más, esta vez con los dos guitarras, primero con Nacho Sáez de Tejada y el otro con Luis Mendo, ya había presentado a toda la banda a base de versos, era el momento de pensar en la retirada. Y se empezaron a despedir con “plata”, un ligero ritmo de maracas presidió la canción, “plata luna de plata, blanca piel de plata”, y aprovechó para volver a presentar a la banda pero ya con todos juntos y en medio de una canción. Una banda experimentada y mítica que hizo las delicias del público, impecables. Retirada entre aplausos que obligó a que hicieran un bis de dos canciones, la primera de ellas “Sueños sencillos”, “diré que toqué tu frente cuando estabas dormida”. Y el gran final con “A cantaros”, la canción que da nombre al ciclo de cantautores y que está más vigente que nunca, a pesar de tener más de cuarenta años de vida. La gente terminó cantando. “Estamos hechos de nubes pero quién nos ata”. En medio de una gran ovación Pablo Guerrero se acercó al micro para volver a dar, una vez más, las gracias y retirarse. “Hay que doler de la vida hasta querer”.

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El sábado… qué lejos nos pilla ya eh, además con el cambio de hora, menudo bajón. El sábado fue etapa la etapa reina de Periferias, venían los foráneos y todo el mundo se puso sus mejores galas. A las diez y media de la noche el jaleo estaba en la plaza de toros, un evento denominado “Gran Guateque”. Una noche fría que invitaba a no salir de la carpa en ningún momento, aún con la maravillosa noche estrellada que había, perfecta para ufólogos y demás seres nocturnos. Además, la primera actuación fue tan a martillo que no podías hacer otra cosa que bailar. Eran Juanita y Los Feos.

Cinco tipos dando cera desde el minuto uno, sin concesiones, con un volumen atronador. La cantante con faldas y a la loco, bailando sin parar. Un show surf punk, los joy division del surf, que conllevaron los primeros corrillos de baile. También tenían toques de la movida madrileña, desde lo näif de alguna de las letras hasta ciertos arreglos musicales. Una lluvia ácida increíble para empezar la noche.

Bueno y al terminar esta actuación vino uno de los mayores impactos de la noche. Atención, tsunami. Entre grupo y grupo Janet Chang y su techno cumbia hicieron bailar a toda la carpa. Su espectáculo encaja tanto en un crucero como en un festival de música. No dieron concesión al descanso. Tras la chinita de la cumbia actuaba Hidrogenesse, grupo al que estaba esperando la gran mayoría del público. Sus dos miembros, quizá reptilianos, y un retrato de Alan Turing presidiendo. Es que su último disco se lo han dedicado por completo a Alan Turing, por eso, además, utilizaron unas proyecciones binarias, relacionadas con el mundo de las computadoras. Menos baile y mas vocoder, aunque “Captha cha-cha” es un autentico rompecinturas, y eso que todo el público acechaba su tema mas conocido “Disfraz de tigre”, con el cual se echaron el festival a las espaldas, punto elevado del concierto. Se pasaron de tiempo de la actuación, les quitaron el sonido dentro del escenario y aún así tocaron un tema más, bravo.

Y volvió Janet Chang con su cumbia y toda su crew, el dj en plena pubertad, el segurata videorealizador y las bailarinas de support. La gente volvió a gastar zapatilla.

Empezaba a preocupar el cambio horario. En estas Los Punsetes ya estaban dispuestos a seguir la fiesta, fueron los siguientes en salir a escena. Su cantante estática, con un cuello victoriano, parecía un cuadro de El Greco, mientras el resto de la banda se movía al ritmo de su música, genial. Sus acertadas proyecciones, combos de imágenes en los que llegaron a poner imágenes de toros… dentro de la plaza, doble tortazo. El sonido pop indie de los noventa. Y las letras enfocadas en el drama social oculto, los silencios de las conversaciones y la obsesión por quedar siempre bien con los demás, todo muy ácido.

La parálisis continuaba. Y la gente ya estaba bien atizada, por eso cuando tocaron su hit “Tus amigos” la gente bailó como nunca. Momentos puntuales de baile, tanto en ese concierto, como en el resto de actuaciones, parecía que la gente se reservaba un instante para desparramar y luego volver a la normalidad, curioso.

Y Janet Chang seguía a lo suyo, las manos arriba eh eh eh.

Después vino la actuación más destacada de la noche Quintron & Miss Pussycat, banda estadounidense. Un combinado de guiñol, techno, disfraces, lenguas muertas y más cosas. Demasiadas sensaciones. Estábamos al borde de sufrir un Sthendal. Al principio sacaron un pequeño teatro con marionetas y poco a poco lo fueron integrando en su show techno electrónico. No parabas de bailar, de mirar el fosforito de las maracas que llevaban, de ver que iban disfrazados de la muerte y habías bailado con ella. Sudores fríos. Un autentico descoloque cósmico. Gran y original propuesta teatral electrónica.

Tras el hachazo llegó la hora ciega, la del cambio de hora. A las tres serán las dos. En esa hora actuaron Moishe Moishe Moishele, banda judeo francesa que ofrece un show de house a la vez que místico e integrador, vamos, que todo muy judío. Los Beastie Boys de la cábala. Sus tres integrantes repartían breaks y estrellas de David. Y la gente, aún con la reserva encendida, lo dio todo, muchos incluso se convirtieron. Mañana nos vamos de bar miztvah.

El último de concierto del Gran Guateque fue para Jason Forrest/Dj Donna, un yanki esperpentico. Ritmos rave, momentos disco y él bailando como un poseso. Parecía un Steve Ballmer presentando windows treinta. Y pensabas, ahora coge la escopeta y nos liquida a todos. Quizá por eso aún bailabas, eso o la inercia que llevabas. Y lo que quedaba, porque los conciertos llegaban a su fin pero la noche y Periferias todavía continuaban.

Vale vale vale vale, esto que tú sientes ahora tiene un nombre, se llama: jet lag social. No sabes con precisión en que momento del fin de semana estás, ¿verdad?

Y encima han peatonalizado el coso y te sientes un poco como en San Lorenzo. Es lo que tiene Periferias. El viernes fue uno de los días gordos, plagado de eventos aquí y allá. En la plaza de toros se celebraba el Bleep!, autentico pulsómetro del panorama musical aragonés. La plaza de toros con carpa y además para acceder a ella tenías que cruzar mediante dos tablones una zona inundada. El acceso al castillo. O como diría el primero de los grupos que actuó “Bienvenidos a la fábrica”. Ese grupo era Mil Motivos, formación de rap zaragozana que inició el Bleep! con una señal de bombardeo. La gente aún estaba perezosa y fue llegando con cuentagotas. Se perdieron a está banda reivindicativa, enfrentada al mundo industrial. Un mc y tres voces que controlan la cadencia exquisitamente. Su breve pero impecable actuación la despidieron con un ritmo reagge para incitar al público a los primeros bailes.

Era el turno de Dotes Líricas, también un grupo de rap, pero con distinto fraseo y letras mas complejas, que se enfocaban mas en el infierno personal que en el social. Tres voces que iban rotando, formación de tridente. Pusieron especial énfasis en el bombo.

En la zona de abajo los platos esperaban a Emceemismado, dj que amenizó a la perfección los interludios entre banda y banda. Desde Quijote y Sancho, pasando por Rocky. El nivel de cachondeo y ganas de fiesta estaba subiendo.

Entonces salieron al escenario Cerdo Agridulce, banda oscense de reciente creación. Su voz principal apareció con una careta del animal que da nombre al grupo e iniciaron el show. Un estilo entre el funk y el rock. Reminiscencias a Rage against the machine y Red hot chili peppers. Empezaba la torsión de la noche, la gente empezaba a llenar la carpa, a realizar bailes locos. El sonido compacto, sin fallos y con cadencias locas invitaba a ello.

Del trash metal al rap mas convencional. Apuntan alto.

Cambio de banda y a los diez minutos cinco personas estaban en el escenario ofreciendo uno de los platos fuertes de la noche. Actuaba Bigott y se notaba en el ambiente. Metió en vereda al público. Una introducción instrumental que te hacía recordar el rock de los setenta. Hasta destellos de la Velvet Underground. Bigott como perfecto crooner se meneó como nunca, casi se le oía crujir, estaba arropado por su banda, una banda extremadamente profesional. Efectos, sintetizadores, bajo y batería. Le veías torsionarse y te daban ganas de, al menos, intentarlo. Fue un maestro de ceremonias perfecto. Y una tras otra fue repartiendo sus temas que ofrecen esa amalgama de estilos que acaba derivando en una sonoridad propia. Algo calentito. Cannibal dinner, quizá su tema de mayor impacto social provocó el primer momento festival de la noche, toda la carpa bailando al mismo ritmo. Y ya no se paró. Un último tema casi improvisado, genial y nuevo cambio de banda. Dejaron el listón bastante alto.

Y con la noche a punto de romperse Hillbilly Mongows hicieron acto de presencia. Banda de versiones en clave de bluegrass y folk tradicional. Todo en clave de humor. Uniformados como los hijos del sol. Un banjo y cuatro personas alrededor, en un enfoque sureño del folk. Sureño de EEUU. Reunidos en el centro del escenario, formación en bloque, comunal, canciones que invitan a beber. Versiónes de Beyoncé, The Doors, Kiss, Grease… hasta los Bee Gees. Todo ello pasado por el filtro del banjo y la mandolina.

Lo que es y hace el banjo eh. Técnicamente impecables, falto comunicación con el público, que seguía en órbita y exigía mas desbarre. El cual apareció. El siguiente grupo en actuar fue Will Spector y Los Fatus. Venían a presentar su primer disco, el tan esperado y contundente Bicáberut. Menos gamberros que en otras ocasiones pero igual de efectivos, un grupo que sobrevive a los problemas de sonido y a los tsunamis a base actitud. Su panderetista, autentica alma central del cortocircuito fatu se lanzó al público con barca y a lo loco. Sí, una barca hinchable que agarró la gente para ofrecérsela de plataforma de aterrizaje. Uno tras otro fueron atacando los temas conocidos por casi todos, pogo aquí, pogo allá, maquíllate, maquíllate. La gente empezaba a acusar el cansancio de la noche pero ofreció una tregua durante su actuación. Tras ellos, la zona cero, la calma. Y también la gran sorpresa de la noche, Galimatías. Un proyecto en solitario basado en la electrónica y samples de voz. Una estética fina y elegante, rozando la psicodelia. Proyecciones que casaban y se comprometían sin renuncia con la música. Y unos ritmos que aún siendo las cuatro de la mañana y habiendo dicho “no, ya no bailo, que mañana también hay jaleo”. Pues habiendo dicho eso acababas bailando.

Así y lentamente la gente se fue retirando de la carpa, algunos a sus casas, otros puede que también, pensando en el cambio de hora, geolocalizandose con los moviles y esperando el día siguiente, aún queda Periferias, esto solo ha sido una pequeña cata. Volveremos.

La actuación arrancó en caída libre desde el minuto uno. Ignatius salió al escenario y uno de los asistentes le grito: “¡Sácate un pecho!”. Eso provocó el desbordamiento del monologuista que atacó frontalmente al espectador. “¿Es eso lo que quieres?” Le espetó. Cuando el instante parecía enfriarse otra chica del público le repitió la misma consigna. Cuatro gritos mas e Ignatius se había quitado la camiseta. Vale, tened en cuenta que vamos por el minuto dos y el artista ya está descamisado. Y la actuación duró dos horas. Pero bueno, sigamos.

Ya sin camiseta se bajó al patio de butacas desde donde realizó el resto de show.

Otro espontaneo le soltó un “¿pero cuándo empiezas?” Eso provocó un nuevo ataque de Ignatius.

Acción/Reacción. Así parece funcionar el mecanismo de humor de Ignatius. Observa el panorama y cuando ve algo que sobresale, un mínimo gesto de empatía, va a por él y lo exprime, haciendo que a veces el exprimido se sienta molesto. Según palabras del propio Ignatius “espero la ola y vendo fe”. En cualquier caso la sensación general del público es de risa continua, dolor de mandíbula.

“Claro, como estáis en un teatro aplaudís cualquier chorrada, tenéis que aprovechar el dinero de la entrada”. Dijo esa frase y observó, uno de primera fila le comentó que hasta ese momento llevaba cuatro euros recuperados de la entrada. Cuatro euros de diez. Ese chaval se convirtió en su punto de apoyo para salir de gran parte de gags, se generó una relación cordial.

Confesó que su grito sordo está en plena decadencia, lleva mas de diez años haciéndolo, pero aun así hay gente que sonríe, por esa gente lo realiza y por esa gente sigue así. El grito sordo es el cemento de su actuación.

Mirada psicokiller al chico de primera fila para pedirle un deseo “Chúpame un pezón”. Esa propuesta generó una tensión dramática en el resto de espectadores, ¿se lo chupará, no se lo chupará? Allright. A otra cosa. Su propósito era aumentar lo patético, ponerse a la altura de la situación, ya que si la moral, la política y casi todo está hecha una mierda, él quiere hacer lo mismo con la comedia. ¿Os acordáis de lo de wikileaks? Un espectador quizá jocoso o despistado no sabía qué era eso de wikileaks, eso hizo que Ignatius se pusiese serio (sí) y con un tono paternalista se lo resumiese, para después iniciar un delirante gag entorno a un padre y una hija, la cual (la hija) le preguntaba al padre por lo de wikileaks y tras un rato de conversación ella le proponía hacer el amor para olvidar la idea de la muerte.

Escatología, morbo, ataques directos a una pareja de novios que estaban en segunda fila… Hay que ir preparado a un show de Ignatius. Paró un segundo y grito: All los casos de eutanasia son de gente que lo pasa mal. Y te ves riéndote. Y te dices, madre de dios, qué jodido tengo que estar para reírme de esto. Después contó una anécdota apócrifa de Juan Echanove en la cual el actor declaraba que él nunca será un pederasta. Estaría bien que la anécdota tomase vida propia, como la de Ricky Martin y el perro.

Propuso que los hombres en vez de darse la mano al saludarse se chupen las pollas. Estábamos en los bajos fondos del humor y todo el mundo se estaba riendo. Enumeró a los chavales de primera fila “uno, dos, tres.. seis” y se le puso una sonrisa diabólica. “La próxima vez que os vayáis a saludar, no os chupareis las pollas, pero dudareis”. Siguió con una historia de amor entre Russian Red y un poligonero. Y atención, consiguió chuparle los pezones a su pequeño discípulo, le puso en pie, le desabotono la camisa y atacó su objetivo. Parecía la cumbre del show, pero no. Uno de los de primera fila había sacado el móvil para inmortalizar el momento pezón, al terminar, Ignatius observó una cámara profesional a pocos metros de distancia, “Tú no te conformas con una cámara normal, ¿no?”. Fue hacia esa persona directo. El cámara no dejó de grabar. “Eres misterioso” Le dijo Ignatius, seguido de un “este hombre aparece por la noches con su cámara en diversos lugares y desaparece, en EEUU le conocen como Batman, en España puto loco”. De nuevo risas generalizadas. “¿Tiene audio la cámara?” Y al recibir una respuesta afirmativa se soltó un pedo de proporciones bíblicas. Por la sonoridad quizá fue un pedo pintor. Sonoridad y olor. “Batman, yo también tengo superpoderes”. Lo justifico como un homenaje a los padres de la comedia.

El momento de terminar generó un poco de confusión pues se pegó un cuarto de hora diciendo que la actuación había terminado. Todo por la industria del espectáculo. Somos gente, estamos vivos y no nos estamos enterando ni de la mitad de las cosas que pasan. Gran y extensa actuación que quizá marcó el cenit de este año del festival Periferias.

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Pues no, no te vi por el concierto del martes en el Matadero.

Estuvo bastante bien, si hubieses estado en Huesca te habrías animado, que sí. Zombie Zombie llevan ese estilo krautrock que tantas ganas da de moverse. Ya, que si la hora no era la mejor, que si encima un martes… pero piensa que igual sería mucho peor si no hubiese conciertos. En la medida en que se pueda hay que apoyar este tipo de eventos. A ver que te resumo un poco la actuación. El show empezó bastante puntual, tres focos azules, uno de ellos apuntando al público. Un directo a la retina. Y una base con notas graves de larga cadencia, una especie de misa. No te sé decir si satánica o cristiana. Vamos a dejarlo en que era una introducción cuasi sacra. Entonces salieron tres tipos y se situaron en sus respectivas posiciones. Cada uno con un estilismo distinto, unidos por la luz y la melodía. La banda originalmente la forman Etienne Jaumet y Cosmic Neman, dos aclamados músicos franceses. Realizaron un pequeño parón tras la intro, igual para coger fuerza y empezar el sindios. Y no lo digo para mal eh, se lanzaron con un ritmo rozando la cumbia y en barrena hacia un despliegue de casi siete minutos. Hipnosis general. Cuando ibas a entrar en trance sacaban un sonido nuevo, proveniente de algun sinte, de algún juguete de los múltiples que llevaban y te sacaban del shock. Te sacaban para volver a introducirte en él. Batería, percusión, sintes, vocoder, multiples efectos y juguetes. Todo tamizado por los setenta, el rock progresivo mezclado con la cumbia, bases insistentes. Los graves fluían por encima de todo, eran insistentes. En uno de los temas que interpretaron “Elimination” sacaron una especie de linterna, un condensador de fluzo y se fueron señalando con él unos a otros. Una especie de ceremonia mágica entre ellos. Tras el condensador, Etienne Jaumet seguía mirando la chuleta en la que estaba la interpretación de su música, “esta rosqueta pa’qui y este chirimbolo carapa’lla”. Los cambios entre temas en ocasiones sonaron un poco deshilachados, que no mal, a ver, pero se notaba cierta falta de fluidez. Si eso lo llevasen tan bien como cuando se lanzan a por el tema habría sido apoteósico. Porque cuando tienen verdadera pegada es en mitad de sus extensos temas, cuando han pillado la cadencia, se dejan llevar, casi en un conato jam session, y van creando esas texturas. Retro, películas de miedo de serie b, algún grito a lo Suicide. Casi para terminar hicieron el tema mas extenso, una versión de Sun Ra “Rocket number 9”, en esta se gustaron, sacaron hasta un saxo, un canción extensísima y potente, de lo mejor del concierto.

Para terminar interpretaron “Black Paradise” y tras casi hora y media de concierto se despidieron del público en medio de un fuerte aplauso, vendieron algún vinilo, recogieron y para casa. Así son las noches de los martes en Huesca capital.

El pasado viernes volvieron los conciertos al Matadero, así que es oficial, el verano se ha terminado. Vuelven esas rondas de conciertos que tanta vida le dan a esta ciudad. En dos días Periferias y sin que te des cuenta, fin de año, ya lo verás. Los encargados de abrir temporada fueron maríaconfussion, grupo zaragozano liderado por María Perez Collados, cantante del mismo. Con un soporte musical perfecto, a los teclados estaba Faustino Cortés, guitarra eléctrica Pepe Vázquez y a las percusiones Jose Luis Seguer, con esa banda musical iniciaron su show de ritmos latinos bailongos. Interpretaron “Al lado del sueño”. María contaba que cantar es beneficioso para el alma y de esa manera pidió al público que cantara, justificando así la necesidad de la cultura, alegato que fue secundado con aplausos. Seguiremos haciendo camino. “Entre la tierra y el cielo” fue otro de los temas que tocaron. En algún momento la letra se definía poco. “No quieres que se desordenen las cosas”. Hubo hasta baile gipsy. Y María seguía cantando “yo prefiero mil veces la noche en la estrella”. Cubaneo, con ritmos de clave y algún momento mas cercano a Brasil. Y son de Zaragoza, presuntamente, porque si te dicen que son de Cuba, seguramente habrías dudado.

El perfil electroacustico del concierto fue todo un acierto. El cajón flamenco iba mandando las pautas y los momentos mas intensos eran dirigidos por el guitarrista a golpe de wha wha. Un wha wha mas cercano a Santana que a Hendrix. Todo próximo al mundo latino. Tocaron una canción dedicada a las inmigrantes latinoamericanas que vienen a España a cuidar ancianos y dejan a los suyos en su país. “Al otro lado del mundo”. Pero en ningún momento se salieron del casillero cubaneo soul. Fueron ellos al 120 %. María luego contó que hay gente que bebe demasiada realidad y que de allí vienen algunos problemas. “Nos anestesian con el bombardeo de imágenes que sufrimos al cabo del día”. Después interpretaron una nana para mayores. Los músicos siguieron dando buena muestra de su gran capacidad interpretativa. El guitarra iba de Pink Floyd a Offspring, momentos mínimos dentro del corsé étnico. Y todo cosido por las melodías del piano que iba introduciéndose en el momento exacto, creando una atmósfera perfecta.

Con vino y lectura todo pasa mejor, aseguraron. Una de esas dos palabras (o vino o lectura) debió ser la palabra clave, la cual generó la aparición de una mosca xxl por el escenario a modo de atrezzo. Estuvo hasta el final del concierto. “Mira, hasta la mosca baila”. María pedía ritmo a las butacas, la gente marcaba el ritmo dando palmas. “Cuando pases a mi lado menea mi corazón”.

Hubo un bis en el que el público se hermanó definitivamente con el publico. Coros, aplausos, un final muy agradecido. Y mientras, algún despistado observaba fijamente el lateral derecho del escenario, donde ha aparecido un agujero que recuerda a la película Fuga de Alcatraz, pero eso ya es otra historia… aunque si te acercas al próximo concierto del Matadero quizá aun lo puedas ver.

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Aquí no paró de llover en todo el día. Lluvia como fenómeno atmosférico, que últimamente hay que explicarlo todo.

Aparte de eso pues estamos en la semana de la música y para empezarla con buen pie vinieron a tocar Tenniscoats, un grupo procedente de Japón formado por Saya a las voces y Takashi Ueno a la guitarra. En esta ocasión les acompañaba Tetsuya Umeda que fue incorporando arreglos bizarros a las composiciones.

Son canciones básicas, de acordes repetitivos, bucles, una manta para la voz de Saya, la cual cuando no cantaba aprovechaba para tocar un piano o la melódica. Todo tenía un regusto performance. Les agradaba la melodía, de hecho en ella se basan, pero le dieron una importancia a la puesta en escena tremendo. Bueno, de eso hablaba la gente, “fijate, han quitado el telón de fondo, se ve la puerta de emergencia”. Y entonces la cantante dijo las palabras mágicas: “Luz, oscuridad”.

Empezaron las clases de trip japo. Quitaron por completo la luz de toda la sala. Alguno pronosticó un nuevo Puerto Urraco. Los arreglos de Tetsuya empezaron a brillar. Literalmente. Todo el sistema de aparatos y cachibaches cobró una nueva vida. Un cubo que recogía gotas de agua. Clin. Una piña dando vueltas sobre si misma a doscientos por hora. Una pelota de ping pong. Ventiladores. Arreglos muy íntimos, tanto que casi rozaban el autismo, el hikimori. Un fin de semana en casa, familia feliz. En todo caso, arreglos deliciosos que te hacían abrir aún mas los ojos. Porque seguíamos a oscuras. El público se empezó a acostumbrar a la nueva situación y Saya decidió pasearse entre las butacas. Parecía un espectro. Que alguien llame a Iker. Poco a poco la luz fue aumentando. Nadie creía estar en el mismo lugar. Estaba funcionando. Ademas tocaron una versión de La balada de Sacco y Vanzetti, canción que cataba Joan Baez, un himno de anarquistas. Está claro que solo hacen lo que les motiva de verdad.

También tocaron su hit Baibaba Bimba y el público empezó a cantarla con ellos. Quizá había poca gente, el día no acompañaba, pero todo el mundo disfrutó como pocas veces.

En la ultima canción del repertorio se marcaron una insólita despedida por la puerta de emergencia, la que al principio llamaba la atención. El guitarra y la cantante salieron por ella dejando al permorfer Umeda dentro. Aplausos. Cabe volver a recordar y destacar la lluvia y que los interpretes iban descalzo. Huele a gripe.

Luego hubo un bis en el que se marcaron un blues, se soltaron un poco mas, hicieron conatos de baile, los arreglos fueron aún mas locos. Y final agradecido.

Tres tipos que bajan nerviosos de un autobús. Canciones que te pueden hacer soñar. Pesadillas y maravillas. Un viaje en toda regla. Ahora toca descansar, han escuchado las plegarias.

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Existe una leyenda oscense que cuenta que cada vez que se genera un evento de cierta importancia/notoriedad, Nick Nolte se hace carne y aparece por esa situación, aportando parte de su alegría. Pues el sábado Nick apareció, quizá un poco tarde, el tiempo que les costó a los músicos (ese gremio tan marginado) entrar en calor. Es probable que la gira les descentrara, Tokio es así de cruel, pero no solo los países son malos, también las personas, como por ejemplo “El Tano”, personaje que robó a Copiloto hace dos semanas en su concierto de Barcelona. Y aún así, sin ser las mejores circunstancias, hubo una buena entrada y un buen concierto. La banda cada vez suena más compacta, y es probable que cierta culpa del problema sea de Rafa Dominguez, falta corroborar las fuentes (y no, no hablo del barrio). El pop funciona, nos criaron en ese mundo. El último disco de Javier lleva por título “El inicio, el desencanto y el círculo de confianza”, y aunque parezca un nombre largo (que lo es) el álbum se pasa rápido y tranquilo. Todo mu rico [sic]. Tocó gran parte de esa grabación pero no se olvidó de sus trabajos anteriores.

Y es que “Yo no quiero a nadie” es un hit, y él lo sabe, aunque modifique la letra, antes cantaba “nadie me quiere a mí”, frase que ahora ignora. Quizá se ha dado cuenta que se equivocaba, porque ese es otro de los problemas, el público quiere a Copiloto. Ya llevamos dos, al tercer problema cerramos la crónica. Noté muchas referencias a la música anglosajona, Eels, The Beatles… incluso en uno de los temas hizo una rentrée a lo Hello goodbye. Detallicos que se agradecen. La banda que le acompaña, los javieres, rafael, jorgico, forman “el círculo de confianza”. Se rumorea que Copiloto puede dejar Copiloto para unirse al Círculo, ojo cuidao. Bueno, ¿y el concierto qué tal? Cuéntame (cómo te ha ido) algo, que parece que no hayas estado presente. Pues tuvo una puesta en escena mejorable, pero todo es mejorable, ¿no? Hubo palmas, lo recuerdo, eso conlleva que cierta empatía con el publico generó, pero bueno, que ya te he hablado del amor, no me hagas ser pesado. En esta vida se puede ser cualquier cosa menos pesado. También escuché siniestros coros, por parte del publico eh, con referencias muy marcadas a Fraggel Rock, eso es que la gente se lo estaba pasando bien. Creo. Quiero creer (por eso escribo). Y eso que no hay barra en el matadero, como se enteren los del 15M igual nos hacen otra sentada. Hubo bis, ese concepto tan extraño. A casi cualquier concierto al que vas sabes que cuando los músicos se van del escenario volverán. ¿No te cabrea eso? A mí un poco, pero no me suelo cabrear. Bueno y aparte el bis no lo vi, pero lo escuché. Y la gente dice que mu bien, pero que va a decir la gente si la gran mayoría tiene miedo de quedar mal. La frase anterior no es una referencia al PP, que quede claro. Esto es crónica musical, céntrate. España perdió, ¿no? ¿Pero quién marcó? Para qué narices tienes internet. Para bajarme el disco de Copiloto, que paso de comprarlo, es muy caro. Pues el último disco tiene una portada bien maja, tú té lo pierdes. España necesita fetichismo. Y parte del cariño que Javier intenta aportar. La ayuda internacional está demasiado vista, ya no es indie, ya no mola. Y bueno, amigo mío, hasta aquí, la crónica, si no te ha gustado, discúlpame, es mi primer día, que no es ninguna excusa pero queda muy bien. Gracias por el concierto Javier. Anda, pilla el perro que nos vamos a Pompeya.